Balet – Wikipedia

. balet jest dramatycznym gatunkiem, którego działanie reprezentują pantomimy i tańce. Jego początki sięgają włoskiego renesansu ( XV ^{To jest} wiek). Pierwotnie opracowany na lekcjach włoskich, balet otrzymał listy szlachetności we Francji, a następnie w Rosji, jako widok tańca.

Na XVII ^{To jest} Century, ważny rozwój, którego balet doświadczył na dworze Ludwika XIV, wyjaśnia francuskie pochodzenie większości warunków słownictwa tańca.

Według Eras, kraje i prądów, spektakl choreograficzny może integrować muzykę, piosenkę, tekst, zestawy, a nawet maszyny.

Podobnie jak opera, balet można zorganizować na dwa sposoby:

• albo w kolejności „liczb” lub „wejść”;
• albo „ciągłe”.

Struktura baletu „wejścia” jest najstarsza: tańce są połączone jeden po drugiej, jak wiele różnych odcinków.

Francuskie słowo „balet” pochodzi od Włochów ” balet „, Zdrobnienie” taniec „(„ Dance ”), pochodzący z łacińskiego„ samego ” taniec »,« taniec „Znaczenie„ tańca ”, pochodzące z greckiego” mokry „(Ballizo) oznacza także„ taniec, skok ”. Francuska pisownia „balet” jest również używany identycznie w języku angielskim, gdzie słowo zostało zaimportowane około 1630 r.

Balet Italien [[[ modyfikator |. Modyfikator i kod ]

. balet urodził się w włoskim sądzie renesansu, gdzie małżeństwa były wystawnie świętowane. Muzycy i tancerze starali się odwrócić uwagę gości. Kiedy Catherine de Médicis, zainteresowana sztuką, poślubiła Henri II (1533), spadkobiercę tronu Francji, przynosi entuzjazm do tańca i wsparcia finansowego. Balletto jest prezentowane na dworze króla Francji, gdzie dodano go słowa, wersety, piosenki, sety i kostiumy, aby uczynić go wielkim ceremonialnym spektaklem, który stanie się baletem. Domenico da Piacenza był jednym z pierwszych mistrzów tańczących. Wraz ze swoimi studentami Antonio Cornazzano i Guglielmo Ebreo został przeszkolony w sztuce tańca i był odpowiedzialny za jego nauczanie.

Francuski balet sądowy [[[ modyfikator |. Modyfikator i kod ]

. Komiczny balet królowej , choreografowane przez Balthazara de Beaujoyeulxa, Rose i zaprezentowane w Paryżu w 1581 roku w tym samym roku, które pojawiło się we Włoszech Tancerz , Traktat techniki na dworze Fabritio Caroso. Chociaż Komiczny balet królowej Nie jest pierwszym tego rodzaju baletem, jego reprezentacja zbiegła się z publikacją traktatu ustanowionego we Włoszech, wówczas centrum rozwoju technicznego baletu.

Francuski balet sądowy, zarówno instrumentalny, jak i wokalny, jest współczesny z pierwszymi testami dramatycznej monodii we Florencji („przerywniki”, pod koniec XVI ^{To jest} wiek). Z tradycji baletu dworskiego przychodzą Balety Balety i komedie-balety Lully i Molière.

. XVII ^{To jest} wiek [[[ modyfikator |. Modyfikator i kod ]

We Francji balet podbił swoje listy szlachetności jako pełna sztuka na dworze króla Ludwika XIV, który pasjonował XVII ^{To jest} wiek. Louis XIV stworzył Royal Dance Academy w 1661 roku, a następnie w 1669 r., Royal Music Academy. Będzie to narodziny prestiżowej firmy znanej dziś jako balet operacji krajowej Paryskiej. W 1681 r. In Triumf miłości Z Jean-Baptiste Lully Mademoiselle de la Fontaine jest pierwszą profesjonalną tancerką. Pierre Beauchamp, tancerz i choreograf na boisku, kodyfikuje pięć klasycznych pozycji i opracowuje system zapisów tańca.

