Ornement – Wikipedia

UN Ornement (De Lat. pont “Décorer, décorer, organiser, préparer”) est un modèle principalement répété, souvent abstrait ou abstrait, élément de bijoux ou motif en soi symbolique Fonction. Les ornements peuvent être trouvés sur les tissus, les bâtiments, le papier peint. Les ornements sont souvent des composants ou des motifs dans l’art décoratif, par exemple dans l’artisanat.

Les ornements utilisés sont résumés comme décoration , ornement , Bijoux , Ornementation ou Ornementation désigné. ^[d’abord]

Chaque ornement s’écarte formellement de manière significative du motif de fond et est souvent différencié en couleur ou par levé. Déjà à l’âge de pierre, il y a des vaisseaux en céramique décorés d’ornements. Les ornements peuvent être formés dans des floraux figuratifs ou des tissles de fantaisie. Les fleurs et les ornements de feuilles sont souvent dans les églises, les cathédrales, les croisades et autres bâtiments sur des colonnes ou au froid ainsi que sur les plafonds (stuc) ou les entrées de maison. Les ornements peuvent également former des résumés, tels que des modèles de clan traditionnels ou des signes tribaux, pour illustrer l’appartenance du transporteur. Ils sont particulièrement communs dans l’art islamique (en raison de l’interdiction de l’image) en tant qu’arabesque.

Quand Ornement On fait référence à l’intégralité des ornements en ce qui concerne leurs formes typiques dans certains styles ou pour un certain objet d’art ainsi que l’art des décorations. ^[2] L’ornementation des architectures de colonnes classiques occupe une position spéciale, car elle suit généralement la logique tectonique. Les ornements individuels sont compris comme des réminiscences d’éléments constructifs de l’architecture du bois grec précoce. L’utilisation appropriée des ornements individuels est donc soumise à des liaisons canoniques et est un sujet déterminant de la théorie architecturale moderne précoce.

Les ornements sont limités à partir d’images au sens classique en prenant leur fonction narrative en arrière-plan par rapport aux décorations. Ils ne construisent ni une illusion en termes de temps ni dans la profondeur spatiale. Les ornements ne racontent pas une action continue et sont limités à la zone. Néanmoins, les ornements peuvent être naturalistes et en plastique, ou des objets individuels tels que les vases sont utilisés ornementaux s’ils décorent comme fonction principale.

Les ornements subordonnés et en plastique sont confrontés à l’abstrait ou au stylisé. La stylisation peut affecter des éléments ou des formes individuels ou comme dans le mouvement arabesque. Plus un ornement est abstrait, plus la raison apparaît forte comme un modèle indépendant. En plus de leur degré d’abstraction, les ornements diffèrent dans leur relation avec le porteur. Les ornements peuvent accentuer (rosettes), membres (ligaments, bandes en architecture), remplir et cadre. Le transporteur peut déterminer l’ornement ou, inversement, être dominé par l’ornement. L’intensité et la densité décident également de la relation avec le transporteur.

Les ornements sont non seulement examinés comme un genre artistique, mais aussi dans leur développement élégant et dans le contexte de la perception humaine. Cette dernière approche essaie d’utiliser l’étude de la connaissance de l’ornementation de la psychologie. La fascination des humains dans des formes élémentaires géométriques simples est expliquée avec la nécessité de sélectionner le grand nombre de stimuli d’image chaotiques. Pour apparaître esthétique, les ornements doivent également avoir une certaine complexité selon cette approche. Sinon, ils sont réglés comme conformes aux attentes.

L’histoire du style de l’ornement traite du développement temporel de motifs de décoration et de sa conception et a été justifié par Aloi Riegl à la fin du 19e siècle. Si une autre culture reprend un motif afin qu’elle perde ou change sa signification d’origine, ou lorsque le support de transporteur ou la technologie de fabrication change, par exemple par la masse et la production automatisée, les motifs se développent. Différentes cultures ou courants locaux sont dans une interaction et s’influencent mutuellement. Parfois, certaines formes d’un ornement sont si typiques d’une époque, d’un lieu ou d’un seul artiste qu’elles sont utilisées pour déterminer l’origine.

La discussion sur les ornements a été déterminée à plusieurs reprises par le principe du décorum, qui s’appliquait à l’ornementation, que ce soit le lieu ou la conception. Cela comprend si un ornement est compris comme kitsch ou surchargé. Ce qu’une société semble appropriée dépend de ses normes. Étant donné que les décorations peuvent couvrir la valeur peut-être faible ou la fonctionnalité de leur porteur, l’histoire au nom de la beauté et de la grâce naturelles était souvent contestée, donc pour parler, une ornementation classique.

