演劇の歴史 – ウィキペディア、無料​​百科事典

演劇の歴史 過去2500年にわたる芸術の発展をカバーしています。パフォーマンスの要素はすべての社会に存在します。劇場を芸術とエンターテイメントの形として区別することが慣習的です。また、他の活動に存在する演劇やパフォーマンス要素です。劇場の歴史は、主に自律的な活動としての劇場の創造と発展に関するものです。紀元前6世紀のアテネの古典的な時代から世界中の文化で開発されたさまざまな形の劇場。

ヨーロッパと米国の劇場 [ 編集 | コードを編集します ]

古代ギリシャ [ 編集 | コードを編集します ]

ギリシア人にとって、劇場は芸術とのコミュニケーション、詩的な音楽コンペティション、コミュニティ全体に会う機会であり、外部から招待されたゲスト（たとえば、アテネでは、そのような機会に14〜30,000人の観客がいました）。プロット自体は重要ではありませんでした – それは神話に基づいていました。それは誰もがその時によく知っていました、または現代に起こっている出来事に慣れていない出来事に基づいています ^[初め] 。ギリシャの劇場は、美学、プロパガンダを演奏し、情報を提供し、エンターテイメントを提供しました（男性のみ、彼らはパフォーマンスを見て芸術で演奏できるので）。

劇場のソース [ 編集 | コードを編集します ]

この芸術には、古代の宗教的礼拝の源泉があります。それはディオニシアから来ています – ディオニュソスに敬意を表して組織された古代ギリシャの休日 – ワイン、収穫の神、誕生と死。 （別の概念によれば、幼い頃の男性は、アリストテレス理論に従う傾向があります）。

劇場形式の教育 [ 編集 | コードを編集します ]

別の記事：風刺ドラマ。

別の記事：古いギリシャの悲劇。

別の記事：Starogreckaコメディ。

古代ギリシャで開発された文学タイプの1つ – ドラマ。ディティランベスから – 歌われた歌はディオニュソスの栄光まで – 合唱団とのコリフェウス（つまり、合唱団ガイド）の対話を開発しました ^[2] 。 Koryfeuszも俳優のプロトタイプになりました。偉大なディオニシアから、すなわち都市で春に組織された儀式と行列から、悲劇が生まれました ^[3] 。順番に、ディオニシアは村で秋に祝われたディオニュソスに敬意を表した小さい休日、コメディを生み出しました ^[4] 。

初めて 俳優 彼は紀元前534年に紹介しました。テスピス。その後、エスキロスが2番目の俳優に加わり、ソフォクレスは3番目の俳優の適切な紹介を検討しました。かつて、3人以上の俳優が古いギリシャの劇場の舞台に登場しました。俳優は、彼らが演じたキャラクターの雰囲気を反映したカラフルなマスクで演奏しました。

パフォーマンスの場所、その期間 [ 編集 | コードを編集します ]

最初のパフォーマンスは、都市全体の住民が集まって大きな光景、たとえば丘の斜面で大きな光景を見ることができる場所で開催されました。これは、ギリシャの芸術のアイデア、自然との友情と許可を説教するという考えに多少関連していました。パフォーマンスのショーは日の出で始まり、彼の日没で終わりました。数日連続で行われました ^[初め] 。

円形劇場 [ 編集 | コードを編集します ]

別の記事：ギリシャの劇場。

パフォーマンスが行われた場所は、円形劇場の形をしていました。そこで次の要素が区別されました。

• 劇場 – 観客のための場所、
• オーケストラ – 合唱団の場所（円形劇場の丸いエリア）、
• プロスタニオン – 豊富な長方形の高さ、アーティストがそれを示しました（それは俳優との非常に短い合唱団の会議の場所でした）、
• Skene（gr。 スケーン – 「ブダ」） – 美しい柱のある建物、寺院や宮殿に似ていました。彼は通常、俳優がやって来て出てきたドアの3組の前線を持っていました ^[5] 。

パフォーマンスの構造 [ 編集 | コードを編集します ]

合唱団の入り口はパロドスと呼ばれ、最初の言葉（俳優の最初の号） – プロロロゴ。次に、合唱団の降下は脱出し、最後の言葉はエピローグです。合唱団のパーティーはスタシモンと呼ばれ、その機能はコメントし、キャラクターやイベントを追加し、特徴付けていました。俳優は男性だけでした。彼らの問題はEpeisodiasと呼ばれていました。

芸術のピックアップ、俳優の衣装 [ 編集 | コードを編集します ]

視聴者が占領している遠い場所からは、俳優を常によく見ることができましたが、パフォーマンスの受容は良い音響によって促進され、適切に構築されました マスク 俳優のスピーチの音を増やします。衣装も重要でした – 遠くから見える 衣装 決定的な色（チュニック）。色は演奏される役割に関連していました（たとえば、白いチュニックはポジティブで無邪気な形を意味しました）。俳優は着ていました かつら （Onkosy）と 木製の履物 （SO -Called 厚切りポテト その高さは最大70 cmに達しました） ^[5] 。

