Art soviétique – Wikipedia wiki

Art soviétique L’art visuel est-il produit après la révolution russe de 1917 et pendant l’existence de l’Union soviétique, jusqu’à l’effondrement en 1991. La révolution a conduit à un changement artistique et culturel en Russie et en Union soviétique dans son ensemble, y compris une nouvelle focalisation sur Réalisme socialiste dans l’art officiellement approuvé.

Art soviétique de la période post-révolutionnaire [ modifier ]]

Au cours des années 1920, il y avait une concurrence idéologique intense entre différents groupes artistiques qui s’efforcent de déterminer les formes et les directions dans lesquelles l’art soviétique se développerait, cherchant à occuper des postes clés dans les institutions culturelles et à gagner la faveur et le soutien des autorités.

Cette lutte a été rendue encore plus amère par la crise croissante de radicaux gauchiste art. Au tournant des années 1930, beaucoup avant-garde Les tendances s’étaient épuisées et leurs anciens partisans ont commencé à représenter des objets réels alors qu’ils tentaient de retourner au système traditionnel d’images peintes, y compris le principal cric d’artistes de diamants. Au début des années 1930, Kazimir Malevich (1879-1935) est revenu à l’art figuratif. ^[d’abord]

Un groupe de partisans éminents de vues de gauche comprenait David Shterenberg, Alexander Drevin, Vladimir Tatlin, Wassily Kandinsky, Kazimir Malevich, Osip Brik, Sofya Dymshits-Tolstaya, Olga Rozanova, Mikhail Matyushin et Nathan Altman. Ils ont occupé des postes au sein du gouvernement soviétique et des Soviets de Moscou locaux et de Petrograd, déterminant la politique du département des beaux-arts. ^{[ citation requise ]]}

Le poste du département des beaux-arts a été le plus entièrement exprimé par Nikolay Punin en 1919. Il a écrit: ” Si la représentation du monde facilite la cognition, alors seulement aux premiers stades du développement humain, après quoi il devient déjà un obstacle direct à la croissance de l’art, soit à une interprétation basée sur la classe. , et ” L’élément de représentation est déjà un élément caractéristique d’une compréhension bourgeoise de l’art ” . ^[2]

Des représentants de l’art russe qui avaient commencé leur carrière avant la révolution ont souligné le danger d’une rupture avec les traditions de l’art progressif pré-révolutionnaire et de l’école d’art. Il s’agit notamment de Dmitry Kardovsky, Isaak Brodsky, Alexander Savinov, Abram Arkhipov, Boris Kustodiev, Kuzma Petrov-Vodkin, Arkady Rylov, Anna Ostroumova-Lebedeva, Mikhail Avilov, Alexander Samokhvalov, Boris Ioganson, Rudolf Frentz et autres. Dans les années 1920, le développement de l’art soviétique et de son école d’art a été influencé par la polémique incessante et les concours entre diverses tendances artistiques. ^[3]

Proletkult a été formée quelques jours avant la révolution d’octobre et visait à mettre tous les arts au service de la dictature du prolétariat. Initialement soutenu par Narkompros, il a finalement diminué considérablement et a été dissous en 1932. ^{[ citation requise ]]} .

Le mouvement d’avant-garde a attiré les intérêts de l’organisation Proletkult, ^[4] qui était très éclectique dans ses formes artistiques et comprenait des directions modernes comme l’impressionnisme et le cubisme.

Parmi les premières expériences de Proletkult se trouvait l’esthétique pragmatique de l’art industriel, le théoricien éminent étant Boris Arvatov (1896-1940).

Un autre groupe était Unovis, une collection de jeunes artistes de très courte durée mais influente dirigée par Kasimir Malevich dans les années 1920.

