Genrekunst – Wikipedia

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Kunstgenre, das Szenen aus dem Alltag darstellt

Der untätige Diener;; Hausmädchenprobleme waren Gegenstand mehrerer Arbeiten von Nicolaes Maes.

Genrekunst ist die bildliche Darstellung von Szenen oder Ereignissen aus dem Alltag in verschiedenen Medien,[1] wie Märkte, häusliche Umgebungen, Innenräume, Partys, Gasthauseszenen und Straßenszenen. Solche Darstellungen (auch genannt Genre funktioniert, Genreszenen, oder Genre-Ansichten) kann vom Künstler realistisch, eingebildet oder romantisiert sein. Einige Variationen des Begriffs Genrekunst Geben Sie das Medium oder die Art der visuellen Arbeit an, wie in Genremalerei, Genre-Drucke, Genre-Fotografien, und so weiter.

Eher verwirrend ist, dass die normale Bedeutung des Genres, die eine bestimmte Kombination eines künstlerischen Mediums und einer Art von Thema abdeckt (wie zum Beispiel im Liebesroman), auch in der bildenden Kunst verwendet wird. So können Genrewerke, insbesondere in Bezug auf die Malerei des niederländischen Goldenen Zeitalters und die flämische Barockmalerei – die großen Perioden der Genrewerke – auch als Überbegriff für die Malerei in verschiedenen Fachkategorien wie Stillleben und Marinemalerei verwendet werden , Architekturmalerei und Tiermalerei sowie eigentliche Genreszenen, bei denen der Schwerpunkt auf menschlichen Figuren liegt. Die Malerei wurde in eine Hierarchie von Genres unterteilt, wobei die Historienmalerei an der Spitze als schwierigste und daher prestigeträchtigste und die Stillleben- und Architekturmalerei an der Spitze stand. Aber Geschichtsbilder sind ein Genre in der Malerei, keine Genrewerke.

Das Folgende konzentriert sich auf die Malerei, aber Genre-Motive waren auch in vielen Formen der dekorativen Kunst äußerst beliebt, insbesondere ab dem Rokoko des frühen 18. Jahrhunderts. Einzelne Figuren oder kleine Gruppen schmückten eine Vielzahl von Gegenständen wie Porzellan, Möbel, Tapeten und Textilien.

Genremalerei[edit]

Genremalerei, auch genannt Genreszene oder kleines Genre, zeigt Aspekte des Alltags durch die Darstellung gewöhnlicher Menschen, die an gemeinsamen Aktivitäten beteiligt sind. Eine gebräuchliche Definition einer Genreszene ist, dass sie Figuren zeigt, denen weder einzeln noch gemeinsam eine Identität zugeordnet werden kann – und so unterscheidet kleines Genre aus historischen Gemälden (auch genannt großes Genre) und Porträts. Ein Werk wird oft als Genre-Werk betrachtet, selbst wenn gezeigt werden kann, dass der Künstler eine bekannte Person – beispielsweise ein Mitglied seiner Familie – als Modell verwendet hat. In diesem Fall würde es davon abhängen, ob das Werk wahrscheinlich vom Künstler als Porträt wahrgenommen werden sollte – manchmal als subjektive Frage. Die Darstellungen können vom Künstler realistisch, imaginiert oder romantisiert werden. Genrebilder haben sich aufgrund ihres vertrauten und häufig sentimentalen Themas in der Bourgeoisie oder der Mittelklasse oft als beliebt erwiesen. Genre-Themen tauchen in fast allen Kunsttraditionen auf. Gemalte Dekorationen in alten ägyptischen Gräbern zeigen oft Bankette, Erholungs- und Agrarszenen, und Peiraikos wird von Plinius dem Älteren als hellenistischer Tafelmaler “niedriger” Motive erwähnt, wie sie in Mosaikversionen und Wandgemälden der Provinz in Pompeji erhalten sind: ” Friseurläden, Schusterstände, Esel, Esswaren und ähnliche Themen “.[2] Mittelalterliche illuminierte Manuskripte illustrierten oft Szenen des bäuerlichen Alltags, besonders in der Arbeiten der Monate im Kalenderabschnitt der Stundenbücher, am bekanntesten Les Tres Riches Heures du Duc de Berry.