レパートリーの作成者 [ 編集 | コードを編集します ]

古代ローマ [ 編集 | コードを編集します ]

古代ギリシャの劇場は、古いローマの劇場の敷地にあります。多くの場合、ギリシャ人はローマの俳優でした。しかし、コメディは悲劇よりもはるかに頻繁に上演されました。最初のパフォーマンスは、ギリシャのように – 宗教的な儀式に関連していました。その後、彼らは独立したショーになりました。裕福な市民は、これらの高価なベンチャーの創設者でした。

古代ローマでは、新しいタイプのミミックパフォーマンスとパントマイムが開発され、1人の俳優しか登場しませんでした。歌とダンスの伴奏で、彼はギリシャ神話から選ばれた物語を提示しました。彼らは、ギリシャのように、男性自身のように、パフォーマンスを模倣するだけで、女性が現れたことがありました。当初、俳優はマスクを着用しませんでしたが、かつらで演奏しました。時間が経つにつれて、彼らはさまざまなキャラクターを想像するはずだった軽いマスクをかけ始めました。

古代ローマの最初のパフォーマンスは、紀元前364年にさかのぼります。 （光景 プレイヤーをプレイします – エトルリアのバンドのパフォーマンスを模倣し、ダンス、歌、フルートの伴奏の伴奏を伴う）。このパフォーマンスは、同時に神々の伝播でした。もう1つの重要なイベントは、4日間の休日でした ローマ人のゲーム 紀元前387年あれから ローマ人のゲーム 毎年9月に発行されます。その後、それらも展示され始めました ゲームPlebeii 十一月に、 Games Ceriales 私 Ludi Megalenses 4月の女神キーベレにも敬意を表して ゲームアポリナレス 7月に。

パフォーマンスの場所、その期間 [ 編集 | コードを編集します ]

別の記事：ローマの劇場。

もともと、パフォーマンスは、聴衆によって半円に囲まれた木材で作られた土地で行われました。劇場の歴史の研究者であるマーゴット・ベルトルドとして、「段階的に、原始的なステージの足場が芸術の要件に対応する形をとった。最初に交換されました シパリウム 俳優が変わった木製の犬小屋。 （…）Plautaの間、ギリシャのスケーンの将来のカウンターパートである「フロンシーン」の始まり。もともと、それは前壁と2つの側面で構成される木製の構造でした。前壁には3つの入力穴がありました。中門の両側に（ ポート ）下部の穴があり、1つは両側の壁に1つありました」 ^[6] 。列で飾られた最初のステージの建物 シーン 彼はCassius Longinusを構築するように命じましたが、この構造はゲームの後に取り壊されました。紀元前56年カーテンは初めて使用されました。

ポンペイは、火星フィールドの南端に建てられた石で建てられた最初のローマの劇場を設立しました。内部構造は外部構造に対応していました – 視聴者の行のある低い半円は6つのセクターに分割され、より高いセクターは12でした。西暦161年Herod Attykは、亡くなった妻を祝い、Odeonに半円形の聴衆とコラムで飾られたSkeneに資金を提供することにしました。当初、音楽のパフォーマンスがそこで上演されました。

コロセウム [ 編集 | コードを編集します ]

ローマの劇場の歴史の中で、ゲームは重要な役割を果たしました。彼らはエンターテイメントと強い印象を提供することでした。これらのイベントの目的のために、円形劇場が作成され、サーカスと劇場のフォーミュラを組み合わせました。西暦72年から80年コロッセオが建設されました。そこに行われたパフォーマンスには、アテラニー、ミマ、パントマイム、短いスケッチ、サーカスジャスター、レワ、アクロバティ、インターメッツァのパフォーマンス、水に実装されたパフォーマンス、野生動物の訓練と戦いのショーがありました。話すドラマは、あまり頻繁に提示されませんでした。

レパートリーの作成者 [ 編集 | コードを編集します ]

中世 [ 編集 | コードを編集します ]

テレサ・ミカワフスカは、6世紀と7世紀の中世の初めに、演劇生活の主な顕現が停滞し、消滅したと述べています。教会の力のために、教会で実施された宗教的なショーのみが「合法」でした。典礼は、テキストがしばしば対話であったことが多いため、新しい劇的な形の開発を支持しました（例：Responsoria）。サービスの光景（歌、特徴的なジェスチャー、ローブ、ライト、香）も非常に重要でした。

中世では、前の時代の成果はめったに使用されませんでした。古代種に関する情報は、スコリまたは文法研究に由来していました。 13世紀に、理論家は悲劇を最初のプロットが楽しい歌として定義し、エンディング、悲劇的な結末はコメディであり、悲しい出来事を始め、フィナーレは喜びに満ちた歌として定義しました。

中世の宗教劇場 [ 編集 | コードを編集します ]

