Historia zachodniej muzyki klasycznej – Wikipedia

L ‘ Historia zachodniej muzyki klasycznej jest ograniczony do kuli zdefiniowanej przez apelację ” muzyka klasyczna ” Powszechnie przyznawane i która obejmuje wyuczoną muzykę, świętą jako profanin, od jej początków do dnia dzisiejszego.

Muzyka istniała od najbardziej odległych czasów, prawdopodobnie nawet przed czasem swoich pierwszych historycznych śladów. Nie ma cywilizacji, która wcześniej czy później nie opracowała własnego systemu muzycznego ani nie przyjęła go, dostosowując go do swoich potrzeb i gustów.

Podobnie jak „Muzeum”, termin „muzyka” wywodzi się ze starożytnego greckiego Ty / Mosai („Muzy”). Koncepcja muzyki zachodniej jest zatem aluzją do nauki i sztuki, przypominającą ideę idealnej, przyjemnej i dobrze uporządkowanej rzeczy.

Podważając muzykę starożytnej Grecji i starożytnego Rzymu, klasyczna muzyka zachodnia ma swoje pochodzenie w chrześcijańskiej piosence rozpowszechnionej przez społeczności pierwszych wieków. Zjednoczenie obrzędów sprawia, że ​​muzyka ewoluuje w stosunku do gregoriańskiego, monodycznego pieśni, a następnie pojawia się pierwszy system pisania muzycznego na zachodzie. Polifonia interweniuje w kolejnych stuleciach. Wymaga bardziej precyzyjnego pisania, formatowania przez Monk Guido D’ASzzo. Transmisja muzyki popularnej, w szczególności Troubadours, jest ustna. Tak więc tylko sakralna muzyka średniowiecza kolejnych szkół ( Sztuka I Ars nova ) dotarł do nas. Podczas wstępnej renesansu opracowywane są szkoły muzyczne Franco-Flamandes, które będą pochodzące z teorii harmonii. Na XVI ^{To jest} Century występuje jedno z najważniejszych wydarzeń dla rozpowszechniania muzyki: tworzenie muzycznego druku. Jest to także wiek narodzin Madrigal, którego najważniejszym przedstawicielem jest Claudio Monteverdi. Jest także początkiem tego, co później staje się operą.

Znaczący rozwój muzyki w kolejnych stuleciach prowadzi do kompozycji Bacha (okres barokowy) lub Mozart (okres klasyczny).

Na początku Xix ^{To jest} Century dominuje w osobowości Ludwiga van Beethovena. Jest to „sezon wielkiego niemieckiego symfonizmu”, a także sezonu włoskiej opery (z Gioachino Rossini i Giuseppe Verdi) i muzyką romantyczną. Koniec stulecia doprowadził do kryzysu systemu tonalnego, który pojawia się w preludium Tristan i izolowany Richard Wagner, a następnie adopcja, w drugiej dekadzie Xx ^{To jest} Century Arnold Schoenberg i jego studenci, nowego systemu, Dodekaphonizm. To początek współczesnej muzyki, której największymi przedstawicielami są Igor Stravinsky, Béla Bartók, Maurice Ravel i Claude Debussy za pierwszą część, a następnie Pierre Boulez, Karlheinz Stockhausen, Olivier Messiaen i John Cage dla fazy integralnego serializmu.

Pierwsze przywołanie muzyki znajduje się w świętych tekstach judaizmu o Iubale lub Jubale, synu Lameca i Ady, o którym mówi się:

„… był ojcem wszystkich, którzy grają w cytar ^{[[[ notatka 1 ]} i flet ^{[[[ Uwaga 2 ]} »

– Rodzaju 4,21, ^{[[[ Uwaga 3 ]}

Wydaje się, że ten cytat odnosi się do ERA zlokalizowanej około 3200/3000 pne. ^{[Ref. niezbędny]}

Ale jest pewne, że narodziny muzyki, jako formy zorganizowanej produkcji dźwięku, są bardzo poprzednie i prawdopodobnie tak stary jak sam człowiek, poruszony chęcią używania głosu lub instrumentów wykonanych specjalnie po naśladowanie naturalnych dźwięków: piosenka of ptaki, szeleszczenie liści, hieratyczna katastrofa grzmotu.

Niektóre dowody w tym sensie można odliczyć od odkryć starych instrumentów muzycznych. W przypadku braku bezpośrednich świadectw, obserwacja ludzi, których styl życia jest nadal dość podobny do okresów prehistorycznych, takich jak Indianie Brazylii, Aborygenowie z Australii lub niektóre populacje afrykańskie, upoważnia niektóre hipotezy dotyczące form muzyki prymitywnej.

Możemy założyć, że pierwsze formy muzyki narodziły się głównie z rytmu: uderzenia rąk i stóp, aby naśladować rytmy serca lub rytm taktowania stóp w wyścigu lub galopie; Zmiana, przez grę lub nudę, spontaniczne fonacje wtrysków, takie jak „EH!” “,” Ach! »… Podczas męczącej lub monotonnej pracy, takiej jak walenie w ziarno zebrane w celu zrobienia mąki, zginaj się, aby zebrać rośliny lub zasiewać nasiona. Jest bardzo prawdopodobne i ze względu na względną łatwość ich budowy, pierwsze instrumenty muzyczne były instrumentami perkusji, prawdopodobnie niektóre różnorodne bębny.

Wśród najstarszych znalezionych instrumentów jest rzeczywiście bęben szczelinowy, pusty cylinder z podłużną szczeliną na powierzchni zewnętrznej, w której grała perkusja z bagietkami na samym szczelinie. Najstarsze i prymitywne wersje składają się z pustego bagażnika, bez szczeliny, ale poprzecznie opierając się na dziurze ćwiczonej w ziemi i niewątpliwie grana przez perkusję z stopami przez muzyków siedzących na instrumencie.