. XVIII ^{To jest} wiek [[[ modyfikator |. Modyfikator i kod ]

. XVIII ^{To jest} Century widzi głęboką ewolucję w standardach i technikę baletu i jest ustawiony jako forma artystycznego spektaklu obok opery. Praca Jean-Georges Noverre i jego Listy taneczne (1760) nie są niezwiązane z ewolucją w kierunku baletu akcji (lub balet-pantomimy), w którym ruchy tancerza wyrażają uczucia postaci, którą ma reprezentować i pomaga zrozumieć historię. Pierwszym baletem akcji w repertuarze będzie Don Juan (1761) Gluck, napisane zgodnie ze wskazaniami Noverre. Ta główna praca jest bezpośrednim przodkiem wielkich baletów Xix ^{To jest} I Xx ^{To jest} wieki.

W tym czasie kobiety, zatłoczyły, że były przy koszy, gorsetach, perukach i innych wysokich obcasach, odgrywały tylko wtórną rolę (podczas gdy dominują dzisiaj).

Balet międzykaleski, wstawiony w operę, a następnie staje się specyfiką francuskiej sztuki lirycznej. Widzimy to, uczestnicząc w reprezentacjach lirycznych tragedii Lully i Rameau. Reforma Noverre (balet akcji) i Gluck również zachowują tę praktykę.

. Xix ^{To jest} wiek [[[ modyfikator |. Modyfikator i kod ]

Nowoczesny balet zawiera szereg odcinków, które są ciągle powiązane. Ten rodzaj baletu rozwija się na początku Xix ^{To jest} wiek w autonomicznym otoczeniu. A koncepcje Wagnerian, zilustrowane przez reprezentację Tannhäuser w 1861 r. W Paryżowej Operze, sprawiły, że praktyka baletu Intercalaire w Grand Opera.

Dziedziczka „pięknego tańca” praktykowana w Europie Zachodniej od czasu XVII ^{To jest} Century, taniec klasyczny ma założycielskie zasady „na zewnątrz”, pięć pozycji odniesień, pion, rygor i jasność. Jego techniczność rozwija się z Royal Dance Academy, a jej słownictwo było stale wzbogacone, wciąż po francusku.

En 1832, Marie Streams w Operze Paris Lancult La Sylphide Choreografowane przez jego ojca Filippo Taglioni, gdzie pojawiają się zarówno romantyczny tutu, jak i technika wskazówek.
W tym czasie pojawił się tutu i w pełni odkrył nogę baletni.
Z La Sylphide , ma miejsce duży punkt zwrotny: romantyczny ideał przytłacza scenę, a taniec staje się anteny, precyzyjny, skomplikowany i zasadniczo kobiecy. To wrażenie lekkości wynika z użycia kapci tanecznych zwanych „punktami” (używanymi po raz pierwszy w 1801 r.) I którego wzmocniony koniec pozwala tancerzowi stać na nogach. Była wtedy w centrum wszystkich romantycznych baletów, męskich partnerów serwujących więcej „przechowywania” i „przewoźników” z baletnicą. Połącz, krok dwóch i wysokość symbolizują nowe cechy techniczne, a także jakość i rygor ciała baletowego, które wspierają solistów.

Po 1850 r. Entuzjazm dla baletu zaczął osłabić w Paryżu, ale rozwój w Danii i Rosji dzięki baletom i choreografom, takim jak Auguste Bournonville, Jules Perrot, Arthur Saint-Léon, Enrico Cecchetti i Marius Petipa. Orientalizm staje się modny pod koniec Xix ^{To jest} wiek.

Podczas gdy Francja przyczynia się do wzrostu baletu na początek, inne kraje, w szczególności Rosja, przyjmują tę nową formę sztuki. To Marius Petipa, Francuz, który przeszedł większość swojego istnienia w Rosji, jest jednym z wielkich odkrywców klasycznej techniki. Petipa jest szczególnie znany ze swoich choreografii baletowych i pozostawił nam wiele arcydzieł, takich jak jezioro łabędzie , z europejskiego folkloru muzyki Piotr ilitch Tchaikovski, Don Kichot W Śpiąca królewna Lub Orzechówka , które są podstawą i podstawą tańca klasycznego, jak można go dziś zrozumieć. Słowo „klasyczny” pojawia się z rosyjskimi baletami (1910) i nie będzie już opuszczać tańca. Marius Petipa wzywa popularny entuzjazm, a także wspinać się Córka faraona w 1862 roku Bayadere (1877) i Tan Tassman (1889). Następnie kolonializm przynosi wiedzę o kulturach azjatyckich i afrykańskich, ale zniekształca się przez dezinformację i dużo fantazji. Orient jest następnie postrzegany jako dekadencki. Jest to jednak czas konstytucji dużych zachodnich prywatnych kolekcji dotyczących tych kultur.