中世に彼は開発しました 典礼ドラマ 、サービスの参加者がもともと「俳優」になり、状況によって課せられた役割を果たし、ジェスチャー、動き、歌を使用しました。そのような光景の例は、10世紀に上演することができます 十字架の堆積 （キリストの葬式）、 夕食 （最後の晩餐）、 クロスを上げる （復活）、 仙骨3日 （聖週間の最後の3日間）。最も古い典礼ドラマはです 墓の訪問 （ 墓を訪問します ）。このステージングは​​、10世紀後半にイギリスで実施されました。世紀の終わりに、このドラマはフランスで書面で録音されました。彼のテーマは、マリアがイエスの空の墓に到着したことです。

さらに演劇的な慣習は、SO -Calledで見ることができます 役人 （対話またはドラマ化）。彼らは適切な衣装の司祭、聖職者、カエルに参加し、典礼の歌詞と歌から対話を導きました。これらの劇場形式は、トレント評議会によって禁止されていた-16世紀半ばまで発展しました。

典礼のショーは、しばしば休日の典礼と関係がありました（たとえば、クリスマスに関連して、ステージングは​​、羊飼いの安定した、3人の王の相続人であるリトルイエスの崇拝への到着です）。ラテン語で作成および展示されています。

12世紀頃、新しい劇場の形が登場しました – 神秘 – 通常、旧約聖書、外典的、または聖人の生活に関連する新約聖書の主題を完全にラテン語で提示します。当初、謎は教会で上演されていましたが、時間が経つにつれて俳優は都市の広場と市場に行き、国語は謎のテキストに浸透し始めました。パフォーマンスはますます広範囲になり、サイクル全体を作成し、非常に長い間続きました – 数時間、時には数日または数週間です。ミステリーで提示されたアクションは、地上と地球外（パラダイス、地獄）の2つのレベルで行われ、ヒーローは人々と超自然的な人物の両方でした。衣装は重要な役割を果たしました。テキストは唱えられて歌われました。中世の謎の例は次のとおりです。英語 アダムについてのゲーム とフランス語の歌： セントキャサリンについてのゲーム 、 聖ニコラスについてのゲーム （Aut。JeanBodel）、 cud o theophilus （または。rutebeuf）。

奇跡の主題が支配したステージング、彼らは呼ばれました ミラクラ （ 奇跡的 、 ラテン。 「奇跡」）。この種の歌では、罪人のfall落がしばしば提示され、そのような人が永遠の非難を回心させ、避けることができるように、超自然的な存在の素晴らしい助けが与えられました。謎は、13世紀と14世紀に西ヨーロッパで最も集中的に建設されました。いくつかの場所では、彼らは17世紀に生き残っていました。

中世の劇場形式の重要な要素はそうです 道徳 、誘惑と美徳と戦う男の歴史を示しています。各視聴者は、提示されたヒーローと同一視できます。 Psychomachiaは常にLeitmotifでした。このバリアントは、国家や人間のタイプの人ではなく、パフォーマンスでもありました。この種は12世紀から、14世紀、15世紀、15世紀以降に発生しました。 16世紀はアポギーを達成し、道徳はドイツ、オランダ、フランス、イギリスで最も人気を博しました。道徳の例は英語です 人類 （ 人類 ）1470年、オランダ語 みんな （ Elckerlyc ）1495とその英語版から みんな 1509年から。

コメディ小学校 [ 編集 | コードを編集します ]

12世紀には、新しい種が作成されました。エレガントな距離で書かれた優雅なコメディ（古典的なラテンメーター）です。それは主にフランス中部で作成され、いくつかの作品はイタリアからの後期から来ました。このジャンルの作成者は、1150年から1160年にかけて彼が作成したブロワのWitalisによって示されています。歌の基本的なトピックは、コミックまたは感傷的な慣習に実装されたアドベンチャーとミラースレッドでした。これらの作品には対話と物語の両方があり、したがって、作品の舞台運命についての疑念がありました。

世俗的なショー [ 編集 | コードを編集します ]

時間が経つにつれて、宗教的傾向とは関係のないステージングが生じ始めました。次に、劇場サービス機能が支配的でした – パフォーマンスは単に視聴者にエンターテイメントを提供しました。これらは、Histrions（ラテン語）と呼ばれる旅行俳優のグループによって作成された作品でした。 プレーヤー – 「俳優」）またはジョクレーター（ラテン語。 ioculator – ‘wesołek’）。しかし、これらのクリエイターの活動は、深刻な批判と聖職者の非難さえ遭遇しました。聖職者は、彼らを道化師や不法行為者と見なし、汚れた勢力との関係で告発されました。支配者の業績と聖人の生活を称賛した芸術家だけが、教会の相対的な好意を享受することができました。

シェークスピアとエリザベス朝の劇場 [ 編集 | コードを編集します ]

別の記事：エリザベス朝劇場。

ウィリアム・シェークスピアは、16世紀の後半にイギリスで作成されました。彼の作品で、彼は人間に関するトピックを取り上げました – 彼の感情、大きな情熱、普遍的な態度。彼の演劇形態の発展と舞台での彼らの実施における彼の成果は、彼の時代を大幅に追い越しました。そのため、彼はしばしば現代の劇場の創造者と見なされています。