Musimy czekać dłużej, aby pojawić się bardziej wyrafinowane instrumenty. Pierwszym, który zobaczył światło dnia po perkusji, były instrumenty wiatrowe (flet, klakson) i liny (Lyre i cytra), z których przed greckim, egipskim i mezopotamianem przed X ^{To jest} wiek z. J.-C. . Te cywilizacje znają już główne przedziały między dźwiękami (piąty, dzielnica, oktawa), wykorzystywane jako podstawa ich odpowiednich skal muzycznych.

Muzyka ma ważne miejsce w życiu społecznym i religijnym starożytnej Grecji. Dla Greków muzyka jest jedną z głównych sztuk z poezją, tańcem, medycyną i praktykami magicznymi. Zasadniczą rolę muzyki w greckim świecie jest demonstrowana przez wiele mitów, które przywołują tę sztukę. Orfeusz, który odnosi sukcesy dzięki jej muzyce, aby przekonać bogów reklam do przywrócenia swojej żony Eurydice do światła dziennego, jest uważany za mit muzyczny.

W erze archaicznej (od początków do MY ^{To jest} wiek z. J.-C. ;

W okresie klasycznym ( MY ^{To jest} wiek z. J.-C. Na Iv ^{To jest} wiek z. J.-C. Muzyka zaczyna być częścią systemu edukacji, jest zatem bardziej rozpowszechniona. Istnieje tylko bardzo niewiele źródeł związanych z pisaniem muzycznym z tego okresu, a jest używany tylko przez profesjonalnych muzyków, a transmisja jest nadal ustna. Zawsze w klasycznym okresie rozwija się tragedia. Badani są podejmowane w mitologii i składają się z dialogów między dwiema lub trzema postaciami, naprzemiennie muzyką chóralną. Wszyscy aktorzy są mężczyznami i, zaopatrzone w maskę teatralną, recytują tekst o akompaniamencie muzyki. Struktura architektoniczna teatru składa się z półkolistego tłuszczu (Koïlon) dla publiczności przed sceną (Proskénion), w której występują aktorzy. Pomiędzy stojącymi a sceną znajduje się orkiestra (orkiestra), w której odbywa się chór.

Wśród instrumentów używanych przez Greków, Lyre, Cyther i Aulos są najbardziej rozpowszechnione. Lyre to szczypty instrument smyczkowy odtwarzany za pomocą plectre i jednego z atrybutów Apollo. Aulos jest instrumentem z podwójnym instrumentem trzciny podobnym do obecnego oboju używanego podczas bankietów, pogrzebu lub ofiar religijnych. Używany również przez instrumenty perkusyjne, takie jak bębny i talerze.

Grecy zbliżają muzykę do matematyki i ruchu gwiazd. Pitagoras, rozumiane jako obserwowanie ruchu planet, że muzyka rządzi również precyzyjne prawa matematyczne. Zastosował swoją intuicję do Monocorde i odkrył, że jeśli lina wytworzy dźwięk pewnej wysokości, aby uzyskać dźwięk z górną oktawą, konieczne było zrobienie połowy wibracji liny, aby uzyskać piąty, to wystarczyło, aby zrobić dwie trzecie liny itp. Byłby zatem na pochodzeniu zakresu w oparciu o cykl piątych.

U podstawy greckiego systemu muzycznego znajduje się tetracord utworzony przez cztery zstępujące dźwięki zawarte w odstępie zaledwie kwartału. Dwa ekstremalne dźwięki są ustalone, podczas gdy dwóch pośredników są mobilne. Tetracordy są podzielone na diatoniczne, chromatyczne i enharmoniczne. Związek dwóch tetracordów tworzy tryb, który może być doryczny, frygijski lub Lydian. W zależności od rodzaju powiązania tryby mogą z kolei być wspólne lub rozłączne. Jeśli do rozłączonego trybu doryckiego dodamy łącznik Tetracorda w wysokim, kolejnym łącznym tetracord w basie i notatce pod tym ostatnim, otrzymujemy system ” Teleon »Lub doskonały system, obejmujący rozszerzenie dwóch oktaw.

Rytm muzyczny opiera się na rytmie poezji. W poezji greckiej wskaźniki wynikają z czasu trwania sylab, krótkich lub długich: to samo zjawisko występuje w muzyce. Brief jest równoważny obecnej croche i długiej do czarnej. Rytm uzyskuje się przez powiązanie dwóch lub więcej nut lub sylab, zamówionych na schemacie rytmicznym zwanym stopami. W poezji połączenie różnych stóp tworzy werset i sukcesja kilku wersetów, tworzy zwrotkę.

Grecy, którzy uważają go za wzbogacając duszę, przypisują muzyce funkcję edukacyjną. Według Platona muzyka musi być użyta do wzmocnienia duszy, ponieważ gimnastyka sprawia, że ​​ciało jest solidne. Dyskurs ten wciąż rozwija się wraz z doktryną etosu, dla którego każdy tryb ma określone zdarzenie i może wpływać na duszę pozytywnie lub negatywnie. W przypadku Platona tryby natury doryckiej lub frygijskiej pozytywnie wpływają na to, podczas gdy tryby lydian mogą zakłócać równowagę racjonalną. Arystoteles przyjmuje klasyfikację w etosie, ale uważa, że ​​wszystkie tryby mogą być korzystne dla duszy.

Do tego czasu teoria muzyczna jest znana wyłącznie z matematycznego punktu widzenia. Następnie Aristoksen de Taranto odkrywa znaczenie ucha w postrzeganiu dźwięków.

Muzyka starożytnego Rzymu pod wpływem modelu greckiego [[[ modyfikator |. Modyfikator i kod ]

W erze hellenistycznej obserwowano jeden z istotnych kryzysów związanych z fundamentami greckiego „Mousika”, któremu towarzyszy kryzys tragicznego gatunku. Dlatego spotykamy prawdziwe występy aktorów, którzy postawiają kawałki utworzonego repertuaru.

W 146 rpne. J.-C. Rzym podbija Grecję. Ta data podpisuje koniec starożytnej kultury greckiej, ale jest także czynnikiem dyskryminującym kulturą rzymską między „przed” i „po”.