En plus de l’art, l’ornement de la musique en tant qu’ornement éventuellement librement improvisé se produit sur ou en rhétorique, où cela signifie une langue picturale ou rythmique exagérée. De plus, les éléments ornementaux apparaissent dans la peinture classique, par exemple dans le repliement rythmique du tissu ou dans la représentation d’enroulement des figures.

Ornement des 16e et 17e siècles

antiquité [ Modifier | Modifier le texte source ]]

Modifier l’orientation [ Modifier | Modifier le texte source ]]

Au Moyen-Orient, les décorations géométriques simples remontent à 10 000 ans, reçoivent des outils, des navires en argile ou des murs de grottes. Les modèles de palmette et de rosette, en spirale et en ligne ont déjà été utilisés depuis plusieurs millénaires avant JC. Utilisé pour la décoration. Deux motifs végétaux répandus dans l’Égypte ancienne sont le lotus sous ses formes comme une feuille, un bourgeon ou comme une fleur et le papyrus comme fleur. De plus, les motifs ornementaux dans l’Égypte ancienne comprennent également des animaux (comme la bukrania), des personnes, des personnages et des modèles géométriques. Les motifs sont alignés, alternés ou connectés à des lignes (comme les lignes en spirale). D’autres motifs qui trouvent la propagation avant l’antiquité classique comprennent les pommes de pin et les grenades. Les Triplespirals et les Triskeles sont des motifs du passé. La roue vertébrale Une modification de la croix gammée est ajoutée plus tard.

Dans l’architecture, les ornements sont principalement utilisés pour étiqueter les membres de la construction individuels ou pour encadrer les surfaces. Les motifs géométriques peuvent également couvrir les façades entières à plat ou disposées en registres. Des décorations particulièrement riches peuvent être trouvées dans l’architecture phrygienne, en particulier dans les façades rocheuses du Midasstadt. Les influences de l’ornementation orientale ancienne peuvent être trouvées u. dans l’art grec et l’architecture à nouveau.

Antiquité classique [ Modifier | Modifier le texte source ]]

Dans la Grèce antique, de nombreux nouveaux designs sont créés en particulier pour la construction du temple et les réglementations colonnes décrites à Vitruve sont créées. Une attention particulière s’applique à la conception des capitales. Les représentations de figures peuvent être trouvées, principalement en soulagement, en particulier dans les Frisiens ou les pignons du temple.

La lame de lierre arrive relativement tôt, plus tard la feuille d’Acanthus comme un ornement, ce dernier, en particulier sur le chapitre corinthien. De plus, les ornements polyvalents, tels que le classement et les palmettes, se développent dans leurs formes classiques. Il existe des caractéristiques telles que la demi-palmette et la palmette circonscrite, ainsi que l’élément de connexion la vrille d’onde libre, qui se développe plus tard spatialement. Le méandre peut être trouvé dans tous les genus artificiels particulièrement répandus dans ses diverses variantes.

Contrairement à l’ornementation égyptienne ancienne, les motifs sont non seulement disposés strictement aux angles droits, mais – par exemple sur le pignon – peuvent également être en diagonale. Les ornements sont observés dans leur relation avec le contenu, par exemple comme cadre de représentations sur des vases.

Dans l’hellénisme et l’antiquité romaine, v. un. dans les tendances spatiales et naturalistes de l’Ouest dans l’ornementation; Les représentations humaines et animales (putten, fantaisie ou oiseaux) augmentent. D’une part, l’antiquité tardive conduit à une naturalisation supplémentaire et à un remplissage de surface luxuriant, qui v. un. devrait servir la représentation de la richesse. Cependant, les motifs sont souvent utilisés relativement librement, presque stylisés. Par exemple, la feuille d’Acanthus non libre apparaît, dont la vrille de connexion se poursuit à son sommet. Un style plutôt abstrait se développe, en particulier à l’est. Les autres motifs typiques de l’antiquité romaine sont le laurier, les raisins et les feuilles. La colonne perd sa fonction exclusivement porteuse de charge et est utilisée ornementale.

moyen-âge [ Modifier | Modifier le texte source ]]

Le Art carolingien La palmette et l’Akanthus ont pris le plus de 800 de l’antiquité tardive seulement quelques siècles. De plus, le décor de bande animale et tressé de la tradition celtique et germanique s’est maintenu. Les deux influences étaient encore dans le roman efficace. Le feuillage des bijoux de chapitre a utilisé l’Acanthus plus ou moins classique. Construire l’ornementation des formes géométriques préférées, telles que les coupes dentaires, l’attractif ou la frise arquée. Dans les frontières et les initiales de la peinture de livres, les éléments végétaux se sont principalement développés à partir de la palmette et de l’acanthe, qui contrastent avec le gothique toujours limité par les séparations et les cadres de champ.

