Alte Kunst – Wikipedia

Antike Kunst bezieht sich auf die vielen Arten von Kunst, die von den fortgeschrittenen Kulturen der alten Gesellschaften mit irgendeiner Form der Schrift hervorgebracht wurden, wie jene des alten China, Indiens, Mesopotamiens, Persiens, Palästinas, Ägyptens, Griechenlands und Roms. Die Kunst vorkompetenter Gesellschaften wird normalerweise als prähistorische Kunst bezeichnet und hier nicht behandelt. Obwohl einige präkolumbianische Kulturen in den Jahrhunderten vor der Ankunft der Europäer das Schreiben entwickelten, werden diese aus Gründen der Datierung in der präkolumbianischen Kunst sowie in Artikeln wie Maya-Kunst und aztekischer Kunst behandelt. Olmekenkunst wird unten erwähnt.

Naher Osten und Mittelmeer[edit]

Mesopotamien[edit]

Mesopotamien (aus dem Griechischen Μεσοποταμία “[land] zwischen den Flüssen “, auf Syrisch ܒܝܬ ܢܗܪܝܢ ausgesprochen” Beth Nahrain “,” Land der Flüsse “, auf Arabisch als” āلاد الرافدين bilād al-rāfidayn “bezeichnet) ist ein Toponym für das Gebiet des Tigris-Euphrat-Flusssystems, das weitgehend dem entspricht Der heutige Irak sowie einige Teile des Nordostens Syriens, der Südosttürkei und des Südwestens des Iran. Mesopotamien wird oft als “Wiege der Zivilisation” angesehen. Innerhalb seiner Grenzen entwickelten einige der ältesten bekannten Zivilisationen zuerst das Schreiben und die Landwirtschaft. Viele Dort blühten Zivilisationen auf und hinterließen ein reiches Erbe antiker Kunst.

Das bronzezeitliche Mesopotamien, das weithin als Wiege der Zivilisation angesehen wird, umfasste Sumer und das akkadische, babylonische und assyrische Reich. In der Eisenzeit wurde es von den neo-assyrischen und neo-babylonischen Reichen regiert. Die indigenen Sumerer und Akkadier (einschließlich Assyrer und Babylonier) beherrschten Mesopotamien vom Beginn der geschriebenen Geschichte (ca. 3100 v. Chr.) Bis zum Fall Babylons 539 v. Chr., Als es vom achämenidischen Reich erobert wurde. Es fiel 332 v. Chr. An Alexander den Großen und wurde nach seinem Tod Teil des griechischen Seleukidenreiches.

Um 150 v. Chr. War Mesopotamien unter der Kontrolle der Parther. Mesopotamien wurde zu einem Schlachtfeld zwischen den Römern und Parthern, wobei Teile von Mesopotamien (insbesondere Assyrien) regelmäßig unter römische Kontrolle gerieten. Im Jahr 226 fiel es an die sassanidischen Perser und blieb bis zur arabisch-islamischen Eroberung des sassanidischen Reiches im 7. Jahrhundert unter persischer Herrschaft. Zwischen dem 1. Jahrhundert v. Chr. Und dem 3. Jahrhundert n. Chr. Gab es eine Reihe von hauptsächlich christlich-mesopotamischen Staaten, darunter Adiabene, Oshroene und Hatra. Etymologie: Das regionale Toponym Mesopotamien (aus den Wurzelwörtern “Meso” <μέσος = Mitte und "Potamia" <ποταμός = Fluss, wörtlich "zwischen Flüssen") wurde in der hellenistischen Zeit geprägt, um sich auf ein weites geografisches Gebiet ohne bestimmte Grenzen zu beziehen. und wurde wahrscheinlich von den Seleukiden verwendet. Der Begriff Biritum / Birit Narim entsprach einem ähnlichen geografischen Konzept und wurde während der Aramäisierung der Region im 10. Jahrhundert vor Christus geprägt.

Es ist jedoch allgemein anerkannt, dass frühe mesopotamische Gesellschaften das gesamte Alluvium einfach mit dem sumerischen Begriff Kalam (“Land”) bezeichneten. In jüngerer Zeit wurden Begriffe wie “Großmesopotamien” oder “Syro-Mesopotamien” übernommen, um sich auf größere Regionen zu beziehen, die dem Nahen Osten oder dem Nahen Osten entsprechen. Diese späteren Euphemismen sind eurozentrische Begriffe, die der Region inmitten verschiedener westlicher Eingriffe des 19. Jahrhunderts zugeschrieben werden.