シェークスピアは、3つの統一の古典的なルールを破りました – 彼はマルチスレッドアクションを提示し、時間の団結に注意を喚起せず、パフォーマンスの場所を変えました。彼が提示したキャラクターはダイナミックでした。彼らはさまざまな点で開発されました（たとえば、彼らの行動の動機が変わりました）。これからは、3人以上の俳優がステージに登場しました。とりわけプレイしました12人以上のパフォーマーが実装に参加したバトルシーン。シェークスピアのドラマでは、ルールを見るのは難しいです 礼儀正しさ （通信） – ユーモアはコメディと悲劇の両方に登場します。

啓発 [ 編集 | コードを編集します ]

フランスとイタリアの劇場 [ 編集 | コードを編集します ]

ヨーロッパでのこの期間中、フランスの劇場が支配しました。これは主に「キャラクター」の古典主義のコメディを使用しました。彼のコメディであるデルアルテとのイタリアの劇場は、より高く評価されませんでした。この状況は、1840年代にイタリアの作家カルロ・ゴルドーニを変えようと試みられました。彼は、俳優のためのドラマとマスクの慎重に洗練されたテキストを支持して即興をあきらめました。 1748年に彼の芸術が上演されました 賢い未亡人 、非常に人気がありました。これがイタリアの劇場の改革が始まった方法です。ゴールドーニの作品もポーランドで上演されました。

オペラ [ 編集 | コードを編集します ]

17世紀の初めからオペラが大きな役割を果たしました。しかし、18世紀後半には、その回路論と似顔絵のために、関連する変更が必要でした。ウィーンで活動していたイタリアの詩人ピエトロ・メタスタシオは、効果的な改革者であることが判明しました。彼は、音楽要素とステージメッセージの明確さを備えた作品のドラマの同期を強調しました。原則として、彼は3つの統一をあきらめ、実証済みのプロット図を使用しました。

多くの作曲家は、転移オペラのために音楽を書きましたドレスデンとワルシャワの劇場の裁判所作曲家であるヨハン・アドルフ・ハッセは、彼の作品も展示されました。これは、18世紀前半に、サクソンの選挙人がポーランドの王であったと同時にだったという事実に関連していました。

成熟した悟り（1765-87） [ 編集 | コードを編集します ]

1765年のポーランドでは、最初の常設パブリックシアターがワルシャワに設立され、すぐに国立舞台になりました（国立劇場を参照） ^[8] 。長年にわたり、この機関のディレクターはWojciechBogusławskiでした。この劇場で歌が上演されましたFranciszek Bohomolec、Julian Ursyn Niemcewicz、FranciszekZabłocki。

19世紀の劇場 [ 編集 | コードを編集します ]

Meiningeans（1860-1908） [ 編集 | コードを編集します ]

別の記事：Meiningeans。

Meiningeneseは、ThuringiaのSachsen -Meiningen公国の支配者であるJerzy IIの裁判所劇場グループと呼ばれています。このグループは1860年に作成され、1866年にF. von Bodenstedtがその場所を撮影したバロンフォンスタインが最初に率いていました。 1873年から、ルートヴィヒ・クロセグは、ジャージー2世の概念の実装者であり、現代の言葉の意味で監督劇場の歴史の中で最初のものと考えられていました。女優のエレン・フランツは、メイキニーン人の成功の共同作成者でもあると考えられています。王子と結婚した後、彼女はバロノワの称号を受け取り、公の場に登場できませんでしたが、彼女はまだ劇作家とバンドの文学顧問として積極的に働いていました。

王子の偉大な愛好家であり、演劇芸術のパトロンは、劇場で多くの革新を導きました。当時のレパートリーファッショナブルの代わりに、彼はドイツ語、フランス語、英語の古典に基づいていました。提示された時代に対する歴史的忠誠心を支持するステージングの自由は放棄され、装飾、衣装、演技の詳細の最大の信頼性がありました。単語とイメージの完全な統合を目指して、星はチームゲームを支持して拒否され、チーム全体が結果として生じる作業の共同責任となりました。

メニンゲンズは、1874年から1890年にかけて大陸全体でパフォーマンスを行い、1885年にワルシャワを訪れ、ヨーロッパの劇場に影響を与えました。 ^[9] 。

偉大な演劇改革 [ 編集 | コードを編集します ]

劇場の大規模な改革は、19世紀と20世紀の変わり目にヨーロッパの劇場の変化の全体であり、劇場の独立芸術としての認識を仮定し、監督に劇場の創造者であるプロデューサーの役割を授与します。彼女は影響力の下で生まれ、彼女に先行する現象と出来事に反対しました。それは劇場の報復に呼ばれ、文学の埋め立てを破り、現在との接触を確立し、聴衆が対処しなければならなかった問題を伴いました。