Le genre ornemental le plus important du genre ornemental le plus important se développe gothique . Créés comme un élément d’architecture pour la structure et l’adaptation statique des grandes surfaces de fenêtre en verre, celles-ci dans leur linéarité ont été légèrement transmises à des éléments décoratifs décoratifs tels que sur des retauches sculptées, des monstrances plaquées en or ou des pages de livres peintes. La directionnalité verticale du tracerie trouve une variante dans les arcades pointues radialement disposées de la fenêtre Rose. Contrairement à ces caractéristiques géométriques et abstraites du traceur, le gothique est une plante presque naturaliste ou une hernie orale. Il varie initialement sur le chapitre, puis déplace l’Acanthus classique, le remplace par des feuilles de vin et le feuillage des plantes indigènes. Les feuilles sont typiques de l’ornement de travail à feuilles caduques d’Europe centrale au 14ème siècle, puis, à la fin du XVe siècle, la vrille de type chardon. ^[3] La façon dont le tracerie augmente dans la façon dont il devient de plus en plus complexe, les arches pointues sont des flammes pliées (“flamboyantes”), comme les trois-denap -in -in-chief composés de trois bulles de poisson.

• Ornementation médiévale
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  Image évangéliste d’un manuscrit du 9ème siècle: en plus des palmettes liées à l’antiquité (dans l’arc), des ornements de bande “germaniques” (sur les piliers).

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  ACANTHUS CHAPITRE DE PRINGY, 12e siècle

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  La tracerie de Flamboyante d’un Retabel d’Antwerpener à Dijon, vers 1520.

Théorie de l’architecture et ornementation de la construction à la Renaissance [ Modifier | Modifier le texte source ]]

Avec la redécouverte des écrits de Vitruvi, au XVe siècle en Italie, un examen intensif de l’art et de l’architecture antiques, dont les formes et l’ornement déplacent bientôt les formes médiévales. En particulier, les bijoux de construction de ruines romains sont étudiés, copiés et répartis dans des tracts par des architectes contemporains. ^[4] Les peintures murales romaines, en particulier le grotesque, offrent d’autres modèles pour l’art dans la construction. La pression du livre, qui est également établie pendant cette période, est utile pour la propagation des conceptions anciennes et de l’ornementation, dont la qualité croissante permet également des illustrations du début du XVIe siècle et (plus tard aussi colorées).

En plus de la réglementation des colonnes, les nouveaux discours théoriques architecturaux comprennent également des principes généraux de conception et de conception qui iront bientôt au-delà des enseignements de Vitruvan. Pour Leon Battista Alberti, l’ornement joue un rôle important en relation avec la définition du terme beauté (pulcritudo). La beauté, selon Alberti, est un état idéal dans lequel rien ne peut être retiré ou ajouté au bâtiment sans que la beauté soit réduite. Étant donné que cette condition n’est pas atteinte dans la réalité, l’ornement est appliqué au bâtiment de l’extérieur afin de souligner les avantages du bâtiment et de cacher les défauts (Alberti: de re aedificatoria, Venise 1485, livre VI, chapitre 2).
L’application la plus importante de ce schéma dualiste de beauté et d’ornement peut être trouvée dans le motif de théâtre, qui devient la structure la plus importante du bâtiment à la Renaissance.

16e et 17e siècles [ Modifier | Modifier le texte source ]]

Les points ornementaux publiés sous forme de modèles pour artisans dans les feuilles individuelles et sous forme de livre ont donné une bonne image du développement du style ornemental au nord des Alpes depuis la période moderne. Encore plus qu’au Moyen Âge, les ornements se forment désormais comme des transformations et des répliques d’éléments anciens tels que les palmettes, les festivons, les vases, le bancuss, les bonbons et d’autres éléments architecturaux. Désormais, le motif basé sur la plante le plus important est le plus ou moins tourmentant, parfois en filigrane, parfois épais, les acanthes de couverture à feuilles.