Après la découverte de porcelaine de 1917 ^{[ Clarification nécessaire ]]} Dans la manufacture en porcelaine d’État, il a également été utilisé à des fins de propagande. Cette porcelaine était moins destinée à un usage quotidien et plus à la décoration. Dès les années 1920, il y avait des expositions de porcelaine en dehors de l’Union soviétique. ^[5]

Art du réalisme socialiste [ modifier ]]

L’art officiellement approuvé était nécessaire pour suivre la doctrine du réalisme socialiste. Au printemps 1932, le Comité central du Parti communiste a décrété que tous les groupes et organisations littéraires et artistiques existants devaient être dissous et remplacés par des associations unifiées de professions créatives. En conséquence, l’Union d’artistes de Moscou et Leningrad a été créée en août 1932, qui a terminé l’histoire de l’art post-révolutionnaire. L’époque de l’art soviétique a commencé. ^[6]

En octobre 1932, le Comité exécutif central entièrement russe et le Conseil des commissaires populaires ont adopté une résolution Sur la création d’une académie des arts . L’Institut Leningrad des beaux-arts prolétariens a été transformé en Institut de peinture, de sculpture et d’architecture. Cela a entraîné une ligne sous une période de 15 ans de changement constant dans la plus grande institution du pays pour l’éducation artistique. Au total, au cours de la période 1917-1991, l’institut a obtenu plus de 10 000 artistes et historiens de l’art. ^[7] Parmi eux se trouvaient des artistes et sculpteurs aussi importants de l’URSS comme Alexander Samokhvalov, Yevsey Moiseyenko, Andrei Mylnikov, Yuri Neprintsev, Aleksandr Laktionov, M ikhail Anikushin, Piottr Beloulov, Boris Ugarov, Ilya Glazunov, Nikolai Timkov, et autres.

Les artistes soviétiques les plus connus étaient Isaak Brodsky, Alexander Samokhvalov, Boris Ioganson, Aleksandr Deyneka, Aleksandr Laktionov, Yuri Neprintsev et d’autres peintres des écoles de Moscou et Leningrad. ^[8] L’artiste de Moscou, Aleksandr Gerasimov, a produit un grand nombre de peintures héroïques de Joseph Staline et d’autres membres du Politburo au cours de sa carrière. Nikita Khrushchev a allégué plus tard que Kliment Voroshilov avait passé plus de temps à poser dans le studio de Gerasimov que sur ses fonctions dans le commissariat de la défense du peuple. La peinture de Gerasimov montre une maîtrise des techniques de représentation classiques.

Cependant, les expositions d’art de 1935-1960 réfutent les affirmations selon lesquelles la vie artistique de l’époque a été supprimée par l’idéologie et les artistes soumis entièrement à ce qui était alors appelé «ordre social». Un grand nombre de paysages, de portraits, de peintures de genre et d’études présentées à l’époque poursuivaient des fins purement techniques et étaient donc exemptes de toute idéologie. Cette approche a également été poursuivie de plus en plus de manière plus cohérente dans les peintures de genre, bien que les jeunes artistes à l’époque manquaient encore de l’expérience et de la maîtrise professionnelle pour produire des œuvres de haut niveau d’art consacrées à la réalité soviétique. ^[9]

Un historien russe de l’art russe, Vitaly Manin, a considéré que «Ce qui, à notre époque, est qualifié de mythe dans les œuvres d’artistes des années 30, était une réalité, et, en outre, qui a été perçue de cette façon par de vraies personnes. Un autre côté de la vie existait, bien sûr, mais cela n’annule pas ce que les artistes ont représenté …. On a l’impression que les différends sur l’art ont été menés avant et après 1937 dans l’intérêt de la bureaucratie du parti et des artistes avec un prolétaire Obsession, mais pas du tout des vrais artistes, qui ont trouvé des thèmes dans le monde contemporain et n’ont pas été impliqués dans les questions de la forme de leur expression ». ^[dix]