偉大な改革の始まりは、早くも1870年代に見ることができます。彼女の活動は、19世紀後半に一般主義と自然主義への反対から生まれました。

劇場の変化の文学的な衝動は、ヘンリック・イプセンのドラマ、オーガスト・ストリンドバーグ、モーリス・マテルリンク、ゲルハート・ハウプトマンのドラマでした。 SO -Called無料のシーンにより、より決定的な実験が可能になりました。すぐに、象徴性と形而上学が現実的な芸術の問題を支配することができることが判明しました。さらに、彼らは印象派のムーディーで洞察力のある心理学でそれを豊かにすることができます。劇場は、存在の困難について話し始め、人間の悲劇に触れ、視聴者の感受性を再び形作りました。

理論的製剤の分野と芸術活動における演劇改革の代表者は、エドワード・クレイグ、アドルフ・アピア、ウラジミール・ニエミロウィッチ・ダンツェンコ、コンスタンティン・スタニスワフスキー、ベルトルト・ブレヒト、およびポーランド・スタニスワウ・ウィスピアスキ、テデス・ミクスキのポーランド

改革理論家 [ 編集 | コードを編集します ]

エドワード・ゴードン・クレイグ （1872–1966）、イギリス人、劇場の改革の「父」。彼は舞台デザイナーおよび監督として、特に理論家として自分の舞台をリードしませんでしたが、彼は正しい改革を生み出し、劇場の自治の原則を作成し、策定しました。この原則によれば、パフォーマンスは他の芸術とは別の自発的な芸術作品です。このアプローチでは、クレイグは相互の相互依存から芸術を解放する一般的な傾向を反映しており、傍観者の「汚染」がない「純粋な」状態にすべての芸術を作成します。クレイグは、文学、芸術、音楽のいずれであっても、劇場を「浄化」したいと考えていました。彼は文学劇場の肥大と戦い、文学ドラマのトワイライトを発表しました。

クレイグは伝統的な劇場を批判しました。彼は自然主義だけでなく、言語、ジェスチャー、動きにおける普通の自然ささえも非難し、それらを人生から洗われていない他の価値に置き換えたが、特別に形作られた、ステージングパフォーマンスの概念全体に役立つと仮定した。彼は劇場のジェスチャー、動き、ダンスの最初の価値を考えました。

自発的な劇場芸術の分析では、クレイグはそれに奉仕する個々の芸術と従属演劇に言及するだけでなく、演劇にとって重要な価値を区別しています。それはそれで構成される要因から生じます：ゲームの魂であるジェスチャーから、ドラマの体である言葉、そして装飾自体の本質である色、ダンスの本質であるリズムからの色から生じます。」

彼は、純粋に絵画の仕事として、そのフレームとステージランプとともに視点（イタリアのボックスシーン）に対して、純粋に絵画の仕事として行動しました。彼は舞台を劇場のアクションの場所として扱い、3つの実際の次元と建築モードで組織しました。彼はさらに、記念碑的なライン、軽いゲーム、形、そしてほんの数色（「シンプルな劇場」）の景色で要求し、シーンの外観を俳優の役割と彼の表現（「The Living Shoter」）と結び付けました。

パフォーマーよりも支配者の作成者に関連して、彼はnadmarionetkaの概念を使用しました ^[十] 。彼は監督が劇場で唯一のアーティストだと思った。次に、操り人形は俳優でした – 課された役割のパフォーマー、クリエイターの手のツールです。

アドルフ・アピア （1862–1928）、スイス、クレイグの隣 – 2番目の重要な劇場改革者。彼はワーグナーのオペラを扱い、音楽やコンテンツのムードをステージのイメージに移そうとしました。彼は、歌詞の詩と音楽性に関連する光と影を引き起こすのに役立つ、幾何学的固体の主な利点であるという主な利点が幾何学的な固体のセットでした。このようなリズミカルなステージスペースは、アピアの概念に「ライブアート」の作品でした。光と影の支配者は、時間の経過とともにステージ画像を作成することを許可されました – 部分的または完全に – 光の強化、その方向の変化、色の変化のみを評価します。彼は、クリエイターと視聴者のコミュニティとしての劇場と劇場の自律性を支援しました。

無料の劇場 [ 編集 | コードを編集します ]

フランスの俳優兼監督であるアンドレ・アントワーヌは、テアトル・リブレを創造し、とりわけメニンゲン人の成果に触発されました。彼は彼の活動の就任式のためにゾリの歌を選び、演劇が上演されました。イプセン、ハウプトマン、ストリンズバーグ。彼はステージ上の新しい自然主義的な演劇のスタイルを紹介しました。長い沈黙の瞬間、聴衆に背を向け、感情を表現する際の抑制と真実です。忠実に献身的な環境、第4の壁（意識的な観客）を動作させると、自然主義的なシーンの特異性が構成されました。すぐに彼のパフォーマンスは、多くの議論の余地がありますが、ますます人気を博し始めました。場所よりも長く、しばしば4時間のパフォーマンスを見たい人がたくさんいました。

アントワーヌは文学が最も重要であることを認識していたため、提示された物語と文学のプロトタイプの互換性を強調しました。彼は集合的なシーンを構築し、その中に現れるキャラクターを個別化する分野で多くを作り、景色の進歩に貢献し、装飾のリアリズムを非常に重要にしました。彼はまた、段階的な動きを徹底的に開発しました（自然性に重点を置いています）。