Bis 1800[edit]

Die Niederlande beherrschten das Feld bis zum 18. Jahrhundert, und im 17. Jahrhundert brachten sowohl die flämische Barockmalerei als auch die niederländische Malerei des Goldenen Zeitalters zahlreiche Spezialisten hervor, die hauptsächlich Genreszenen malten. Im vorigen Jahrhundert malte der flämische Renaissance-Maler Jan Sanders van Hemessen in der ersten Hälfte des 16. Jahrhunderts innovative groß angelegte Genreszenen, manchmal mit einem moralischen Thema oder einer religiösen Szene im Hintergrund. Diese waren Teil eines Musters der “manieristischen Inversion” in der Antwerpener Malerei, das “niedrige” Elemente zuvor im dekorativen Hintergrund von Bildern hervorhob. Joachim Patinir erweiterte seine Landschaften und machte die Figuren zu einem kleinen Element, und Pieter Aertsen malte Werke, die von Brotleben und Genrefiguren von Köchen oder Marktverkäufern dominiert wurden, mit kleinen religiösen Szenen in Räumen im Hintergrund. Pieter Brueghel der Ältere machte die Bauern und ihre Aktivitäten, sehr naturalistisch behandelt, zum Thema vieler seiner Gemälde, und die Genremalerei sollte in Nordeuropa nach Brueghels Gefolge gedeihen.

Adriaen und Isaac van Ostade, Jan Steen, Adriaan Brouwer, David Teniers, Aelbert Cuyp, Johannes Vermeer und Pieter de Hooch gehörten zu den vielen Malern, die sich im 17. Jahrhundert auf Genre-Themen in den Niederlanden spezialisierten. Der im Allgemeinen kleine Maßstab der Gemälde dieser Künstler war für ihre Ausstellung in den Häusern von Käufern der Mittelklasse angemessen. Oft basierte das Thema eines Genregemäldes auf einem populären Emblem aus einem Emblembuch. Dies kann dem Gemälde eine doppelte Bedeutung geben, wie bei Gabriel Metsu Der Geflügelverkäufer, 1662, zeigt einen alten Mann, der einen Hahn in einer symbolischen Pose anbietet, die auf einem unzüchtigen Stich von Gillis van Breen (1595–1622) basiert, mit derselben Szene.[3] Das fröhliche Gesellschaft zeigte eine Gruppe von Figuren auf einer Party, ob sie zu Hause Musik machten oder einfach nur in einer Taverne tranken. Andere übliche Arten von Szenen zeigten Märkte oder Messen, Dorffeste (“kermesse”) oder Soldaten im Lager.

In Italien wurde durch die Ankunft des niederländischen Malers Pieter van Laer im Jahr 1625 in Rom eine “Schule” der Genremalerei angeregt. Er erhielt den Spitznamen “Il Bamboccio” und seine Anhänger hießen die Bamboccianti, dessen Werke unter anderem Giacomo Ceruti, Antonio Cifrondi und Giuseppe Maria Crespi inspirieren würden.

Louis le Nain war ein wichtiger Vertreter der Genremalerei im Frankreich des 17. Jahrhunderts und malte Bauerngruppen zu Hause, wo das 18. Jahrhundert ein verstärktes Interesse an der Darstellung des Alltags weckte, sei es durch die romantisierten Gemälde von Watteau und Fragonard oder der sorgfältige Realismus von Chardin. Jean-Baptiste Greuze (1725-1805) und andere malten detaillierte und eher sentimentale Gruppen oder einzelne Porträts von Bauern, die Einfluss auf die Malerei des 19. Jahrhunderts haben sollten.

In England vermittelte William Hogarth (1697–1764) Komödien, Gesellschaftskritik und moralische Lehren durch Leinwände, die Geschichten von gewöhnlichen Menschen voller narrativer Details (unterstützt durch lange Untertitel) erzählten, oft in serieller Form, wie in seiner Der Fortschritt eines Rechen, zuerst gemalt 1732–33, dann graviert und 1735 in gedruckter Form veröffentlicht.

Spanien hatte eine Tradition vor dem Buch der guten Liebe zur sozialen Beobachtung und zu Kommentaren, die auf der altrömischen lateinischen Tradition beruhten und von vielen seiner Maler und Illuminatoren praktiziert wurden. Auf dem Höhepunkt des spanischen Reiches und zu Beginn seines langsamen Niedergangs wurden viele pikareske Genreszenen des Straßenlebens sowie die als Bodegones bekannten Küchenszenen von den Künstlern des spanischen Goldenen Zeitalters, insbesondere Velázquez (1599–1660), gemalt ) und Murillo (1617–82). Mehr als ein Jahrhundert später verwendete der spanische Künstler Francisco de Goya (1746–1828) Genreszenen in der Malerei und Druckgrafik als Medium für dunkle Kommentare zur menschlichen Verfassung. Seine Die Katastrophen des Krieges, eine Reihe von 82 Genre-Vorfällen aus dem Halbinselkrieg, brachte die Genre-Kunst zu beispiellosen Höhen der Ausdruckskraft.