. Xx ^{To jest} wiek [[[ modyfikator |. Modyfikator i kod ]

Serge de Diaghilev ożywa zainteresowanie opinii publicznej baletem, gdy znalazł swoją towarzystwo rosyjskich baletów. Składa się z tancerzy ze społeczności rosyjskiej wygnanej w Paryżu po rewolucji w 1917 r.. Diaghilev i Strawiński zjednoczył swoje talenty, aby ożywić rosyjski folklor Ognisty Ptak I Petrouchka . Narodziła się kontrowersja Koronacja wiosny , który uderzył Amerykanów. ^{[Ref. niezbędny]}

Michel Fokine rozpoczął karierę tancerza i choreografa w Sankt Petersburgu, podczas gdy Petipa maleje. Fokine opuszcza Rosję do Paryża, gdzie pracuje z Diochilevem i jego rosyjskimi baletami.
We Francji, wraz z Serge Lifar i w Stanach Zjednoczonych, wraz z George’em Balanochine, twórcą baletu w Nowym Jorku i założycielem metody Balanochine, balet jest odnawiany poprzez zwiększenie neoklasycznego stylu.

Rosyjskie balety kontynuują rozwój pod rządami radzieckiego. Po rewolucji pozostało niewiele talentów, ale wystarczy, aby utworzyć nową pokolenie tancerzy i choreografów, którzy pojawili się na scenie w połowie lat 30. ^{[[[ A ]} , Dyrektor School Dance of the Mariinsky Theatre.

Balet był i pozostaje bardzo popularny w Rosji. Firmy Kirova (obecnie teatr Mariinski) i teatru Bolchoi są bardzo mile widziane. Ideologia tamtych czasów zmusiła obie firmy do programowania części radzieckiego realizmu socjalistycznego, z których większość nie była doceniana i usunięta z repertuaru później. Jednak niektóre balety są niezwykłe jak Romeo i Julia Siergiej Prokofieva. Paris Flames (1932) w dużej mierze używa korpusu baletowego i wymaga zadziwiającej wirtuozerii w jego wykonaniu. Fontanna Bakhtchisaraï (1933), wersja taneczna wiersza Alexandre Pouchkine choreografowana przez Rostislava Zakharowa na temat muzyki Borisa Asafiewa, była niezaprzeczalnym sukcesem i została zinterpretowana po raz pierwszy w Stanach Zjednoczonych przez Kiowa podczas jego trasy koncertowej w 1999 roku. Kopciuszek jest także produkcją baletów radzieckich. Te elementy były mało znane na zachodzie przed upadkiem ZSRR.

Współczesny balet [[[ modyfikator |. Modyfikator i kod ]

Od końca XVII ^{To jest} Stulecie, balet został zorganizowany w sposób hierarchiczny, mając na uwadze jakość techniczną i wiek tancerza w wojsku. Każdy ma zdeterminowaną rangę, specjalną funkcję. Poniższa hierarchia jest taka przyjęta przez balet opery w Paryżu; Nie jest to uniwersalne, choć stosowane w innych firmach baletowych.

• Master of Ballet: Dyrektor Troop of Dancerzy, odpowiedzialny za choreografię, próby, organizację żołnierza, czasem nawet muzyki baletów. Ta funkcja znacznie się zmieniła, ponieważ w dzisiejszych czasach termin określa tylko dziennik, a reszta pracy często powierzono „dyrektorowi artystycznemu”.
• Gwiazda tancerza (tancerz): najwyższy tytuł przyznany najlepszym tancerzom operowej opery od 1938 r.; W dużych zagranicznych firmach wolimy termin Główne solis . Tytuł ten jest często mianowany przez dyrektora opery po występie baletu na scenie. W związku z tym tancerz jest często lepiej rozpoznawany przez publiczność i odgrywa większą rolę w reprezentacji.
• Pierwszy tancerz, First Dancer: Role solistów (pierwsi tancerze regularnie pełnią główne role w baletach repertuaru). Na XVIII ^{To jest} Century, wyróżniamy pierwszą „szlachetną”, „półkaraktyczną” i „komiksową” tancerzy (patrz balet akcji).
• Temat: Tancerz ciała baletowego, interpretując role solistów o rosnącym znaczeniu.
• Coryphée: grecki termin określający szefa refrenu. Tancerz lub tancerz ciała baletowego, do którego na chwilę jest solowa rola, a następnie wchodzi w szeregi chóru.
• Pojawiający się tancerz: Członek Korpusu Baletowego, nie mając roli solisty, ale co go podkreśla.
• Supernumerary tancerz: taniec w nadmiarze, to znaczy, który nie reprezentuje jeszcze kadencji.
• Quadrille: Zestaw ośmiu lub szesnastu dodatków, a także najniższy ranga w hierarchii opery w Paryżu.