Au cours de la période entre le milieu des années 1950 et les années 1960, l’art du réalisme socialiste s’approchait de son sommet. Les artistes qui étaient diplômés de l’Académie (Repin Institute of Arts) dans les années 1930 à années 190 étaient à leur apogée. Ils n’ont pas tardé à présenter leur art, ils se sont efforcés d’expériences, et ils étaient impatients de s’approvisionner beaucoup et d’en savoir plus. Leur art a capturé les images, les idées et les dispositions de leur temps et de leurs contemporains à travers des portraits, des paysages et des peintures de genre d’artistes tels que Lev Rusov, Victor Oreshnikov, Boris Korneev, Semion Rotnitsky, Vladimir Gorb, Engels Kozlov, Nikolai Timkov, Alexander Gririgoviev, , Aleksei Gritsai, Vladimir Ovchinnikov, Vèques Zagonek, Sergei Osipov, Alexander Semionov, Arseny Semionov, Nikolai Galakhov, Geliy Korzhev, Arkady Plastov, Nikolai Pozdneev, Yuri Nesey I Mylnikov. L’art de cette période a montré un goût extraordinaire pour la vie et un travail créatif.

En 1957, le premier Congrès des artistes soviétiques entièrement syndiquée se déroule à Moscou. Il établit l’URSS Union of Artists, qui unit plus de 13 000 artistes professionnels de toutes les républiques et de toutes les spécialisations. En 1960, l’union des artistes de la Fédération de Russie a été organisée. ^[11] En conséquence, ces événements ont influencé la vie artistique à Moscou, Leningrad et la province. La portée de l’expérimentation a été élargie; En particulier, cela concernait la forme et les langues picturales et plastiques. Des images de jeunes et d’étudiants, de villages et de villes en évolution rapide, des terres vierges mises en culture, des plans de construction grandiose réalisés en Sibérie et dans la région de la Volga, et de grandes réalisations de la science et de la technologie soviétiques sont devenues les principaux sujets du nouveau tableau. Les héros de l’époque – des scientifiques, des travailleurs, des ingénieurs civils et des médecins – sont devenues les héros les plus populaires de peintures.

À cette période, la vie a fourni aux artistes de nombreux sujets passionnants, des personnages positifs et des images. Les héritages de nombreux grands artistes et mouvements artistiques sont de nouveau devenus disponibles pour l’étude et la discussion publique. Cela a considérablement élargi la compréhension des artistes de la méthode réaliste et élargi ses possibilités. C’est le renouvellement répété de la conception même du réalisme qui a fait dominer ce style dans l’art russe tout au long de son histoire. La tradition réaliste a donné naissance à de nombreuses tendances peintes incontemporaines, notamment la peinture de la nature, la peinture de «style sévère» et l’art décoratif. Cependant, au cours de cette période, l’impressionnisme, le postimpressionnisme, le cubisme et l’expressionnisme ont également eu leurs fervents adhérents et interprètes. ^{[ citation requise ]]}

Art non conformiste soviétique [ modifier ]]

La mort de Joseph Staline en 1953 et le dégel de Nikita Khrouchtchev a ouvert la voie à une vague de libéralisation dans les arts de l’Union soviétique. Bien qu’aucun changement officiel de politique n’ait eu lieu, les artistes ont commencé à se sentir libres d’expérimenter dans leur travail avec beaucoup moins de peur des répercussions que pendant la période stalinienne.

Dans les années 1950, l’artiste de Moscou, Ely Bielutin, a encouragé ses élèves à expérimenter l’abstractionnisme, une pratique découragée complètement par l’Union des artistes, qui a strictement appliqué la politique officielle du réalisme socialiste. Les artistes qui ont choisi de peindre dans des styles alternatifs devaient le faire complètement en privé et n’ont jamais pu exposer ou vendre leur travail. En conséquence, l’art non conformiste s’est développé sur un chemin séparé de l’art officiel qui a été enregistré dans les livres d’histoire.

Vie Le magazine a publié deux portraits de deux peintres qui, à leur esprit, étaient les plus représentatifs des arts russes de l’époque: Serv, une icône soviétique officielle, et Anatoly Zverev, une expressionniste souterraine de l’avant-garde russe. Le portrait de Serov de Vladimir Lénine et de l’autoportrait de Zverev a été associé par beaucoup à une lutte biblique éternelle entre Satan et le Sauveur. Lorsque Khrouchtchev a découvert la publication, il a été indigné et a interdit tous les contacts avec les visiteurs occidentaux et a fermé toutes les expositions semi-légales. Zverev était la principale cible de son outrage.