Sumerisch[edit]

Archäologische Beweise belegen ihre Existenz im 5. Jahrtausend vor Christus. Die Sumerer verzierten ihre Keramik mit Zedernölfarben. Die Sumerer entwickelten auch Schmuck.

Eines der bemerkenswertesten Artefakte der sumerischen Zivilisation ist das Standard von Ur. Der Standard stammt aus der Zeit um 2500 v. Chr. Und ist eine Holzkiste mit Muscheln und Lapislazuli. Es zeigt auf der einen Seite Soldaten, die ihrem König Gefangene präsentieren, und auf der anderen Seite Bauern, die ihm Geschenke überreichen – atemberaubende Beweise, die die Lebendigkeit der Kunst in dieser alten Kultur bezeugen. Sumer hatte viele große Fortschritte gemacht; Da ist zum Beispiel das Rad, das den Sumerern den Transport erleichtert hatte. Der Bogen war die größte architektonische Leistung von Sumer. Die Zikkurate waren pyramidenförmige Tempel, die die sumerischen Architekten bauten. Sie glaubten, dass die Götter oben auf den Tempeln lebten. Die Könige würden erklären, dass die Götter sie zur Herrschaft geschickt hatten, und die Sumerer würden gerne den Gesetzen des Königs folgen. Der König hatte viele wichtige Aufgaben wie die Führung der Armee und die Bewässerung, mit denen die Sumerer Flüsse kontrollieren konnten. Die Herrscher würden um Land kämpfen, und das Leben der Sumerer ging weiter.

• 

  Stehender männlicher Anbeter, eine der zwölf Statuen im Tell Asmar Hoard; 2900-2600 v. Chr .; Gips Alabaster, Schale, schwarzer Kalkstein und Bitumen; 29,5 x 12,9 x 10 cm; Metropolitan Museum of Art

• 

  Kopfschmuck; 2600-2500 v. Chr .; Gold (die Blätter), Lapislazuli (die blauen Perlen) und Karneol (die orangefarbenen Perlen); Länge: 38,5 cm; Metropolitan Museum of Art

• 

  Standard von Ur;; 2600-2400 v. Chr .; Muschel, roter Kalkstein und Lapislazuli auf Holz; Länge: 49,5 cm; vom königlichen Friedhof in Ur; Britisches Museum

• 

  Stierkopfschmuck aus einer Leier; 2600-2350 v. Bronze eingelegt mit Muschel und Lapislazuli; Höhe: 13,3 cm, Breite: 10,5 cm; Metropolitan Museum of Art

• 

  Votivfigur; 2600-2350 v. Stein; Höhe: 41,3 cm, Breite: 14,5 cm, Tiefe: 13,5 cm; Metropolitan Museum of Art

• 

  Vase mit überlappendem Muster und drei Palmenbändern; Mitte bis Ende des 3. Jahrtausends vor Christus; Chlorit; Höhe: 23,5 cm; Metropolitan Museum of Art

• 

  Teil einer Statuette eines männlichen Anbeters; 2500-2250 v. Chr .; Calcit-Alabaster; Höhe: 19,5 cm, Breite: 13,3 cm, Tiefe: 10 cm; Walters Art Museum (Baltimore, USA)

• 

  Fragment eines Basreliefs mit Göttin Ninsun; 2255-2040 v. Steatit; Höhe: 14 cm; Louvre

• 

Babylon[edit]

Die Eroberung von Sumer und Akkad durch Babylon markiert einen Wendepunkt in der künstlerischen und politischen Geschichte der Region.

Die Babylonier nutzten den Lehmreichtum in Mesopotamien, um Ziegelsteine ​​herzustellen. Die Verwendung von Ziegeln führte zur frühen Entwicklung des Pilasters und der Säule sowie von Fresken und emaillierten Fliesen. Die Wände waren leuchtend gefärbt und manchmal mit Bronze oder Gold sowie mit Fliesen überzogen. In den Putz wurden auch bemalte Terrakotta-Zapfen eingebettet.