Technika baletowa Ma na celu zdobycie anatomicznej elastyczności artykulacji, które umożliwia wykonanie różnych ruchów słownictwa tańca. Większość techniki baletowej ulega kilku różnicom w zależności od kraju. Balet ogólnie, a zwłaszcza romantyczny balet podkreśla metodę i spełnienie ruchów ^{[[[ Pierwszy ]} który różni się fizycznie i estetycznie w zależności od metody nauczania.

Podstawowe zasady techniki baletowej pozostają takie same: ogólna postawa ciała, odpowiednia pozycja, wyrównanie głowy i ramion w pionowej, smukłej sylwetce, ilość i jakość obrotów prowadzonych na zewnątrz ciała (na zewnątrz), taniec Na wskazówkach i elastyczność. Celem, który należy osiągnąć, jest idealne dzieło stopy, wdzięczny port ramion i głowy oraz estetycznie poprawna pozycja różnych stron.

Edukacja [[[ modyfikator |. Modyfikator i kod ]

Szkoła taneczna jest przede wszystkim szkoły rygorów i dyscypliny ^{[[[ B ]} . Ćwiczenia rozwijają siłę mięśni, równowagę, elastyczność i podziękowania. Przyszłe baletki zdobywają siłę stopy i kostki niezbędne do techniki na końcówkach. Młodzi tancerze powinni mocno pojąć dobre nawyki i chronić zdrowie swoich kości, mięśni i stawów.

Metody nauczania tańca baletowego są nazywane nazwą ich projektanta. Istnieje siedem metod nauczania tańca baletowego. W kolejności zmniejszenia rozgłosu:

• Metoda Vaganova (rosyjska). Jest to najbardziej znany i najczęściej nauczany;
• metoda Royal Academy of Dance (W) . Utworzone przez konsorcjum europejskich tancerzy, w tym Phyllis Bedells (Anglia), Lucia Cormani (Włochy), Edouard Espinosa (Francja), Adeline Genée (Dania) i Tamara Karsavina (Rosja). Taniec klasyczny (francuski, rosyjski, włoski, angielski i duński). Metoda RAD jest stosowana przez 12 000 członków w 70 krajach;
• Metoda Cecchetti (włoska). Uruchomiony przez włoskiego Enrico Cecchetti (1850–1928), jest uczy na całym świecie przez zatwierdzone szkoły Cesarskie społeczeństwo nauczycieli tańca ;
• Metoda Balanchine (amerykańska);
• Metoda legat po Nikolai Legat (rosyjska);
• Metoda Vestris francuskiego Auguste Vestris, nauczana w Kopenhadze przez Auguste Bournonville (1805–1879). Ta metoda nauczana jest głównie według tradycji w Danii, ojczyzny w Bournonville.

Techniki te, oparte na technikach romantycznego baletu, są wsparciem wielu innych stylów tanecznych: hip-hopu, nowoczesnego i współczesnego tańca.

Mimo że podlegają niewielkim odmianom w zależności od kraju, zasady i słownictwo tańca klasycznego są takie same na całym świecie. Różne metody nauczania tańca baletowego mają na celu estetykę tancerza. Jest to szczególnie prawdziwe w przypadku rozszerzeń i dynamizmu rotacji rosyjskiej szkoły, podczas gdy szkoła włoska sprzyja merytorycznym pracom i szybkim ruchom stóp. Uważa się, że Tarentelle, tradycyjny taniec włoski, nie jest niezwiązany z orientacją włoskiego baletu.