L’Arabeske se réveille également dans une nouvelle vie à la Renaissance, mais contrairement aux motifs suivants, il n’indique pas de décorations limitées dans le temps, mais reste un motif qui est répété dans divers styles à la période baroque.

Dans la Renaissance italienne, le grotesque (ornement) connaît une fleur spéciale, mais se produit également occasionnellement sur l’Europe comme une grande décoration murale à l’échelle. Le maçon appartient également à cette époque. Les variations de la plante à rouleaux, ajustement et style cartilage, qui sont répandues du milieu du 16e au milieu du XVIIe siècle, peuvent parfois être attendues aux grotesques s’ils conservent leur caractère fragile et en forme de grille, mais les retirer lorsqu’ils apparaissent comme un soulagement ou s’efforcent également pour des effets tridimensionnels dans la région. Plus précisément: le collège (à partir de 1520) est une bande de bande englobée et roulée, fabriquée, fabriquée et multi-réparties qui se produisent en particulier sur le cadre et les cartouches. En dérivé, souvent combiné avec lui, le brumeux (vers 1550-1630) avec ses formes, qui est coupé géométriquement et “rivetée”, est montrée. Lorsque cet ornement coule et se déplace dans la queue fonctionne (vers 1580-1630), des formes de gonflement qui s’épuisent sous forme de volute ou de club sont créées. La tendance à l’amorphe de ce style ornemental est augmentée dans les variantes du style de cartilage, de pâte et de moules AUR (1570–1660), qui ne se distingue guère les unes avec les autres et sont également utilisées synonymes. Dans la seconde moitié du XVIIe siècle, la plante de la lame Acanthus qui a souvent surévalué les surfaces.

• Ornements des XVIe et XVIIe siècles
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  Faire rouler
  FontaineBleau, un 1530

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  Mauresken.
  Vredeman de Vries, UM 1560

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  Raccord
  Hans Vredemann de Vries, Ornamentstich, 1581

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  Queue
  Lucas Kilian: New ABC Booklet, 1627

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  Cartitille
  Silbergefäß, Adam Van Vianen, 1614

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  Cartouche de pâte
  Hans von Aachen peint Paulus van Vianen avec Adriaen de Vries en arrière-plan. Gravure en cuivre, vers 1630–1650

18ème siècle [ Modifier | Modifier le texte source ]]

Le feuillage et la plante de bandel, qui a été émis par la France (ici 1680-1720), domine également le reste de l’Europe dans la première moitié du XVIIIe siècle et prépare la légèreté et l’élégance du Rococo dans le style de régénération végétale encore plus déterminée (1715-1730). Au cours des premières décennies, il y avait encore des vrilles délicates, des ligaments liés et des compositions tectoniques symétriques, la rocococaille avec sa plante de coquille, la volute et les comptoirs qui laissent la liaison spatiale en faveur de l’asymétrie, encore plus limité de la nature – avant l’avantage, mais n’est plus limitée par le cadre, mais se balançant librement dans l’espace vide. Le blanc, le plus économiquement accentué par l’or, est le domaine d’application caractéristique pour Rocaille, qui joue entièrement son aptitude en plastique ici. L’artisanat offre également de larges zones d’application dans les applications en porcelaine, en argent, en sculpture de meubles et en bronze. La variété française de cette phase de style, la Louis Quinze, est, comme toujours en France, rationnelle, dans la tendance plus classique et se déplace dans le classicisme réel vers 1760. Cependant, les règles du décorum doivent toujours être prises en compte en France: le choix de l’ornement approprié dépend de l’objectif; Le rocaille (bien que principalement symétrique) se produit également en France, vous seul pouvez trouver les rocococotives ludiques plus dans le boudoir, par exemple que dans la salle du trône.

• Ornements du XVIIIe siècle
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  J.-F. Blondel: Étude, 1738. L’ornement de rocaillen français est plus stricte et plus symétrique que dans les régions allemandes.

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  Cela prouve également l’installation et la structure des murs dans la “Rocille Room” du Paris Louvre.

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  Rocaille, ornement typique de moules du rococo

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  Le plafond suce le Wieskirche (1754) montre à quel point l’ornement Rococo était indépendante idéalement fait de n’importe quelle ligne droite.

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  Secrétaire du château de Karlsruhe. Les coquilles de bronze dans les formes de la plante de moule jouent un rôle accentuant dans les meubles Rococo.

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  Détail de l’un des J.-A. Navire conçu par Meissonnier. La technique de conduite du Silver Smith a été particulièrement hébergée par la surface animée du rococoornamen.