Die Sean waren auch großartige Metallarbeiter, die mit Kupfer funktionale und schöne Werkzeuge herstellten. Es ist möglich, dass Babylonien die ursprüngliche Heimat der Kupferverarbeitung war, die sich mit der Zivilisation, zu der es gehörte, nach Westen ausbreitete. Darüber hinaus machte der Mangel an Stein in Babylonien jeden Kiesel kostbar und führte zu einer hohen Perfektion in der Kunst des Edelsteinschneidens. Zu den Künsten Babylons gehörten auch Wandteppiche, und die babylonische Zivilisation war von Anfang an berühmt für ihre Stickereien und Teppiche.

• 

  Plakette mit einer nackten Frau zwischen zwei bärtigen Männern, die Kilts tragen; circa 2000-1600 v. Chr .; Bronze; 9,7 x 9,7 cm; Metropolitan Museum of Art

• 

  Zylinderdichtung mit Abdruck; circa 18. – 17. Jahrhundert v. Hematit; 2,39 cm; Metropolitan Museum of Art

• 

  Männlicher Kopf; ca. Ende des 8. bis Anfang des 7. Jahrhunderts; Keramik; 12,5 cm; Metropolitan Museum of Art

Assyrien[edit]

Wie alle anderen Königreiche hielt das babylonische Königreich nicht ewig an. Als Babylon in den Niedergang geriet, wurde es schließlich von Assyrien erobert, einer seiner ehemaligen Kolonien. Assyrien erbte sowohl seine Künste als auch sein Reich.

Zuerst kopierten assyrische Architekten und Künstler babylonische Stile und Materialien, aber im Laufe der Zeit begannen die späteren Assyrer, sich von babylonischen Einflüssen zu befreien. Die Wände der assyrischen Paläste waren mit Steinplatten anstelle von Ziegeln ausgekleidet und statt wie in Chaldäa bemalt statt bemalt. Anstelle des Basreliefs haben wir Figuren gemeißelt. Die frühesten Beispiele sind die Statuen aus Girsu, die realistisch, aber etwas ungeschickt sind.

Es wurden keine bemerkenswerten Exemplare der metallurgischen Kunst aus dem frühen Assyrien gefunden, aber in einer späteren Epoche wurde bei der Herstellung von Schmuck wie Ohrringen und Armbändern aus Gold eine hervorragende Leistung erzielt. Kupfer wurde auch mit Geschick bearbeitet.

Die Formen der assyrischen Keramik waren anmutig; Das Porzellan wurde wie das in den Palästen von Ninive entdeckte Glas von ägyptischen Originalen abgeleitet. Transparentes Glas scheint erstmals in der Regierungszeit von Sargon II eingeführt worden zu sein. Stein sowie Ton und Glas wurden bei der Herstellung von Vasen verwendet. Vasen aus hartem Stein wurden in Tello ähnlich wie in der frühen Dynastie Ägyptens aufgelöst.

Ashurbanipal hatte Kunst und Kultur gefördert und verfügte in Ninive über eine riesige Bibliothek mit Keilschrifttafeln.

• 

  Durchbrochene Möbeltafel mit einem grasenden Oryx in einem Wald von Wedeln; 9. – 8. Jahrhundert v. Elfenbein; 12,7 × 11,91 × 1,09 cm; Metropolitan Museum of Art

• 

  Erleichterung mit zwei assyrischen Kavalleristen, die gegen Feinde angreifen; um 728 v. Chr .; Gips; Höhe: 129 cm, Breite: 183 cm; Britisches Museum (London)

• 

  Glasierte Terrakottafliesen von Nimrud mit einer Gerichtsszene; 875-850 v. gebrannter und glasierter Ton; Höhe (ohne Sockel): 30,6 cm, Höhe (mit Sockel): 38,3 cm; Britisches Museum

• 

  Erleichterung aus der assyrischen Hauptstadt Dur Sharrukin, die den Transport libanesischer Zeder zeigt; 716-713 v. Höhe: 2,41 m, Breite: 38 cm; Louvre

• 

  Assyrische Ornamente und Muster, illustriert in einem Buch von 1920

Hethiter[edit]

Die hethitische Kunst wurde von der hethitischen Zivilisation im alten Anatolien in der heutigen Türkei produziert und erstreckte sich im zweiten Jahrtausend v. Chr. Vom 19. Jahrhundert bis zum 12. Jahrhundert v. Chr. Auch nach Syrien. Diese Periode fällt unter die anatolische Bronzezeit. Es zeichnet sich durch eine lange Tradition kanonisierter Bilder und Motive aus, die von Künstlern neu arrangiert und dennoch erkennbar sind, um einer weitgehend Analphabetenbevölkerung Bedeutung zu vermitteln.