„Przed” jest naznaczony skromną obecnością, w Rzymie, muzyki pochodzenia etruskiego lub kursywnego, związanego z rodzimymi programami, takimi jak warsztaty lub fescenniny. Pochodzi z pierwszej epoki rozpowszechnianie metalowych instrumentów do użytku wojskowego: bukcyna o okrągłym kształcie, tuba w długiej prawej brązowej rurze.

„Po” charakteryzuje się pojawieniem się wielu muzyków, intelektualistów, artystów i greckich filozofów w Rzymie, konsekwencji podboju Grecji przez Rzymian. Cały rzymski system kulturowy, w tym muzyczny, jest uwarunkowany przez podbity kraj, z istotnymi różnicami. Podobnie w dziedzinie dramatycznej tragedie i komedie składają się w modelu greckim, ale obsługują różne nazwy: Coturnae Grecki (tak nazwany, ponieważ aktorzy nosili „Coturnes”), monodic i chóralny, rytuał, niezbędny w uroczystości publicznych demonstracji, takich jak dzielnice , na festiwalach religijnych, w grach, stają się łagodzić w Rzymie, o nazwie odzieży zatwierdzonej na tę okazję: paliusz .

Muzyka rzymska dziedzicza system muzyczny greckiego świata w jego zastosowaniach, jego formach i teorii. Z drugiej strony, w porównaniu do wyrafinowanej prostoty greckiej muzyki wykonanej z kilkoma instrumentami towarzyszącymi piosence, muzyka Rzymian jest niewątpliwie bardziej żywa i kolorowa, zmieszana z elementami pochodzenia kursywnego i wykonywana przez duże zestawy muzyczne, w których znajdujemy Ogromna obecność instrumentów wiatrowych: The piszczel , Buccyna, wabik , The pokój oraz zastosowanie hydraulicznego (narządu hydraulicznego) i wielu (i hałaśliwych) instrumentów perkusyjnych. Możemy wywnioskować, że muzyka w Rzymie była bardzo popularna i zawsze towarzyszyła wielu programom, takich jak gry pantomimy lub gladiator. Podczas gdy dla Greeks Music jest fundamentalnym elementem edukacji, Rzymianie uważają ją za niższą i kojarzą ją z wakacją i rozrywką, a nie z tworzeniem Do .

Muzyka sakralna [[[ modyfikator |. Modyfikator i kod ]

Rozpowszechnianie chrześcijaństwa, a tym samym chrześcijańskiej piosenki odgrywało decydującą rolę w historii muzyki zachodniej. Muzyka chóralna ma swoje pochodzenie w chrześcijańskiej pieśni z pierwszych wieków. Czytamy w Piśmie Świętym, że piosenka była powszechną praktyką w obrzędach religii hebrajskiej: Chrystus, podobnie jak jego uczniowie, sam jest opisany jako kantor :

„A po szwaniu hymnu poszli na górę oliwek”

-Marc, 14, 22-26 ^{[[[ Uwaga 5 ]}

Możemy narysować równoległość między funkcją muzyki w obrzędach pierwszych społeczności chrześcijańskiej a funkcją dekoracyjnej, syntetycznej i stylizowanej sztuki z oficjalnych początków chrześcijaństwa (po 313). W obu przypadkach argumenty wiary są przedmiotem niewerbalnych wyrażeń artystycznych, które można łatwo zapamiętać, w tym przez nie literackie i skromne zbór.

Ten sposób śpiewania pomysłów będzie trwał przez wieki, aby przyczynić się do udziału wiernych w świętej akcji, nawet po tym, jak język łaciński od dawna przestanie być zrozumiały. Z czasem, do funkcji Hieratic Didascalia (związanej z Psalmodią celebranta) i partycypacyjnego muzyki, zostanie dodana funkcja dekoracyjna przez instrumentu takiego jak organy.

Chrześcijańska liturgiczna monodia [[[ modyfikator |. Modyfikator i kod ]

Ponieważ notacja muzyczna pojawi się dopiero w trakcie drugiego tysiąclecia, chrześcijańska pieśń z pierwszych wieków jest nam całkowicie nieznana, a to, co wiadomo, wynika głównie z założeń. Jego domniemane pochodzenie obrzędu hebrajskiego sugeruje, że liturgia z pierwszych wieków była oparta na intonacji tradycyjnych form melodycznych zbudowanych z niewielkich wariacji (zwanych mikrotonalami ze względu na ich amplitudę mniejszą niż pół-ton) i w której rytm pochodzi z rytmu z Werbalny rytm liturgii (proces ten nazywa się również stołówką). Można również założyć, że stan sprawności, w której praktykowano religię chrześcijańską, faworyzował pojawienie się wielu wariantów obrzędu, a tym samym referencyjnego akompaniamentu muzycznego.

Sytuacja zmieniła się w 380 r., Kiedy edykt Tesaloniki nakłada religię chrześcijańską jako jedyną religię imperium. Z W ^{To jest} Wiek, chrześcijaństwo zaczęło dawać sobie strukturę, która nakłada zjednoczenie liturgii, a zatem muzyki, która jest jej integralną częścią.

Możemy założyć, że początkowa forma muzyki liturgicznej jest monodyczna (to znaczy według greckiego terminu, co oznacza pojedynczy głos, powierzony solisty) i na podstawie różnic w intonacji wokół notatki fundamentalnej (linia śpiewu), wariacje podyktowane przez prozodię (lub podkreślenie) słów świętego tekstu w stylu muzycznym SO -Callabic. Do tego dominującego stylu muzycznego w większości masy, drugi styl jest nakładany, początkowo zarezerwowany na chwile największego nacisku, takiego jak oferta, w której solista śpiewa tekst, swobodnie zmieniając intonację na tej samej sylabie, w tak zwanym Melizmatyczny styl.

Przekazanie muzyki jest nadal ustne i odbywa się w śpiewach, których obecność z największymi centrami religijnymi jest potwierdzona z Iv ^{To jest} wiek. Poza szkołą pochodzenia prawdopodobne jest, że sztuka improwizacji każdego piosenkarza w dużej mierze określiła muzykę użytku liturgicznego.