MCHAT [ 編集 | コードを編集します ]

ロシアの首都でホストされているメインティーアンのパフォーマンスと同様に、アントワーヌの業績は、1897年にMCHATとして知られているモスクワアカデミックアーツシアターに設立された作家のウジミエルツ・ニエミロウィッツ・ダンチェンコと一緒に、コンスタンティ・スタニスワスキーに大きな影響を与えました。

Mchatは、主にAntoniCzechówの芸術と性格でマークされた自然主義的な方向を表しています。 Mochatの特徴は、各ドラマの展示に関連するすべての詳細の慎重な計画と改良でした。テキストで提示された時代と環境の現実は徹底的に研究され、芸術で必要な小道具のアンティーク検索が行われ、都市とイベントの場所が訪れました。しかし、何よりも、心理的真実の献身は、俳優を演じたキャラクターと識別することに専念していました。

ウラジミール・ニエミロウィッツ・ダンチェンコ （1858–1943）、ロシアのディレクター、劇場改革者。 1898年、彼とモスクワの彼の芸術劇場は、1919年に音楽スタジオをオープンしたスタニスワフスキーと共に設立されました。彼は、ゴルキ、チェコウ、ドストエフスキーの散文の適応、およびトルストイの演劇レパートリーを紹介しました。彼はまた、オペラの方向性と教育的な仕事にも対処しました。

KonstantinStanisławski （1863–1938）、ロシアの俳優、監督、理論家、傑出した劇場改革者。 MCHATでは、彼は監督であり俳優でした。心理的真実の構築で構成される俳優の作業方法の作成者は、マイナーな経験を「改良」し、イベントを観察し、キャラクターを形成するプロセスでこの素材を使用することによって構成されています。

第一次世界大戦後の劇場 [ 編集 | コードを編集します ]

第一次世界大戦のトラウマの後、アーティストは社会的トピックを取り上げ、しばしばプロパガンダ劇場に従事しました。過去の経験から逃げたいと思っている他の人たちは、人間の内部生活を掘り下げました。西側諸国では、パフォーマンスの作成プロセスにおけるディレクターの重要性が減少しました（たとえば、Artaudの活動など、いくつかの例外が含まれます）。共産主義のロシアでは、状況はわずかに異なっていました。そこで、監督の活動は検閲で遊ぶことを許可されました（ステージビジョンは、ドラマのテキストよりも評価するのがはるかに困難でした） ^[11] 。
新しいトレンドも発展しました。 20世紀の第二10年の初めに作成されたもの（表現主義、シュルレアリスム、未来派）は、ヨーロッパでの敵対行為の終了後にのみ完全に発展する機会がありました ^[12番目] 。すでに1920年代には、演劇芸術が映画の形で危険な競争で成長していることが知られていました。革新的な劇場プロジェクトでの彼の地位を守るために、視聴者に劇場で準備ができていない製品（映画のように）を受け取っていることを認識させようとしましたが、聴衆の前のステージでプロセスが発生します。この目的のために、即興演奏が使用され、視聴者をアクションに引き込む方法が求められました ^[13] 。

ドイツの劇場 [ 編集 | コードを編集します ]

表現主義 [ 編集 | コードを編集します ]

別の記事：表現主義（劇場）。

ドイツでは、戦争の終わりに伴い、君主制の崩壊と検閲、表現主義の廃止は、ステージングと強いイデオロギー（主に左翼）のコミットメントの反現実主義を特徴とする人気を獲得しました。彼の情報源は、まだストリンドバーグとウェデキンドの演劇で見られます。マックス・ラインハルトやレオポルド・ジェスナーなどの監督は、新しい芸術の舞台実現に面倒を見ました。 Walter Hasenclever（Poetic Assemblyの著者）またはErnst Toller。後者は、平和主義者と革新的な芸術によって提供されました 変換 （変換、1919）。彼女は英雄の精神的な変容について話し、第一次世界大戦の世界をさまよう。ヒーローの運命は、著者自身の物語をモデルにしています。 ^[14] 。

未来主義 [ 編集 | コードを編集します ]

未来派はまた、ドイツのバウハウスに本社を見つけました。演技技術は、動きの機械的リズムで構成される、そこで開発されました。この目的のために、ポール、硬直した腕、幾何学的な衣装が使用されました。俳優の体は、ステージに存在する抽象的な人物の1つになりました。劇は行動を奪われ、俳優によって作成された空間的形態の研究とそれらへの反応に焦点を当てています（例えば トライアディックバレエ 、1923年のバレエシュレマートライアド ^[15] ）。未来派の劇場は、劇作家の性格を実質的に排除または最小化しました。しかし、これらの実験は劇場環境でのより広い反応に満たされませんでした ^[16] 。

アーウィン漁師 [ 編集 | コードを編集します ]