Odzież [[[ modyfikator |. Modyfikator i kod ]

Ubrania taneczne są doskonale skodyfikowane i bardzo surowe; Ich celem jest pozwolenie na wolność ruchów, a nie utrudnianie tancerza podczas rotacji i pozwolenie mistrzu ocenianie wyrównania i techniki jego ucznia.

Dla kobiet tradycyjna odzież składa się z tryotarstwa lub ciała ciała, rajstop tanecznych i, być może spódnicy. Tutu jest zarezerwowany dla reprezentacji.

Podczas lekcji i przerw podczas pokazów mogą nosić chodniki, aby uniknąć chłodzenia mięśni. Stopy tancerza są wyposażone w zwykle różowe lub beżowe kapcie techniczne i mogą być w płótnie lub skórze. Podczas lekcji i wystaw romantycznych baletów baleiera jest wymagana do stylizowania włosów w bułce, aby oczyścić szyję, aby widz lub mistrz do tańca mogli ocenić utrzymanie tancerza.

Ich nauczanie ma na celu wzmocnienie przede wszystkim muskulatury ich stóp i kostek, aby przygotować ich do tańca na poradach. Nie powinieneś tracić z oczu tańca na poradach, które zaczęły się zbyt młode lub z niewystarczającym uczeniem się może prowadzić do wypadków lub obrażeń, które mogą pojawić się później i na stałe upośledzone baletkę.

Mężczyźni zwykle noszą szare rajstopy i białą koszulkę. Młodzi tancerze chętnie noszą akademicki . Tancerze trzymają swoje genitalia w skorupce noszonej pod ich ubraniami tanecznymi. Ich stopy są wyposażone w elastyczne czarne lub szare kapcie techniczne. Ich nauczanie rozwija ich muskulaturę w całości i uczy ich zakresów, skoków i rotacji.

Iluzja latania [[[ modyfikator |. Modyfikator i kod ]

Aby stworzyć najbardziej wymagającą liczbę tańca, tancerz musi wydawać się kwestionować prawa grawitacji. W tym celu wymagany jest wysoki poziom formy fizycznej. Na przykład podczas wielkiego rzutu tancerz (lub tancerz) może wydawać się unosić się. Fizycznie jego środek ciężkości opisuje przypowieść jako pocisk. Zdolność obserwatora do oszacowania centrum nasilenia, gdy pocisk zmienia jego trajektorię, jest ograniczona. Aby dać tę iluzję, aby unosić się, tancerz wydłuży ramię i nogi w jak największym stopniu, co maskuje jego upadek i daje widzowi iluzję ^{[[[ 2 ] W [[[ 3 ] W [[[ 4 ]} . Cat Jump powoduje również wrażenie, że tancerz jest zawieszony w powietrzu. Kontakt z podłogą musi być idealnie zaprogramowany. Tancerz składa kolana i dotyka podłogi na palcach. Następnie rozwija swój koniec w kierunku pięty. Technikę tę musi być konieczne nauczanie przez doświadczonego mistrza z powodów artystycznych, a także przez pomiar bezpieczeństwa ^{[[[ 5 ] W [[[ 6 ] W [[[ 7 ]} .

Notatki [[[ modyfikator |. Modyfikator i kod ]

Bibliografia [[[ modyfikator |. Modyfikator i kod ]

Bibliografia [[[ modyfikator |. Modyfikator i kod ]

• Margaret McGowan, The Art of Court Balet we Francji (1581-1643) , Paris, CNRS, 1978.
• Aleksander wśród, Historia baletu i tańca w świecie zachodnim , New York, Praeger Publishers, 1976 (ISBN 0-275-53740-4 ) .
• Glynnis Chantrell, The Oxford Essential Dictionary of Word Histories , New York, Oxford University Press, 2002 (ISBN 0-425-19098-6 ) .
• Jeanne Selma, Międzynarodowa encyklopedia tańca , New York, Oxford University Press, 1998
• Gilbert Serres, Klasyczny, historyczny taniec i podstawowa teoria , Désiris, 2004
• Philippe le nie (reż.), Słownik tańca , Paris, Larousse, 2008 (ISBN 978-2-03-583335-8 )

Powiązane artykuły [[[ modyfikator |. Modyfikator i kod ]

Linki zewnętrzne [[[ modyfikator |. Modyfikator i kod ]

• Konkurowany zasób :
• Uwagi w słownikach ogólnych lub encyklopediach :