Zjednoczenie obrzędów [[[ modyfikator |. Modyfikator i kod ]

Na początku MY ^{To jest} Century Istnieje kilka obszarów wpływów liturgicznych na Zachodzie, każdy z własnym obrzędem (Vieux-Romain, Ambrosien w Mediolanie, Mozarabe w Hiszpanii, celtyccy na Wyspach Brytyjskich, Gallikan we Francji, Aquilean we wschodnich Włoszech, Bénéventan w południowych Włoszech. ..). Tradycja głosi, że decydujący impuls prowadzący do zjednoczenia obrzędów, a zatem muzyki liturgicznej pochodzi z końca tego stulecia, pod papierem Grégoire le Grand (590-604).

W rzeczywistości istniałby powód, by sądzić, że zjednoczenie przeprowadzono dopiero prawie dwa wieki później, w inicjatywie Karoliszagne i po zjednoczeniu politycznym, które doprowadziło do narodzin Rzymskiego Germańskiego Imperium Świętego Imperium. Przypisanie Grégoire’owi Wielkie zostało wprowadzone w celu przezwyciężenia oporu wobec zmiany różnych środowisk kościelnych, zmuszonych do rezygnacji z własnych tradycji.

Wynik zjednoczenia dwóch głównych obrzędów, starego Roman i Gallików, został skodyfikowany w gregoriańskim antyfonary, który zawierał wszystkie piosenki przyjęte w nowej liturgii. Klasyfikacja muzyki sakralnej jest następnie wykonywana zgodnie z systemem inspirowanych trybów – przynajmniej w przypadku ich nazw – tryby tradycji greckiej (doryc, hipodowy, frygian, hipophrygian, lidian, hypolydien, mixolydien, hypomixolydien) ^{[[[ Uwaga 6 ]} .

Neumatyczne pisanie [[[ modyfikator |. Modyfikator i kod ]

Reforma gregoriańska zastępuje badanie tekstów doustnej transmisji praktykowanej w szkołach pieśni pochodzenia, poświęcając się, oprócz specyfikacji regionalnych (niektóre z nich, w szczególności rytuału Mozarabe, były szczególnie bogate), a intonacja mikrotonalna (który istniał wciąż w „starym” obrzędach), rola improwizacji. Jednocześnie potrzeba „adnotacji” tekstów, aby pomóc śpiewakom zawsze wykonywać muzykę w tym samym trybie, z linią melodyczną wskazującą kierunek wzrostu lub malejącego. Wymóg ten rodzi określone znaki, neumbs (powstające, wydaje się, że gesty chóru), które, zauważone między liniami kodeksu reprezentujące ruch melodii, pozostawiając intonację i wolny rytm.

Pisanie neumatyczne staje się zatem pierwszą „notacją” (które następnie da termin nowoczesny „notatka”).

Reforma gregoriańska z czasem nie uniemożliwia wzbogacenia podstawowych monodycznych melodii dzięki wzmocnieniu dodającym w poziomie w sensie poziomym, ozdobami do linii melodycznej i, w sensie pionowym, innymi głosami w śpiewaniu celebransa.

Wzmocnienie poziome przybiera formę interpolacji tekstów i meulzmów w melodii gregoriańskiej (tropy) lub oryginalnych kompozycji z określonych momentów liturgii jako Alleluja (sekwencje).

Wzmocnienie pionowe, które stanowi początek polifonii (greckich: kilka głosów) najpierw przyjmuje formę powtórzenia (Diphony) monodowego głosu ( Główny głos ), drugim głosem ( Głos zorganizowanego ) z rozwojem równoległym i stałym (kwartał lub piąty), w zależności od procesu zwanego „równoległym organum”. Tam Głos zorganizowanego (Lub podwójnie ) początkowo znajdujący się pod Główny głos stałby się bardziej ostry podczas kolejnych zmian. Traktat Muzyka Enchiriadis połowa IX ^{To jest} Century raporty na temat „równoległych organum” i niektórych wyjątkowych odmian równoległego ruchu głosów.

Odległość od zasady równoległego ruchu głosów ma na celu wytwarzanie bardziej złożonych technik polifonicznych: takie jak około 1100, technika wykrywania, w którym jest uzgodnione z głosami, które zawsze utrzymują odległości uważane za spółgłosek ( Dzielnica, piąta, oktawa i unison), bardziej wolny ruch na przemian ruchu równoległego a przeciwległym.

W tym samym czasie pojawił się technikę heterofoniczną zwaną SAM, prawdopodobnie pochodzącą z popularnej piosenki podwójnie wykonywanie melizmu, podczas gdy Główny głos Słońce, o bardzo przedłużonych wartościach czasu trwania, oryginalna melodia. Ta praktyka jest udokumentowana w niektórych włoskich kodeksie XII ^{To jest} I XIII ^{To jest} stulecia takie jak Watykański traktat organum i dokumenty z tej samej epoki z kościoła świętego-wojennego w Limoges. Ten styl przyjmie nazwę organ melizmatyczny .

Nie były to jedyne zmiany z gregoriańskimi monodic recepty: w tym czasie i w miejscach rozwijających się organum melismatycznego istnieją przykłady użycia głosu Bourdona (pojedyncza nuta, która przedłuża czas trwania składu), o czasach), o czasie trwania składu), o czas trwania składu) Kompozycje multitaxTual zwane jednoczesnymi tropami, w których głosy śpiewają różne teksty, przewidując, co później przyjmie nazwę Motet i szkicowanie pisma trzema głosami.

W Anglii narodził się w tym czasie rodzaj polifonii bardzo różniących się od tego, który rozwija się na kontynencie europejskim, który przyznaje się do przesadzania ich odstępów trzeciej i sześćdziesiątych, uważany za dysonansowy na kontynencie. Ten trend, który jest wyrażony w dwóch (gimelowych) i trzech głosach (fałszywie brązowych) kompozycjach, wpłynąłby na muzykę flamandzką, a następnie rozprzestrzeniła się po całej Europie, stając się podstawą muzyki zachodniej (która opiera się na umowach trzech notatek i nut i interwały trzeciej).