À la fin du XVIIIe siècle, dans les années autour de la Révolution française, les formes de transition entre Rococo et Classicisme, en France Louis-Seize, en Angleterre “Late Géorgie”, le style joséphinien en Autriche et prononcé en Allemagne comme un style braid, caractérisent une phase qui se déchaîne par la non-liés. Désormais toutes les formes durcissent et se solidifient, les éléments végétaux économiques sont fermement limités dans les festons et les tresses, les volontaires sont brisés, tous les éléments individuels encadrés et disposés à nouveau.

19ème siècle [ Modifier | Modifier le texte source ]]

Ces tendances classiques ont trouvé une forme dans l’Empire vers 1800 à 1815, les éléments de l’antiquité égyptienne, grecque et romaine, comme cela avait été le cas à la Renaissance. Les progrès de l’archéologie et des sciences historiques ont fourni des suggestions. Cependant, les anciens ornements (couronnes à laurier, palmettes, ovaires, canneries, vases, rosettes et méandres) n’ont été utilisés avec parcimonie; Des lignes droites et des surfaces lisses sont disponibles. Dans le développement ultérieur du classicisme, cet idéal de strict, de clarté et de simplicité revient en faveur d’un enrichissement avec les motifs individuels mentionnés. Tous les siècles et au-delà du siècle, le classicisme est resté une option, entre autres, qui offre différents styles en tant qu’historics, y compris les méthodes d’ornementation. Semblable aux règles du décorum au cours des siècles précédents, les différentes tâches de modification des méthodes d’ornement étaient également liées à certaines significations. Cependant, les phénomènes sont aléatoires, undogmatiques, parfois aussi arbitraires. De plus, des ornements de styles différents pourraient être combinés. Cela fait un aperçu systématiquement structuré.

Néo-gothique . Le néo-gothique, entièrement développé vers 1820-1840, est né d’un virage romantique et allemand au niveau national vers un moyen d’âge idéalisé. Dans l’artisanat, des motifs tels que des arches pointues, des entrevues et des vrilles de chardon sont réparties sur des navires et des dispositifs qui n’avaient jamais existé au Moyen Âge. Dans l’architecture et l’équipement de l’art du bâtiment de l’église, les motifs restent contraignants jusqu’au début du siècle, lorsque le neuromane neuromane est partiellement remplacé, ce qui, cependant, n’apparaît à peine comme un style ornemental en dehors des besoins de l’église.

Orientmode . Après que la chinoisie ait à peine survécu au XVIIIe siècle, après le milieu du XIXe siècle, un artisanat oriental a été créé à nouveau, qui était désormais basé sur des modèles de l’Inde et de l’Orient avant. Le japonisme virulent en peinture française depuis les années 1880 a laissé quelques traces dans l’artisanat européen, à l’exception de la céramique.

Ornement de plante . Une décoration qui ne faisait pas partie de l’ornement au sens plus étroit est la décoration avec des fleurs, des branches et du feuillage, une mode qui a été considérablement stimulée par les expositions de l’exposition London World de 1851. Toujours très naturaliste au début, il atteint une stylisation au plus haut niveau de la région anglo-saxonne dans le mouvement des arts et de l’artisanat, et en même temps une indépendance étendue des modèles historiques. En Allemagne, ce style axé sur la réforme, du moins en termes d’ornementation, n’a pas trouvé de successeur. ^[5] Mais pour le développement de l’art floral nouveau, elle a offert des étapes préliminaires pionnières.

Ornementation de la nevoyissance sur le catalogue des modèles du Musée du commerce de Brême, 1889.

Nevrenenaisance . Une large gamme a été comprise par la Renaissance au 19e siècle.
Semblable à l’architecture, un développement du style arc rond réservé des années 1840 à l’abondance surchargée de détails de la “Renaissance allemande” après la guerre de Franco-Germane de 1870/71, les ornements empruntés au riche motif de l’histoire de l’art dans la seconde moitié du siècle et à la gamme des précoces du Baroque au début.

Neorokoko . Au cours des décennies du classicisme, le rococo à long terme, par exemple dans des meubles peints et d’autres objets de l’art populaire, n’a jamais été complètement oublié. Il a de nouveau vécu dans les années 1830, mais plus pour l’intérieur élégant et les vitrines (en particulier en porcelaine) que dans les meubles et l’architecture. Les rosettes principalement et plus excessives du «deuxième rococo», dans la phase de la restauration, manquaient l’élégance de leurs modèles de rôle du XVIIIe siècle, contrairement aux créations du “Troisième Rococo” ^[6] À partir de 1880, qui étaient d’autant plus sans imagination pour le langage de conception de leurs modèles. Jusqu’aux années 1920, les installations intérieures dans le style du Rococo n’étaient pas rares.