“Aufgrund des begrenzten Wortschatzes der Figurentypen [and motifs]Bei der Erfindung für den hethitischen Künstler ging es normalerweise darum, die Einheiten zu kombinieren und zu manipulieren, um komplexere Kompositionen zu bilden. “^[1]

Viele dieser wiederkehrenden Bilder drehen sich um die Darstellung hethitischer Gottheiten und ritueller Praktiken. Es gibt auch eine Prävalenz von Jagdszenen in hethitischen Relief- und gegenständlichen Tierformen. Ein Großteil der Kunst stammt aus Siedlungen wie Alaca Höyük oder der hethitischen Hauptstadt Hattusa in der Nähe des heutigen Boğazkale. Wissenschaftler haben Schwierigkeiten, einen großen Teil der hethitischen Kunst zu datieren, da es an Inschriften mangelt und ein Großteil des gefundenen Materials, insbesondere von Grabstätten, im 19. Jahrhundert von ihren ursprünglichen Standorten entfernt und unter den Museen verteilt wurde.

Bactrian[edit]

Der archäologische Komplex Bactria-Margiana (auch bekannt als Oxus-Zivilisation) ist die moderne archäologische Bezeichnung für eine bronzezeitliche Zivilisation Zentralasiens aus dem Jahr c. 2300–1700 v. Chr. Im heutigen Norden Afghanistans, Ostturkmenistans, Südesbekistans und Westtadschikistans, am oberen Amu Darya (Oxus). Seine Stätten wurden vom sowjetischen Archäologen Viktor Sarianidi (1976) entdeckt und benannt.^{[citation needed]} Monumentale städtische Zentren, Paläste und Kultgebäude wurden freigelegt, insbesondere in Gonur-depe in Turkmenistan.

BMAC-Materialien wurden in der Indus Valley Civilization, auf dem iranischen Plateau und im Persischen Golf gefunden.^[2] Funde auf BMAC-Standorten liefern weitere Belege für Handels- und Kulturkontakte. Dazu gehören ein Zylindersiegel vom Typ Elamite und ein Harappan-Siegel mit einem Elefanten und einer Indus-Schrift, die in Gonur-depe gefunden wurden. Die Beziehung zwischen Altyn-Depe und dem Industal scheint besonders stark gewesen zu sein. Unter den Funden befanden sich zwei Harappan-Siegel und Elfenbeinobjekte. Die Harappan-Siedlung Shortugai in Nordafghanistan am Ufer des Amu Darya diente wahrscheinlich als Handelsstation.^[4]

Eine berühmte Art von baktrischen Kunstwerken sind die “baktrischen Prinzessinnen” (auch bekannt als “Oxus Ladies”). Sie tragen große, stilisierte Kleider mit Puffärmeln sowie Kopfbedeckungen, die mit den Haaren verschmelzen, und verkörpern die ranghohe Göttin, den Charakter der zentralasiatischen Mythologie, die eine regulierende Rolle spielt und die ungezähmten Kräfte beruhigt. Diese Statuetten werden hergestellt, indem Materialien mit kontrastierenden Farben kombiniert und zusammengesetzt werden. Die bevorzugten Materialien sind Chlorit (oder ähnliche dunkelgrüne Steine), ein weißlicher Kalkstein oder gesprenkelter Alabaster oder Muscheln aus dem Indischen Ozean.^[5] Die verschiedenen Elemente von Körper und Kostüm wurden getrennt geschnitzt und wie in einem Puzzle durch Zapfen und Einsteckkleber verbunden.

• 

  Kamelfigur; spätes 3. – frühes 2. Jahrtausend v. Kupferlegierung; 8,89 cm; Metropolitan Museum of Art

• 

  Monströse männliche Figur; spätes 3. – frühes 2. Jahrtausend v. Chlorit, Calcit, Gold und Eisen; Höhe: 10,1 cm; Metropolitan Museum of Art

• 

  Weibliche Figur vom Typ “Bactrian Princess”; 2500–1500; Chlorit (Kleid und Kopfschmuck) und Kalkstein (Kopf, Hände und Bein); Höhe: 13,33 cm; Los Angeles County Kunstmuseum (USA)

Achämenid[edit]