Neumatyczne pisanie dało sobie swobodę wyobraźni czytelnika i dlatego było nieodpowiednie do transkrypcji kompozycji wielkiej złożoności, która przetestowała pamięć śpiewaków.

W pracy Guido D’ASzzo (v.992 – v.1050) pierwszy system pisania pozwala wskazać różne wysokości nut. Guido d’ASzzo nazwał swój system Tetragramma, ponieważ wstawił znaki (które staną się nowoczesnymi nutami) w siatce złożonej najczęściej z czterech równoległych linii.

Jest to również początek użycia notatek, których pisanie daje proporcjonalny czas trwania. Do notatek umieszczonych na liniach i pomiędzy nimi, Guido d’ASzzo przypisanie, jako mnemoniczne środki do używania uczniów, nazwiska odpowiadających początkowym sylabom pierwszych sześciu wersetów hymnu dla baptystów Świętego Jana:

” Na zewnątrz NA ZEWNĄTRZ queant się rozluźnij, ponownie ODNOŚNIE Sound-fibris: 1001 JA Ra mnorum, fa Ale muły, słońce SŁOŃCE ve zanieczyszczające, . BII Reif S Ancte J Ohannes. »

Prawdziwą innowacją Guido D’ASzzo jest nie tylko nadanie nazwy notatek, ale także nadanie im względnej intonacji. W ten sposób piosenkarka może śpiewać w zasięgu wzroku, którego piosenka nigdy wcześniej nie usłyszała, po prostu poprzez wprowadzenie sylaby hymnu do intonacji notatki, w której piosenka zaczyna mieć natychmiastowe wyobrażenie o toniku.

Ten proces zapamiętywania przyjął nazwę solomizacji. W następnych latach tetragram Guido D’ASzzo, pierwotnie wyposażony zmienną liczbą linii, stabilizuje się na pięciu liniach, przyjmując nazwę zasięgu, a nuta UT zamienia się w D, w ten sposób nowoczesne notację muzyczną.

Muzyka średniowiecza, niezależnie od tego, czy jest to muzyka religijna, czy wulgaryjna, jest zasadniczo przekazywana w odręcznej formie, która odróżnia ją od muzyki renesansowej, która skorzysta z wynalezienia drukowania.

Średniowiecze wyprodukowało dużą ilość monodic i polifonicznej muzyki wulgaryjskiej: świętowanie Lordów; Amucingiment of Official Ceremonies lub malownicze programy, takie jak gra Robina i Marion; lub muzyka taneczna taka jak Estampie. Manuskrypt Carmina Burana przedstawia muzykę wulgaryzmu po łacinie napisana w Neume bez linii, od Goliardds, wędrownych duchownych wokół XIII ^{To jest} wiek.

Dopóki XV ^{To jest} Poezja stulecia jest śpiewana, a nie mówi. Kompozycje Troubadours, Finds i Pamięci , piosenkarze i poeci, wracając do XII ^{To jest} stulecie różnych pochodzenia językowego (język OC dla trubadurs, język oïl dla znalezisk, niemiecki Pamięci ), mają wspólne tematy ich piosenek, uprzejmą miłość i ich częstotliwości okazałych kursów, w których opracowano tę z rytualizowaną i wyrafinowaną formę miłości.

Z Xiv ^{To jest} stulecia pewne profanowe melodie zostały zintegrowane z polifonicznymi śpijymi kompozycjami, takimi jak masa lub motet: jest to szczególnie w przypadku piosenki Uzbrojony mężczyzna który jest pobierany przez Guillaume Dufay.

W 1150 r. Opracowany w Paryżu wokół katedry w Notre-Dame, dużej europejskiej szkoły przeciwnej, pitagorejskiej inspiracji, która przyjmuje nazwę szkoły Notre-Dame i znajdzie jej koniec w 1320 r. Sztuka (termin używany w opozycji do Ars nova , kolejny duży ruch polifoniczny, który się urodzi Xiv ^{To jest} wiek).

Jedną z istotnych cech szkoły Notre-Dame jest wprowadzenie do notacji muzycznej Technika pozwalająca dokładnie wskazać wysokość notatek (wciąż względna w dziele Guido d’Aszzo), takim jak w nowoczesnym piśmie i Pierwszą ideę podziału czasów trwania: Każda notatka można teraz podzielić na trzy nuty o niższym czasie trwania.

Léonin i Pérotin, dwaj główni kompozytorzy szkoły Notre-Dame są uważani za pierwszych współczesnych autorów muzyki sakralnej w historii muzyki zachodniej.

. trzysta to wiek, który żyje w całej Europie początek ruchu sekularyzacji kultury, który zaczyna odchodzić od uścisku Kościoła, aby zdobyć autonomiczny wymiar.

Zjawisko to przejawia się we wszystkich aspektach produkcji artystycznej: w literaturze jest to przejście z teologicznej reprezentacji świata (Boskiej komedii) do ludzkiej komedii Boccace; W malarstwie przekazujemy stylizowane formy do materialnego wymiaru człowieka; W architekturze nie budujemy już tylko miejsc kultu, ale także pałaców, miast i arystokratycznych domów. W muzyce jest koniec, w 1320 r., Sztuka Z dwoma traktatami: Sztuka nowej muzyki , Jehan of the Walls i Philippe de Vitry, który inicjuje okres Ars nova .

Ta szkoła opracowała koncepcję oceny menuralistycznej, dodając inne czasy trwania do tych używanych do tego czasu i rozszerzając zastosowanie binarnego podziału wartości; Podkreślił także muzyczne aspekty kompozycji w odniesieniu do tekstów, pomnożając głosy śpiewaków i wprowadzając na przykład wielowarstwowy kształt motetu. Te innowacje szybko sprowokowały z zwolennikami ARS, które przeciwdziałały kontrowersji, których ton stał się tak gwałtowny, że konieczna była interwencja królewska, aby odzyskać spokój.

Jest to punkt widzenia „arsnovist”, który ostatecznie zwyciężył, i to jego nauki stanowią podstawę innowacji muzycznych, które pojawią się w kolejnych stuleciach w Flandrii.