Neubarock . Bien que toutes les formes et dimensions des richesses luxuriantes et démonstratives «baroques» soient tendues dans les arts et l’architecture du siècle dernier du siècle dernier, les ornements du XVIIe siècle, en dehors de certaines formes de base telles que les cartouches, les couronnes, Volute et Godron, ne jouent plus un rôle. Là où la richesse florale est décorée, la beauté fluide de l’art nouveau indique parfois.

modèles .
Pour une époque qui a été expressément attachée à la renaissance des formes de style historique, la question des médias, que cette médiation a particulièrement intéressé, est le plus que l’ornement est un répertoire normatif de forme d’ici la fin du siècle.

Livres de modèles et collections approfondies de front ^[7] Reflétez à la fois la revendication cyclopédique presque formée d’une science de l’art, qui ne faisait que se développer à l’époque, et le modèle a besoin de la part des artistes, des architectes et des artisans. Pour la même raison, les musées du commerce artificiel surviennent dans de nombreuses grandes villes, qui émettent l’ornementation de l’art et de l’artisanat de toutes les régions et époques du monde dans des exemples authentiques et en même temps non seulement transmettent des compétences techniques avec des apprentissages connectés, mais également transmettre l’intégration “de goût” de l’ornement, de la fonction et du matériel.

20ième siècle [ Modifier | Modifier le texte source ]]

L’avant-garde viennois a formulé la première critique violente de l’ornement dans la phase du modernisme pré-moderne ou précoce entre le tournant du siècle et la Première Guerre mondiale. Adolf Loos en particulier a formulé cela dans son essai Ornement et crime À partir de 1908 et avec son Loos-Haus sur Michaelerplatz et Otto Wagner avec son PostSparkasse, deux bâtiments conçus, qui ont presque complètement renoncé à la décoration ornementale. Il y avait des tendances similaires à Loos-Freund Arnold Schönberg, qui voulait libérer la musique classique de tous les redondants et superflus, ainsi qu’avec les peintures d’Egon Schiele, nue et réduit Gustav Klimt par rapport aux décorations dorées. La critique de l’avant-garde viennoise sur l’ornement, qui a eu une grande influence sur Weimar moderne et donc le Bauhaus après la Première Guerre mondiale, doit être compris, en particulier dans les circonstances spéciales de la capitale autrichienne comme centre d’un État multiple qui se brise. La superficialité ci-jointe des façades de Ring Road représentatives et de Ring Road a mis l’accent sur les critiques d’un grand nombre de jeunes designers, car il était assimilé à un grand nombre de griefs dans le pays: la double moralité catholique prévalant dans le pays, la nouvelle bourgeoisie bénéfique pour l’industrialisation et une impérialité obsolète.

Après la Seconde Guerre mondiale, lorsque l’émigration de Walter Gropius et de Ludwig Mies van der Rohe en Amérique et de la fondation là-bas en tant que nouvelle maison de bâtiment, les enseignements du Bauhaus des États-Unis appliqués par les États-Unis en tant que style international, collé, papier peint et façade avec un sort et l’école ULM et la typographie suisse dans le domaine de la conception de produits et du graphique.
Ce n’est que depuis la postmodernité et enfin avec la révolution numérique que l’ornement joue un rôle plus important dans les développements de conception actuels.

En tant que constante anthropologique, il est revenu à la modernité comme une anthropalisation des processus de communication en tant qu’élément graphique croisé et culturel. En tant que protagoniste d’un renouveau de l’ornement dans la conception de la communication au début du 21e siècle, le monde Pixel -art d’Eboy, la conception d’entreprise du directeur de Berlin Berlin à travers Apfel Zet, est le magazine idn, les applications Web conçues à Hong Kong par Yugo Nakamura, Tokyo, ou l’aspect de la foire commerciale du monde. .
Dans l’architecture, cependant, il existe encore des réservations majeures pour utiliser l’ornement.

Dans l’architecture et la conception de produits de la modernité, le scepticisme et le rejet généralisés par rapport à l’ornement développé. Au lieu de cela, la formule “Formulaire Fonction” a été propagée. Adolf Loos, publié en 1908, était particulièrement populaire Ornement et crime , dans lequel il a parcouru l’utilisation de l’ornement et de la décoration et l’a décrit comme superflu.