19. Jahrhundert[edit]

Jägers Haus, von Henry Voordecker, 1826

Mit dem Niedergang der religiösen und historischen Malerei im 19. Jahrhundert fanden Künstler ihr Thema zunehmend im Leben um sie herum. Realisten wie Gustave Courbet (1819–77) störten die Erwartungen, indem sie alltägliche Szenen in riesigen Gemälden darstellten – in dem Maßstab, der traditionell “wichtigen” Themen vorbehalten war – und so die Grenze verwischten, die die Genremalerei als “kleine” Kategorie unterschieden hatte. Die Historienmalerei selbst verlagerte sich von der ausschließlichen Darstellung von Ereignissen von großer öffentlicher Bedeutung zur Darstellung von Genreszenen in historischen Zeiten, sowohl den privaten Momenten großer Figuren als auch dem Alltag gewöhnlicher Menschen. In der französischen Kunst war dies als Troubador-Stil bekannt. Dieser Trend wurde bereits 1817 deutlich, als Ingres malte Henri IV. Spielt mit seinen Kindern, gipfelte in der Pompierkunst französischer Akademiker wie Jean-Léon Gérôme (1824–1904) und Jean-Louis-Ernest Meissonier (1815–91). In der zweiten Hälfte des Jahrhunderts nahm das Interesse an Genreszenen, oft in historischen Umgebungen oder mit gezielten sozialen oder moralischen Kommentaren, in ganz Europa stark zu.

William Powell Frith (1819–1909) war vielleicht der berühmteste englische Genremaler der viktorianischen Zeit und malte große und extrem überfüllte Szenen. Die Ausweitung von Größe und Ehrgeiz in der Genremalerei des 19. Jahrhunderts war ein allgemeiner Trend. Andere englische Genremaler des 19. Jahrhunderts sind Augustus Leopold Egg, Frederick Daniel Hardy,[4]George Elgar Hicks, William Holman Hunt und John Everett Millais. Schottland brachte zwei einflussreiche Genremaler hervor, David Allan (1744–96) und Sir David Wilkie (1785–1841). Wilkies Die Samstagnacht der Cottar (1837) inspirierte ein bedeutendes Werk des französischen Malers Gustave Courbet, Nach dem Abendessen bei Ornans (1849). Berühmte russische realistische Maler wie Pavel Fedotov, Vasily Perov und Ilya Repin produzierten ebenfalls Genrebilder.

In Deutschland spezialisierte sich Carl Spitzweg (1808–85) auf sanft humorvolle Genreszenen, und in Italien malte Gerolamo Induno (1825–90) Szenen des Militärlebens. Anschließend malten die Impressionisten sowie Künstler des 20. Jahrhunderts wie Pierre Bonnard, Itshak Holtz, Edward Hopper und David Park Szenen des täglichen Lebens. Im Kontext der modernen Kunst wird der Begriff “Genremalerei” jedoch hauptsächlich mit einer besonders anekdotischen oder sentimentalen Malerei in Verbindung gebracht, die in einer traditionell realistischen Technik gemalt wurde.

Der erste echte Genremaler in den USA war der deutsche Einwanderer John Lewis Krimmel, der von Wilkie und Hogarth lernte und von 1812 bis 1821 in Philadelphia sanft humorvolle Lebensszenen produzierte. Andere bemerkenswerte Genremaler des 19. Jahrhunderts aus den USA sind George Caleb Bingham, William Sidney Mount und Eastman Johnson. Harry Roseland[5] konzentrierte sich auf Szenen armer Afroamerikaner im postamerikanischen Bürgerkrieg Süd,[6] und John Rogers (1829–1904) war ein Bildhauer, dessen kleine Genre-Werke, die in Massenguss in Gips hergestellt wurden, in Amerika sehr beliebt waren. Die Werke des amerikanischen Malers Ernie Barnes (1938–2009) und des Illustrators Norman Rockwell (1894–1978) könnten eine modernere Art der Genremalerei veranschaulichen.