Podnośniki gospodarcze i społeczne XV ^{To jest} Stulecie, sto lat wojny i rozwój handlu w Europie Północnej zmniejszają znaczenie Francji i promują rozwój sztuki w ogóle, a zwłaszcza w regionach Holandii Burgundów. Szkoła, która rozwija się w centrach muzycznych w katedrach, finansowanej przez bogatą burżuazję, ma nazwę szkoły Franco-Flamande i znacznie odnawia istniejące formy masy, motet i pieśni. Umieszczając spółgłoski przez trzecie (wciąż znane dziś z zachodniego uchu) i naśladownictwem armaty u podstawy ich zasad kompozycji, Flemingi takie jak Guillaume Dufay, założyciel ruchu lub Josquin of the Pres zrewolucjonizują praktykę praktyki. Polifonia odziedziczona Ars nova i Sztuka . Ich praca jest podstawą tego, co stanie się teorią harmonii.

Monumentalna złożoność, do której osiągną kompozycje, takie jak Motet Dzięki Od Johannesa Ockeghema, z 36 głosami z równymi częściami, to znaczy bez powtórzenia linii melodycznych zarówno zgodnie, jak i w oktawie, skodyfikowane zasady i drobiazgowa taksonomia używana do klasyfikacji napotkanych formularzy zakończą się wyschnięciem i sztucznym rozważeniem Kompozycje ostatniego okresu flamandzkiego: w tej chwili (między XVI ^{To jest} I XVII ^{To jest} wieki), nauki Flamandzkiego są pochłaniane przez inne szkoły europejskie i stają się integralną częścią polifonii.

Włoska muzyczna produkcja tego stulecia nie jest absolutnie udokumentowana. Wiemy, że muzyka użytkowa doświadczyła ekspansji na kursach i ogólnie na wszystkich wulgarnych okazjach, ale część muzyczna powierzona jak zwykle tradycji ustnej jest prawie całkowicie utracona. Pamiętamy z tego okresu CULAS TURASALI (Piosenki Carnival) Laurent de Médicis, urodzone we Florencji w czasie wspaniałego. Są to popularne piosenki z kilkoma głosami: prawdziwa polifonia, w której wszystkie głosy podążają za tym samym rytmem (homorythmic Polyphony).

Pojawi się różne niemal monodyczne formy lub przynajmniej z znacznie prostszą homorymiczną polifonią niż flamandzka polifonia, w której tekst panuje na ramie muzycznej. Jednym z najbardziej popularnych jest forma oszustwo . . Villanella który został nazwany Villanella alla neapoleletana jest trzy -głosową formą, pierwszą w Neapolitan, która przyjęła międzynarodową formę Madrigal. Jest to silnie popularna forma charakteru charakteryzująca się obecnością równoległych piątych, która podkreśla jej odległość od tradycji tego okresu.

Początek drukowania muzycznego [[[ modyfikator |. Modyfikator i kod ]

Dom drukarski wynaleziony przez Gutenberga w 1453 r. ( XV ^{To jest} wiek) był używany tylko do celów muzycznych z 1501 r. ( XVI ^{To jest} wiek). Umożliwi to uszczelnienie całego podboju pisania muzycznego, a także stworzenie jednolitości w Europie z renesansu.

. XVI ^{To jest} Century widzi jedno z najważniejszych wydarzeń dla nadawania muzyki: narodziny wydania muzycznego. W 1501 r. W Wenecji po raz pierwszy opublikowano w inicjatywie Ottaviano Petrucci Harmonicznie mięśnie oderhecaton , pełny tom muzyki drukowanej. Petrucci używa postaci mobilnych. Rzymska drukarka, Andrea Antico, użyje procesu typu ksylograficznego kilka lat później, aby uzyskać ten sam wynik.

Odnowienie muzyczne [[[ modyfikator |. Modyfikator i kod ]

W dziedzinie muzyki popularnej w latach 30. i 40. XX wieku rozpowszechniono sylabiczną piosenkę z kilkoma ogólnie homorymicznymi głosami (głosy śpiewające jednocześnie notatki o tym samym czasie trwania). Ten gatunek ulega wielu zmianom i zmianom; W drugiej połowie wieku czysto instrumentalna forma, która dryfuje, piosenka do zagrania , stanie się przodkiem form instrumentalnych, które rozwiną się w okresie barokowym.

Francuz Philippe Verdelot i flamandzki Jacques Arcadelt rodzą kolejną ważną gałęzie tego rodzaju, Madrigal, formę kantaty z kilkoma głosami, w których znaczenie tekstu przekazuje jego wyraziste charakter dla muzyki. Główni muzycy z piątej generacji szkoły Franco-Flamande (Palestrina, Monteverdi, Orlando Di Lasso, Adrien Willaert) przyjmą ten gatunek.

Pojawienie się reformy protestanckiej i reakcja katolickiego kontrreformu kulminacyjnego w Radzie Trent (1545-1563) mają głęboki wpływ na muzykę sakralną. Niemieckie tłumaczenie piosenek liturgicznych i ich muzyki często na bluźnienne melodie tworzy tradycję protestanckiego chóralnego. W świecie katolickim wydaje się ruch powrotu do pochodzenia gregoriańskiego, odchodząc od nadmiernej złożoności wprowadzonej przez Flamandzką szkołę z poprzedniego stulecia i zabranianie jakiejkolwiek rezygnacji z muzyką w bullowym muzyce, domagając się szanowania kompozytorów dla zrozumiałości tekstu. Słynny włoski muzyk był szczególnie wrażliwy na te przykazania: Giovanni Pierluigi da Palestrina (1525-1594). Dyrektor muzyczny różnych rzymskich kaplic, w tym, przez krótki czas, Kaplica Sykstyńska, pozostawia korpus 100 mas, 375 motetów i ponad 300 innych kompozycji, które stanowią odkupienie katolickiej muzyki sakralnej, stabilizując stylistyczny kanon, który będzie Odniesienie do muzyki liturgicznej na nadchodzące wieki.