Le groupe Lianozovo a été formé autour de l’artiste Oscar Rabin dans les années 1960 et comprenait des artistes tels que Valentina Kropivnitskaya, Vladimir Nemukhin et Lydia Masterkova. Tout en n’adhérant à aucun style commun, ces artistes ont cherché à s’exprimer fidèlement dans le mode qu’ils jugeaient approprié, plutôt que d’adhérer au style propagandiste du réalisme socialiste.

La tolérance de l’art non conformiste par les autorités a subi un flux et un flux jusqu’à l’effondrement ultime de l’Union soviétique en 1991. Les artistes ont profité des premières années après la mort de Staline pour expérimenter leur travail sans craindre la persécution. En 1962, les artistes ont connu un léger revers lorsque Nikita Khrouchtchev est apparue à l’exposition célébrant le 30e anniversaire de l’Union de l’artiste de Moscou au Moscou Manege Exhige Hall, un épisode connu sous le nom de Minege Affair. Parmi les œuvres coutumières du réalisme socialiste figuraient quelques œuvres abstraites d’artistes tels que Ernst Neizvestny et Eli Beliutin, que Khrushchev a critiqué comme étant de la “merde” et les artistes pour être des “homosexuels”. Le message était clair: la politique artistique n’était pas aussi libérale que tout le monde l’espérait. ^{[ citation requise ]]}

La politique a joué un rôle important dans le développement de la fin de l’art soviétique. À la fois dans le monde de l’art et dans le grand public, très peu de considération a été accordée au caractère esthétique de l’œuvre produite en URSS dans les années 1970 et 1980. Au lieu de cela, l’art officiel et non officiel de l’époque représentait généralement des développements politiques “mauvais” ou “bons”. Une image plus nuancée soulignerait qu’il y avait de nombreux groupes concurrents faisant de l’art à Moscou et Leningrad tout au long de cette période. Les figures les plus importantes de la scène artistique internationale ont été les artistes de Moscou Ilya Kabakov, Erik Bulatov, Andrei Monastyrsky, Vitaly Komar et Aleksandr Melamid.

L’incident le plus tristement célèbre concernant les artistes non conformistes de l’ancienne Union soviétique a été l’exposition de bulldozer de 1974, qui a eu lieu dans un parc juste à l’extérieur de Moscou et a inclus des œuvres d’artistes tels que Oscar Rabin, Komar et Melamid, Alexandr Zhdanov, Nikolai Smoliakov et Leonid Sokoving Zhdanov, Nikolai Smoliakov et Leonid Sokov . Les artistes impliqués avaient écrit aux autorités la permission de tenir l’exposition mais n’avaient reçu aucune réponse à leur demande. Ils ont quand même décidé d’aller de l’avant avec l’exposition, qui se composait uniquement d’œuvres d’art non officielles qui ne s’inscrivaient pas dans la rubrique du réalisme socialiste. Le KGB a mis fin à l’exposition quelques heures après son ouverture en faisant appel à des bulldozers pour détruire complètement toutes les œuvres présentes. Cependant, la presse étrangère avait été là pour assister à l’événement, et la couverture mondiale de celui-ci a contraint les autorités à permettre une exposition d’art non conformiste deux semaines plus tard dans le parc Izmailovsky à Moscou.