Genre in anderen Traditionen[edit]

Japanische Ukiyo-e-Drucke sind reich an Darstellungen von Menschen in der Freizeit und bei der Arbeit, ebenso wie koreanische Gemälde, insbesondere solche, die im 18. Jahrhundert entstanden sind.

Galerie flämischer Genrebilder[edit]

Galerie niederländischer Genrebilder des 17. Jahrhunderts[edit]

Genre-Fotografie[edit]

Während die Genremalerei im 17. Jahrhundert mit Darstellungen des europäischen Lebens durch Europäer begann, fiel die Erfindung und frühe Entwicklung der Fotografie mit der expansivsten und aggressivsten Ära des europäischen Imperialismus Mitte bis Ende des 19. Jahrhunderts und damit des Genres zusammen Fotografien, die typischerweise in der Nähe von militärischen, wissenschaftlichen und kommerziellen Expeditionen gemacht wurden, zeigen oft auch die Menschen anderer Kulturen, denen Europäer auf der ganzen Welt begegnet sind.

Obwohl die Unterscheidungen nicht klar sind, sollten Genrewerke von ethnografischen Studien unterschieden werden, bei denen es sich um bildliche Darstellungen handelt, die sich aus der direkten Beobachtung und deskriptiven Untersuchung der Kultur und Lebensweise bestimmter Gesellschaften ergeben und die eine Klasse von Produkten solcher Disziplinen wie der Anthropologie darstellen und die Verhaltenswissenschaften.

Die Entwicklung der Fototechnik, um Kameras tragbar zu machen und sofort zu belichten, ermöglichte es Fotografen, sich über das Studio hinaus zu wagen, um anderen Kunstformen bei der Darstellung des Alltags zu folgen. Diese Kategorie ist als Straßenfotografie bekannt geworden.[7][8][9]

Siehe auch[edit]

  1. ^ Kunst & Architektur Thesaurus, sv “Genre”. Zugriff am 2. November 2006.
  2. ^ Buch XXXV.112 von Naturgeschichte
  3. ^ “E. de Jongh, ‘Erotica in vogelperspectief. De dubbelzinnigheid van een stinkt nach zeventiende-eeuwse genrevoorstellingen“”. DBNL. Abgerufen 16. März 2018.
  4. ^ Hardy, Kimber (2016). Die Hardy-Künstlerfamilie: Frederick Daniel, George, Heywood, James und ihre Nachkommen. Woodbridge, Suffolk Großbritannien: ACC Art Books. S. 12–63. ISBN 978-185149-826-0.
  5. ^ Canu, John F. “ART / 4 / 2DAY”. www.safran-arts.com. Abgerufen 16. März 2018.
  6. ^ Schatzki, Stefan C. (Mai 1992). “Besuch vom Doctor-A Serious Case”. American Journal of Roentgenology. 158 (5): 970. doi:10.2214 / ajr.158.5.1566698.
  7. ^ Zuschauer: Eine Geschichte der Straßenfotografie von Joel Meyerowitz und Colin Westerbeck, Boston: Bulfinch Press, 1994. ISBN 0-82121-755-0. Boston: Bulfinch Press, 2001. ISBN 9780821227268.
  8. ^ Der Bürgersteig endet nie: Straßenfotografie seit den 1970er Jahren von Colin Westerbeck, Chicago: Art Institute of Chicago, 2001.
  9. ^ Straßenfotografie jetzt von Sophie Howarth und Stephen McLaren, London: Thames & Hudson, 2010. ISBN 978-0-500-54393-1 “Archivierte Kopie”. Archiviert von das Original am 03.10.2010. Abgerufen 09.10.2010.CS1-Wartung: Archivierte Kopie als Titel (Link).

Verweise[edit]

  • Ayers, William, ed., Bildgeschichte: Amerikanische Malerei 1770-1903, ISBN 0-8478-1745-8
  • Banta, Melissa. “Das Leben einer Fotografie: Fotografien Japans aus dem 19. Jahrhundert aus dem Peabody Museum und dem Wellesley College Museum”. Im Eine zeitgemäße Begegnung: Fotografien Japans aus dem 19. Jahrhundert (zB Kat.; Cambridge, Massachusetts: Peabody Museum Press, 1988), 12.
  • Banta, Melissa und Susan Taylor, Hrsg. Eine zeitgemäße Begegnung: Fotografien Japans aus dem 19. Jahrhundert (zB Kat.; Cambridge, Massachusetts: Peabody Museum Press, 1988).


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