W tym samym czasie w humanistycznych kręgach rozwija kontrowersje między zwolennikami formy polifonicznej a monodą, w której te ostatnie były innowacyjne. Pod koniec stulecia wpływ florenckiego kręgu kameraty „Bardi staje się fundamentalny. Produkcja co najmniej dwóch wersji (w konkurencji między nimi) dramatu muzycznego, Euridice , pochodzi z tego cenycle. Stosuje się tam nową technikę, „słońce recytatywne”, stąd geniusz Claudio Monteverdiego rodzi dramat muzyczny (operę).

Pod koniec wieku traktat Instytucja harmoniczna (1589) przez Gioseffo Zarlino, jednego z „konserwatystów” obrońców polifonii we wyżej wymienionych kontrowersjach, ostatecznie określa w całkowicie wyczerpujący sposób prawa harmonii (a zatem polifony).

. XVII ^{To jest} i początek XVIII ^{To jest} Century: barok [[[ modyfikator |. Modyfikator i kod ]

Muzyka zachodnia rozwija się z niezwykłą prędkością w tym okresie zainaugurowanym z pojawieniem się opery (Claudio Monteverdi), w reakcji na złożoność i scholastyczny aspekt polifonii. Powrót do prostoty szybko ustępuje jednak zrozpaczonym poszukiwaniu efektów i wirtuozerii (Alessandro Scarlatti) prowadzącego do kształtu serii opery. Włochy zaczynają dominować całą muzykę europejską, z wyjątkiem Francji Ludwika XIV pod dziełem Jean-Baptiste Lully, a następnie dominujący wpływ Jean-Philippe Rameau.

Muzyka religijna, bardziej konserwatywna, jednak ulega wpływowi opery i ma formę, która nie jest już liturgią: Oratorio (Giacomo Carissimi, Georg Friedrich Haendel).

Kontrapunkt dominuje w tym okresie (i osiąga szczyt pracy Jean-Sébastien Bach, choć pochowany przez kompozytorów takich jak Vivaldi i Telemann, którzy rozwijają prymat ekspresji tematycznej, a nie harmonicznej), podczas gdy zdecydowanie umieszcza system tonalny, zasady zasad tego Klasyczna harmonia (gałąź) i na koniec, poprzez długą próbę i błąd, równy temperament.

Muzyka instrumentalna wygrywa swoją autonomię i tworzy swoje specyficzne formy (fuga, apartament, koncert z grubsza, sonata itp.) Pod wpływem mistrzów takich jak Jan Pieterszoon Sweelinck, Girolamo Frescobaldi, a później Arcangelo Corelli, którzy tworzą wielu uczniów. Instrumenty pojawiają się, ewoluują we fakturze lub technikę gry.

Koniec XVIII ^{To jest} Century: Klasyczny okres [[[ modyfikator |. Modyfikator i kod ]

Przejście zostało przygotowane przez kompozytorów, takich jak Antonio Vivaldi, Georg Philipp Telemann, synowie Bacha lub te, które zostały zebrane w School of Mannheim: Relaksation of the Contrapunkt na korzyść melodii wspieranej przez harmonię utworzoną „autonomiczną umowy, które nie wynikają już z połączenia oddzielnych głosów. Nowe formy rodzą się lub rozwijają (koncert solo, kwartet smyczkowy, klasyczna sonata, symfonia …), podczas gdy inne zanikają (szorstki koncert, apartament itp.); To samo dotyczy instrumentów: fortepian zastępuje klawesyn, ponieważ skrzypce sprawia, że ​​zapomnisz o altówce.

Wielka obecność Wolfgang Amadeus Mozart oznacza klasyczny okres we wszystkich obszarach muzyki (Symphonic, Opera, Room) i stanowi związek między muzyką XVIII ^{To jest} (Symfonie i kwartety smyczkowe Franza Josepha Haydna, które odzwierciedlają doskonałość standardów muzycznych) i romantyczna muzyka romantycznej muzyki romantycznej muzyki Xix ^{To jest} wiek.

Lata, które minęły w latach 1750–1850, stanowią Złoty wiek zachodniej muzyki klasycznej. Jest to wyrażone w bogatszych i skomplikowanych formach, w szczególności znaczący rozwój formy „Symfonii” pojawił się już w poprzednim stuleciu z Haydnem i Mozartem. Zawsze na polu instrumentalnym muzyka fortepianowa i muzyka kameralna są u szczytu i odzwierciedlają intymne uczucia kompozytorów pierwszej połowy Xix ^{To jest} wiek. Opera liryczna wykracza poza granice Włoch. Kompozytorzy jeszcze bardziej wykorzystują ekspresyjne możliwości dostarczane przez system harmoniczny i tonalny zbudowany w poprzednich wiekach.

Pierwsze przejawy muzycznego romantyzmu pojawiają się z osobowością Ludwiga van Beethovena, który urodził się z dziedzictwa Mozarta i klasycznych kompozytorów, którzy są dla niego współczesne, aby osiągnąć przemieszczenie kanonicznych form muzycznych, zwłaszcza symfonii, tworząc w tym samym czasie koncepcję czasu muzyki „absolutnej” wydanej z funkcji społecznej, do której wcześniej była podporządkowana.

Wraz z Beethovenem jesteśmy świadkami narodzin postaci artysty kompozytora przeciwnego tego, co wcześniej panowało jako muzyk rzemieślniczy. Rezonans dziewięciu symfonii Beethovena jest taki, że promuje formę symfonii jako królową form muzycznych. Jeśli Ludwig van Beethovena przyniósł kształt symfonii na swój szczyt, wiele skomponował również na fortepianie z niezwykłą serią 32 sonat fortepianowych (plus trzy sonaty woo), drobiazgi i warianty (warianty diabelli).

Prąd jest również silnie reprezentowany przez wielu innych niemieckich lub austriackich kompozytorów, takich jak Carl Maria Von Weber, Franz Schubert, Felix Mendelssohn, Robert Schumann, Johannes Brahms i Richard Wagner. We Francji aktorzy ruchu są Hector Berlioz i Polak Frédéric Chopin. We Włoszech znajdują się kompozytorzy z Gioachino Rossini, Vincenzo Bellini, Gaetano Donizetti i Giuseppe Verdi. Postać muzyka wirtuozowego pojawia się również z tego okresu, z Franzem Lisztem na fortepian i Niccolò Paganini na skrzypce, które zapewniają dwa najbardziej znane i najbardziej znane przykłady.