Pour le docteur Hans Martin Sutermeister, l’ornement était une régression récréative: la “magie sur l’ornement” était basée sur son résumé en répétant Respcative Resp. suggestif Effet, qui est dû au fait que […] les stimuli externes rythmiques prennent de plus en plus effet sur [les] couches de profondeur de notre psyché. » ^[8] Semblable à la musique rythmique, l’ornement peut être utilisé pour influencer le spectateur (ou l’auditeur).

Frites et autres ornements linéaires [ Modifier | Modifier le texte source ]]

Zone et autres ornements [ Modifier | Modifier le texte source ]]

Image	Nom	Description; Arriver
	Le réalisateur	Ornement végétal (Akanthus); Depuis l’antiquité grecque z. B. Dans les capitales des colonnes corinthiennes
	Ara Doke	Dans la Renaissance des modèles antiques tardifs développés, un ornement de vrille naturel et de vestige naturel en surface. Le terme fait référence à la fois les vrilles de l’Acanthus de la Renaissance et les chars à feu les plus stylisés dans l’art islamique.
	Enregistrer	Ornement plat à partir de corps multiples toujours constants. Presque toujours combiné avec le feuillage, également également appelé “plante de feuille et de bandel”. Surtout en Allemagne vers 1710-1740.
	arbre de la vie
	Raccord	Des ornements de type bande, dont les formes rappellent les raccords métalliques Borne. À la fin du XVIe siècle, il a été développé aux Pays-Bas puis s’est propagé surtout en Allemagne, où il est resté en service jusqu’en 1620.
	Bukranion
	célébrer	Des pentes en forme de fille et des couronnes de feuilles, de fleurs et de fruits. Dans la construction, le plastique et l’intérieur de l’antiquité, en particulier alors le moteur décoratif de la Renaissance et du classicisme.
	Bulle de poisson aussi Douceur	Une forme d’ornement en forme de goutte incurvée, qui est généralement disposée pour plusieurs; Surtout dans le tracerie du gothique tardif
	Tresse, aussi Bien	Un ornement de lignes ou de rayures en forme de bande régulièrement sinueuse; Depuis la préhistoire, mais surtout au Moyen Âge et à la Renaissance
	Fleuron	Motif stylisé, feuille ou fleur, en particulier dans l’art du livre comme un ornement final.
	Lait	La décoration de jante, dans laquelle certaines zones d’un récipient rond sont occupées par des côtes radiales, principalement en pente et bouclées se terminant par une courbe. Surtout dans l’orfèvre.
	Grotesque	Fine-Loving et Airy Envet Works en formes organiques et architecturales comme remplissage de surface. Inspiré par des peintures murales anciennes, mettant en évidence dans la Renaissance italienne, après le XVIIIe siècle.
	noeud celtique
	Cartitille	Également un roulement ou une pâte. (Engl.: Style auriculaire, français: Style Cartilage, néerlandais: kwab-ore). Différentes variantes d’ornement de l’ère artistique du maniérisme à partir de 1600.
	Labyrinthe	Schéma linéaire d’un système de ligne à peine créé. De charme ornemental, mais surtout le sens symbolique prédomine.
	Maßwerk	Élément d’architecture à l’origine avec des lignées conditionnelles statiques, dans lesquelles la fin indépendante gothique et développée a varié.
	Causien	Dans une répartition uniforme de distribution, réparti à partir de vrilles stylisées. Plus développé à la Renaissance basée sur un modèle mauresque, souvent avec un fort contraste noir et blanc.
	Millefleurs	Décor de fleurs éparses plates et denses sur les tapisseries de gothique tardif.
	Palmette	Feuilles de palmier stylisées. L’un des motifs d’ornement les plus courants, non seulement dans l’art européen.
	Broche	Représentation stylisée du fruit d’un pin, souvent comme une sculpture ou une dépendance; Depuis l’antiquité romaine.
	Rocaille	Ornement en forme de moule, principalement asymétrique des décennies du XVIIIe siècle, nommant pour le Rococo
	Faire rouler	Les formes de bande à emporter en plastique, dont certaines sont entrelacées et branchées; Maniérisme, baroque précoce.
	Rosette	Une rose stylisée comme un élément rond décoratif. Également pour la forme radialement disposée des entrelacs.
	Queue	Les virages en C et en S, dont les extrémités sont épaissies comme les clubs. Temps: maniérisme au début du baroque (environ 1570–1630)
	Sebka	Arches qui se chevauchent; Architecture maure.
	Orienté vers	Variante du travail du cartilage, mais encore plus lobé. Pays-Bas et au nord de l’Allemagne, vers 1590 à 1680
	Volute	Une forme d’escargot (spirale); Au moins depuis les temps anciens grecs, en bonne place dans les réglementations de la colonne ionique.