1920年代半ばに、エルウィン・ピスコンによって作成された共産主義運動に政治的に関与した人気が高まった。ドイツのディレクターは、最新の技術的成果を使用して劇場に焦点を合わせました。機械が俳優と協力し、視聴者をすべての側面から刺激し、彼の周りで演奏したパフォーマンスでこのように彼を巻き込んだ劇場についての監督の夢。 Piscator Theatreはプロパガンダとミサになることでした、それは現在のイベントに対応することでした（ タイムシアター ）。彼は現実と光景の境界を破壊し、映画のクロニクルと文書の断片を作成したメッセージ（FAKT劇場）に織りました。彼の劇場の概念は、マックス・ラインハルトとwszewołodaMeyerholdのビジョンに似ていました ^[17] 。

エピックシアターブレヒタ [ 編集 | コードを編集します ]

Bertolt Brecht（1898–1956）、ドイツの作家。 Dramasの監督兼著者は、Deutsches Theatre Avangard Theatre（1924–1926）で上演されています。彼は、ブルジョアのイデオロギーと軍国主義に対するアナキズムと同様の反乱を繁殖させました。彼は本の中で壮大な劇場のコンセプトを策定しました 劇場のための小さなオルガン （1949、ポーランド版 – 1955年）、幻想に反対することを語っています。 ^{[18] [19]} 。

アドルフ・ヒトラーの規則の下で、ドイツの劇場芸術は退行しました ^[12番目] 。

ロシアの劇場 [ 編集 | コードを編集します ]

wsiewołodmeyerhold [ 編集 | コードを編集します ]

VsevołodMeyerholdの記事の詳細については、Meyerhold Theaterセクションをご覧ください。

ロシアでは、ボルシェビキ劇場は非常に自然発達しました。彼はパワーサポートを得て、彼女のプロパガンダチューブになりました。 Stanisławskiの学生であるWszewołodMeyerholdは、プロレタリアの聴衆に向けられた動揺とプロパガンダの劇場である「10月の劇場」を要求しました。彼はリアリズムと自然主義の根本的な反対者でした。彼はサーカステクニックを使用し、コメディの茶番のクラッチからインスピレーションを引き出しました 芸術の 。彼は彼から呼ばれる革新的な演技トレーニングテクニックを使用しました 生体力学 これは、チーム（集団）ゲームの一部である俳優の完全な物理的準備を強調しました。演劇活動は伝統的に理解されていた段階には適合しませんでしたが、部屋全体を観客と覆いました。セットデザインは、抽象主義者と構成主義者の作品に言及していました。音楽層は、現代のジャズ音楽によって構築され、現代文明の音（例：Engines Roar） ^{[20] [21]} 。彼は20世紀後半の劇場の発展に強い影響を与え、第二の劇場改革の創造的な態度の形成に貢献しました。 Jerzy Grotowski。

Proletkult [ 編集 | コードを編集します ]

ソビエトロシアのマイヤーホールドと並行して、プロレトカルトによって演劇活動が組織されました。ステージングの記念碑性に驚いた最初のパフォーマンス（例えば 冬の宮殿への攻撃 ）、しかし、時間が経つにつれて、共産主義のイデオロギーは、最小限のステージング貢献を伴う現在の動揺活動に焦点を当てていました：政治的敵が再現されたため、 「話す新聞」 ^[22] 。

イタリアの劇場 [ 編集 | コードを編集します ]

未来主義 [ 編集 | コードを編集します ]

イタリアでは、未来派がイタリアで作られました。衝撃的な絵画に包まれた未来的な「合成劇場」は、「統合」を達成するために視聴者と俳優の積極的な身体的参加から必要な機械的な方法で演奏される短いダイナミックスケッチで構成されていました。未来的なパフォーマンスの景色は、とりわけによって設計されました「機械劇場」の概念の作成者であるエンリコ・プランポリーニ ^[15] 。

ルイージ・ピランデッロ [ 編集 | コードを編集します ]

ルイージ・ピランデロはイタリアで概念実験を主導しました。彼は単一の行為を書くことからキャリアを始めました グロテスクな劇場 時間の経過とともにマスクの元の理論を開発する。ピランデッロは、人間は一貫した全体ではないと主張したが、彼は彼が着ている多くの顔（マスク）で構成されており、彼は常に気づいているわけではない。この仮面舞踏会では、客観的な真実を発見することは不可能です。ドラマ 著者を探して6人のキャラクター （1921）は、劇場監督（別のパフォーマンスを試してみようとしている）を訪れて登場し、彼らについての芸術の作成を要求する架空のヒーローの家族を示しています。しかし、彼ら自身の人生の彼らのイメージは、このトピックで監督が示すことができるものを欠いています。アートの最初の展示はスキャンダルを引き起こしました。なぜなら、パフォーマンスの開始前の視聴者は、テストのために準備された空のシーンであるデザインの装飾の代わりに見ていると感じたからです。 1925年から、ピランデッロは監督のアートでヨーロッパを旅し、イタリアのテアトロ・ドアルテで実現し、批判の認識を持って出会いました ^{[23] [24]} 。