Wielu muzyków będzie później obawiać się zmierzenia się gatunku symfonicznego. Jednak kompozytorzy tacy jak Franz Schubert, Felix Mendelssohn, Robert Schumann, Anton Bruckner, Johannes Brahms, Piotr Ilitch Tchaikovski i Gustav Mahler konfrontowali go z wynikami, które będą opowiadane o „sezonie wielkiego niemieckiego symfonizmu”.

Liczba kompozytorów po Beethovena ilustrowała repertuar fortepianowy, często opuszczając formalne ramy sonaty: Carl Maria von Weber (Sonates, Variations …), Franz Schubert (Sonates, Imprimptus, Murions Moments …) W Romanse bez słów , Pchelus, fugvenues …), Rarert Schrom ( Motyle W Davidsbündler tańce W Karnawał , Badania symfoniczne, Sceny dla dzieci W Karnawał Wiedeński W Fantasiesse …), Frédéric Chopin (Preludes, Studies, Nights, Mazurkas, Waltzes, Polls itp.), Franz Liszt ( Sonata w Si Minor W Transcendentne badania wykonania W Lata pielgrzymkowe , transkrypcje…) i Johannes Brahms (Sonattes, Rapsodies, Intermezzi, Fantasies, Węgierskie tańce…).

Romantycy muzycy są również bardzo wyrażani w muzyce kameralnej, która dobrze tłumaczy intymność uczuć, w szczególności niemieckich kompozytorów Ludwiga van Beethovena (16 kwartetów z linami), Franz Schubert (15 kwartetów smyczkowych),
Felix Mendelssohn, Robert Schumann i Johannes Brahms.

. Xix ^{To jest} Postury Lease of La Grande Catalan (1892-1835), Vincenzo Bellini (591-1868), Gahatano Donizetti, 1797-1848), Giuseppe Verdi (1891-1848) oraz w Chevval Paris Les-Deux Areles, GiAcomo Puccini (1858) -1924). Tradycja OP Stamt po Exualter to Exual Du Chant Wars, że libéerm z Openu du Opena XVIII ^{To jest} Century, staje się lirycznym momentem, czystym wyrazem duszy. Jednak w ciągu stulecia stopniowo wchłania aspekty francuskiej opery wrażliwe na aspekt wizualny i, od drugiej połowy wieku związanego z estetyką naturalizmu. Jeśli chodzi o orkiestrę, prosty akompaniament do piosenki, ewoluuje, dopóki nie stanie się w Puccini, orkiestrze symfonicznej.

Pod koniec wieku poszukiwanie nowych form i nowych dźwięków zaowocowało „kryzysem” systemu tonalnego, jak pojawia się w preludium Tristan i izolowany Richard Wagner w 1865 r., Który zawiera harmonicznie enigmatyczne fragmenty, niezrozumiałe w świetle obowiązujących zasad.

Od Xx ^{To jest} Century: muzyka nowoczesna i współczesna [[[ modyfikator |. Modyfikator i kod ]

Po kryzysie systemu tonalnego, w wieku XIX wieku ^{To jest} I Xx ^{To jest} Wieki to szalone poszukiwanie nowych kodów językowych, na których można oprzeć kompozycję muzyczną. Proponowane rozwiązania są zróżnicowane: od powrotu do modalności, do przyjęcia nowych skal, dodatkowego pochodzenia europejskiego, takiego jak dla całych tonów (używanych między innymi przez Claude Debussy), po chromatyzm atonalny wówczas Dodekaphonic, który ma tendencję do wydostania się Ukrywa tradycyjną konsonencja/dysonans dualności.

W drugiej dekadzie Xx ^{To jest} Century, Arnold Schoenberg, a jego studenci, w szczególności Alban Berg i Anton Webern, udaje się narysować zarys nowego systemu, systemu Dodekaphonic oparty na serii dwunastu nut. Dla niektórych jest to początek współczesnej muzyki, często identyfikowanej jako muzyka awangardowa.

Muzycy tacy jak Igor Stravinsky, Bela Bartok lub Maurice Ravel decydują się na nową inspirację w tradycjach ludowych i muzyce europejskiej, teraz link z systemem tonalnym, ale głęboko remontując organizację i eksperymentowanie z nowymi skalami, nowymi rytmami i nowymi znaczkami.

Inni sprzeciwiają się silnie, szukając innej ścieżki. Pojęcie serii, początkowo powiązane z interwałami muzycznymi, rozwija się w drugiej połowie Xx ^{To jest} wiek wchłonięty wszystkich parametrów dźwięku. Jest to faza integralnego serializmu, uosobienia w latach 50. przez kompozytorów takich jak Pierre Boulez lub Karlheinz Stockhausen, ale szybko porzuciła z powodu jego zbyt dużej sztywności.

Notatki [[[ modyfikator |. Modyfikator i kod ]

Bibliografia [[[ modyfikator |. Modyfikator i kod ]

• Marie-Claire Beltrando-Patier ( Pref. Marc Honegger), Historia muzyki: muzyka zachodnia od średniowiecza do współczesności , Paryż, Bordas, coll. «Marc Honegger», 1982 , 630 P. (ISBN 2-04-015303-9 , OCLC 9865081 , Bnf 34724698 ) .
• Jean Massin i Brigitte Massin, Historia muzyki zachodniej , Paryż, Fayard, coll. „Essentials of Music”, 1985 , 1312 P. (ISBN 2-213-02032-9 , OCLC 630597950 )
• Willi Dzwonić ( Trad. Jean-Philippe Navarre), Notacja muzyki polifonicznej: 900-1600 , Do Marda, coll. „Muzyka muzyczna”, 1998 , 433 P. (ISBN 2-87009-682-8 W Czytaj online )