• Markus Brüderlin (éd.): Ornement et abstraction – Art des cultures, modernité et présent dans le dialogue. Catalogue d’exposition. Éditions allemandes et anglaises. Dumont, Cologne 2001, ISBN 3-7701-5825-3.
• Frank-Lothar Kroll: L’ornement de la théorie de l’art du XIXe siècle. Georg Olms Verlag, Hildesheim / Zurich / New York 1987, ISBN 3-487-07836-8.
• Franz Sales Meyer: Manuel d’ornementation . Seemann, Leipzig 1927, réimpression: Seemann, Leipzig 1986. (Première édition sous le titre Manuel d’ornementation systématiquement ordonné: pour une utilisation pour les échantillons d’artistes, d’architectes, d’écoles et de commerçants ainsi que d’étudier en général. Handbooks de Seemann Vol. 1. Seemann, Leipzig 1888).
• María Ocón Fernández: Ornement et modernité. Formation de théorie et débat ornemental dans le discours architectural allemand (1850-1930) . Berlin: Dietrich Reimer Verlag, 2004, ISBN 3-496-01284-6.
• Claudia Weil, Thomas Weil: Ornement dans l’architecture, l’art et le design . Callwey Verlag, Munich 2006, ISBN 3-7667-1619-0.
• Ligne Edgar: Lexique de Seemann des ornements. Origine, développement, sens . E. A. Seemann Verlag, Leipzig 2006, ISBN 978-3-86502-085-7
• Chaque Wagner: Histoire élégante des ornements – de l’antiquité à la culture quotidienne des années 1980 . Si les médias de conception, Diplomica Verlag Hamburg 2013, ISBN 978-3-8428-9793-9
• Günter Irmscher: Ornement en Europa 1400–2000 , Cologne 2005, avec une bibliographie approfondie
• Alois Riegl: Questions de style, bases sur une histoire d’ornementation , Berlin 1893 ( Numérisé )
• Günther Binding, Théorie de la forme architecturale , Darmstadt 1980, 2e édition Darmstadt 1987, 3e édition inchangée Darmstadt 1995.
• Tina Beate Mittler: Ornement et caractéristiques de style et connaissance de base de l’architecture européenne, Wallerstein 2019, Hawel Verlag, ISBN 978-3-981775-3-6

1. ↑ Franz Sales Meyer: Le manuel d’ornementation – pour une utilisation pour un échantillon de dessinateur, architectes, écoles et commerçants ainsi que pour étudier en général , 1937. Dans: Autriche-Forum.at
2. ↑ Duden | Ornament | Orthographe, sens, définition, origine. Consulté le 7 novembre 2019 .
3. ↑ Hans refuse: Feuille, feuillage , dans: Lexique réel sur l’histoire de l’art allemande , Bd. II (1941), sp. 834–855; dans: Travail RDK (Consulté le 23 juillet 2019)
4. ↑ Hano-Walter Kruft: History of Architectural Theory, C.H.Beck-Verlag, Munich 2013, pp. 20-30.
5. ↑ Irmscher, S. 156–160.
6. ↑ Les noms comme les 2e et 3e Rococo reviennent: Gustav Pazaurek: Trois Rococo , Stuttgart 1909.
7. ↑ Franz Sales Meyer: Manuel d’ornementation systématiquement ordonné: pour une utilisation pour les échantillons d’artistes, d’architectes, d’écoles et de commerçants ainsi que d’étudier en général. Handbooks de Seemann Vol. 1. Seemann, Leipzig 1888. (Réimpression: Seemann, Leipzig 1986). – Georg Hirth: Le trésor de la forme: une source d’enseignement et de suggestion pour les artistes et les commerçants ainsi que pour tous les amis d’une beauté élégante, des meilleures œuvres de tous les temps et des peuples. , Munich et Leipzig 1877-1911.
8. ↑ Hans Martin Sutermeister. Ornement Das. Dans: De la danse, de la musique et d’autres belles choses: les chats psychologiques. Verlag Hans Huber, Berne 1944. p. 59.

Les ornements et autres décors de peinture en porcelaine se trouvent sous le coin en porcelaine (liste).