フランスの劇場 [ 編集 | コードを編集します ]

shurrealizm [ 編集 | コードを編集します ]

フランスで開発されたシュルレアリスムは、ダダイストの芸術的実験で育ちました。劇場は、その特異性のためにシュールレアリスムのための活動の自然な領域ではありませんでした。それはあまりにも具体的であり、睡眠と現実の寸前にシュールなフォームを実装するために柔軟性があまりないことが判明しました。前駆体シュールレアリストとしてのアルフレッド・ジャリーの光景 ウブ・キング 1896年から。ダダイストのパフォーマンスは、しばしばスキャンダルで終わりました。 ガス心臓 （ハートフォーガス）1923年のThétreMichelでのTristana Tzara。シュールな劇場は、海外の美学でいっぱいの暴力的なものを特徴とする平行アセンブリを使用した寺院のフレームをあきらめました。 Roger Vitracには（シュールなドラマがシュールなドラマを形成する）が含まれています（ 毒 、Treuciz、1920）、Jean Cocteau（ アンチゴン 、1922; オルフェウス 、1926; 地獄の機械 、Machine Piekielna、1934）またはベルギーのフェルナンダクロムリンク（ 美しいカッコルド 、Cuckold Magnifent、1921）。多くのパフォーマンスはシュールレアリスムのアイデアを使用し、他の慣習と互いに絡み合っています ^{[13] [25]} 。

アントニン・アルトーと虐待の劇場 [ 編集 | コードを編集します ]

別の記事：Theatre of Chrulty。

アントニン・アルトーは、西洋文明の虚偽に対する反乱の表現であった残酷な劇場の概念を作成しました。 Artaud Theaterの視聴者は、感情的に動き、形而上学的に感じる能力を回復することになっていた一連の強力で劇的な刺激に攻撃されました。純粋な形の理論として知られる同様の概念は、ポーランドのウィトカシーによって開発されました ^[26] 。

イギリスの劇場 [ 編集 | コードを編集します ]

戦後、イングリッシュシアターは実験を避けました。これらの時代の最も重要なドラマは、彼の後援の下で演劇祭を開催したジョージ・バーナード・ショーでした。1929年から、ショーの芸術と彼の模倣はマルバーンドラマフェスティバルで上演されました。ウィリアム・サマセット・モーガムとセアン・オッケイも人気がありました。劇場の品種は、ノエル・コワードによって作成されました。彼の作品は、英国の文化的コードに永久に登録されていましたが、記念碑的な光景でした Cavalcade （Kawalkada、1931）、20世紀の最初の数十年のイギリス国家の運命を描いています。レパートリーシアターの地元の多様性も動的に開発されました。ロンドンゲートシアタースタジオは、アバンギャルド（主に表現主義者）劇場の中心でした ^[27] 。

人気アート [ 編集 | コードを編集します ]

戦間期に、革新的なソリューションを傷つけずに世界の劇場で人気のあるアートが支配し、現実的な劇場の成果を継続しました。クラシック（主にシェークスピア）は、ヨーロッパとアメリカの段階で常にホストされていました。現在、過去数十年で扱われていることも開発されています。スペインでは、エスパニョール街の経営陣が保守的なジャシント・ベナヴェンテを引き継ぎました。イギリスでは、劇作家のジョージ・バーナード・ショーとウィリアム・サマセット・モーガムが継続的な人気を博しました。自然主義は、シアターギルドのおかげでニューヨークで人気を博し、後にグループシアターに変わりました。エルマー・ライスとユージン・オニールはまた、彼らの自然主義的な芸術を表現主義の混合物とともに提供しました。

劇場はまだエンターテイメント機能を演奏しました。 1920年代の米国では、音楽形式が形成されました（このタイプの多くの劇場がブロードウェイのニューヨークに本社を見つけました）。 Rewowy Theatre（例：1907年から1931年まで存在するZiegfield Follies）はまだ発展していました。フランスでは、1960年代まで、ブルバードアーツは不死の人気を楽しんでいました ^[11] 。

アマチュア劇場 [ 編集 | コードを編集します ]

アマチュア劇場は、特に米国とイギリスでは動的にありました。 1920年以前は、ジェフリー・ホイットワースはイギリスのドラマリーグ（イギリスの劇的な協会）を設立し、アマチュアシーンの活動を支援しました。専門的な劇場は、すべてのヨーロッパ諸国で作成され、ロシアでは労働者のシーンが開発されました。時間が経つにつれて、「プロのアマチュア」の地位 – 指向性教育のない劇場の作成者であるが、彼らは彼らの宣伝と高い芸術レベルを達成しました。この環境は世紀の後半に重要な要素になり、現代劇場を形作ります ^[12番目] 。

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ヒンドゥー教の劇場 [ 編集 | コードを編集します ]

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別の記事：カタカリ。

中国の劇場 [ 編集 | コードを編集します ]

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日本の劇場 [ 編集 | コードを編集します ]

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別の記事：日本の劇場。

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