Quelques collectionneurs d’Europe occidentale ont soutenu de nombreux artistes de l’Union soviétique dans les années 1960 et 1970. L’un des principaux collectionneurs et philanthropes était le couple Kenda et Jacob Bar-Gera. La collection Bar-Gera se compose de quelque 200 œuvres de 59 artistes russes de l’ère soviétique qui ne voulaient pas embrasser la directive artistique officielle de l’Union soviétique post-staliniste. Kenda et Jacob Bar-Gera, tous deux survivants de l’Holocauste, ont soutenu ces artistes partiellement persécutés en leur envoyant de l’argent ou en peignant des matériaux d’Allemagne à l’Union soviétique. Même si Kenda et Jacob n’ont pas rencontré les artistes en personne, ils ont acheté beaucoup de leurs peintures et autres objets d’art. Les œuvres ont été introduites en contrebande en Allemagne en les cachant dans les valises des diplomates, des hommes d’affaires de voyage et des étudiants, faisant ainsi la collection Bar-Gera de non-conformistes russes parmi les plus grands du genre au monde. Entre autres, la collection contient des œuvres de Bachtschanjan Vagritsch, Jankilevskij Wladimir, Rabin Oskar, Batschurin Ewganij, Kabakov Ilja, Schablavin Sergei, Belenok Piotr, Krasnopevcev Dimitrij, Schdanov Alexander, Igor Novikov, Bittt Galina, SCHEMJ, SCHEMJ, SCHEMJET Akin Michail, Bobrowskaja Olga, Kropivnitzkij Lew, Schwarzman Michail, Borisov Leonid, Kropiwnizkij Jewgenij, Sidur Vadim, Bruskin Grischa, Kulakov Michail, Sitnikov Wasili et bien d’autres.

À la fin des années 1980, les politiques de Mikhail Gorbatchev contre Perestroika et Glasnost ont rendu pratiquement impossible pour les autorités de imposer des restrictions aux artistes ou à leur liberté d’expression. Avec l’effondrement de l’Union soviétique, la nouvelle économie de marché a permis le développement d’un système de galeries, ce qui signifiait que les artistes n’avaient plus à être employés par l’État et pouvaient créer un travail en fonction de leurs propres goûts ainsi que des goûts de leur privé clients. Par conséquent, après environ 1986, le phénomène de l’art non conformiste en Union soviétique a cessé d’exister.

Voir également [ modifier ]]

Dès la lecture [ modifier ]]

• Directoire des membres de l’Union des artistes de l’URSS. Volume 1,2 . – Moscou: Artiste soviétique, 1979.
• Lynn Mally. Culture du futur: le mouvement Proletkult en Russie révolutionnaire. Berkeley: University of California Press, 1990.
• Norton Dodge, Alla Rosenfeld, éd. De Gulag à Glasnost: art non conformiste de l’Union soviétique. New York: Thames et Hudson, 1995.
• Collection George Costakis. Art d’avant-garde russe. New York: Harry N. Abrams.
• Matthew C. Bown. Dictionnaire des peintres russes et soviétiques du 20e siècle 1900-1980 ( – Londres: Izamar 1998.
• Vern G. Swanson. Impressionnisme soviétique. Woodbridge, Angleterre: Antique Collectors ‘Club, 2001.
• Temps pour le changement. L’art de 1960-1985 en Union soviétique / Almanach. Vol. 140. Saint-Pétersbourg, Musée russe de l’État, 2006.
• * Annuaire des diplômés du répertoire de Saint-Pétersbourg Institut académique de la peinture, de la sculpture et de l’architecture nommé d’après Ilya Repin, Academy of Arts russe. 1915 – 2005. – St Petersburg: Pervotsvet Publishing, 2007.
• Vern G. Swanson. Peinture impressionniste soviétique. Woodbridge, Angleterre, Antique Collectors ‘Club, 2008.
• Manin V. S. Art et pouvoir. La lutte des courants dans les beaux-arts soviétiques de 1917-1941. SPB: Aurora, 2008.

Galerie [ modifier ]]

• 

  K. Petrov-Vodkin. Mort d’un commissaire. 1928

• 

  A. Rylov. Dans The Blue Expanse (1918)

• 

  S. Chekhonin. Porcelaine d’agitation. Plaque. 1925

• 

  I. Brodsky. Lénine à Smolny. 1930

• 

  M. Grekov. Trompettiste et porte-norme

• 

  K. Malevich. Autoportrait. 1933.

• 

  P. Filonov. Travailleurs de choc. 1935

• 

  V. Pchelin. La tentative d’assassinat de Lénine. 1927

Liens externes [ modifier ]]