Die Kunst der Achämeniden umfasst Friesreliefs, Metallarbeiten, die Dekoration von Palästen, glasiertes Ziegelmauerwerk, feine Handwerkskunst (Mauerwerk, Zimmerei usw.) und Gartenarbeit. Die meisten Überlebenden der Hofkunst sind monumentale Skulpturen, vor allem Reliefs, doppelköpfige persische Säulenkapitelle und andere Skulpturen von Persepolis.^[6]

Obwohl die Perser Künstler mit ihren Stilen und Techniken aus allen Ecken ihres Reiches mitnahmen, produzierten sie nicht nur eine Kombination von Stilen, sondern eine Synthese eines neuen einzigartigen persischen Stils.^[7] Cyrus der Große hatte tatsächlich ein umfangreiches altes iranisches Erbe hinter sich; Das reiche achämenidische Goldwerk, das laut Inschriften eine Spezialität der Meder gewesen sein könnte, stand beispielsweise in der Tradition früherer Stätten.

Es gibt eine Reihe sehr feiner Schmuckstücke oder Einlegearbeiten aus Edelmetall, die ebenfalls hauptsächlich Tiere zeigen, und der Oxus-Schatz bietet eine große Auswahl an Typen. Kleine Stücke, typischerweise in Gold, wurden von der Elite an Kleidung genäht, und eine Reihe von Goldfackeln haben überlebt.^[6]

phönizisch[edit]

Der phönizischen Kunst fehlen einzigartige Eigenschaften, die sie von ihren Zeitgenossen unterscheiden könnten. Dies ist darauf zurückzuführen, dass es stark von ausländischen Kunstkulturen beeinflusst wird: vor allem Ägypten, Griechenland und Assyrien. Phönizier, die am Ufer des Nils und des Euphrat unterrichtet wurden, sammelten umfangreiche künstlerische Erfahrungen und schufen schließlich ihre eigene Kunst, die eine Mischung aus ausländischen Modellen und Perspektiven war.^[8] In einem Artikel von Die New York Times Die am 5. Januar 1879 veröffentlichte phönizische Kunst wurde wie folgt beschrieben:

Er trat in die Arbeit anderer Männer ein und machte den größten Teil seines Erbes. Die ägyptische Sphinx wurde asiatisch und ihre neue Form wurde einerseits nach Ninive und andererseits nach Griechenland transplantiert. Die Rosetten und andere Muster der babylonischen Zylinder wurden in das Werk Phöniziens eingeführt und so an den Westen weitergegeben, während der Held des alten chaldäischen Epos zuerst der Tyrianer Melkarth und dann der Herakles von Hellas wurde.

• 

  Gesichtsperle; Mitte des 4. – 3. Jahrhunderts v. Glas; Höhe: 2,7 cm; Metropolitan Museum of Art

• 

  Ohrring aus einem Paar mit jeweils vier Reliefs; Ende des 4. bis 3. Jahrhunderts v. Gold; Gesamt: 3,5 x 0,6 cm; Metropolitan Museum of Art

Vorislamisches Arabien[edit]

Die Kunst des vorislamischen Arabien ist mit der der benachbarten Kulturen verwandt. Der vorislamische Jemen produzierte stilisierte Alabasterköpfe von großem ästhetischen und historischen Charme. Die meisten vorislamischen Skulpturen bestehen aus Alabaster.

Die Archäologie hat einige früh angesiedelte Zivilisationen in Saudi-Arabien entdeckt: die Dilmun-Zivilisation im Osten der Arabischen Halbinsel, Thamud nördlich des Hejaz und das Kindah-Königreich und die Al-Magar-Zivilisation im Zentrum der Arabischen Halbinsel. Die frühesten bekannten Ereignisse in der arabischen Geschichte sind Migrationen von der Halbinsel in benachbarte Gebiete.^[9] In der Antike brachte die Rolle südarabischer Gesellschaften wie Saba (Sheba) bei der Herstellung und dem Handel von Aromaten nicht nur den Reichtum solcher Königreiche, sondern band auch die arabische Halbinsel in Handelsnetzwerke ein, was zu weitreichenden künstlerischen Einflüssen führte.

Es ist wahrscheinlich, dass das arabische Klima vor etwa 4000 v. Chr. Etwas feuchter war als heute und von einem Monsunsystem profitierte, das sich seitdem nach Süden bewegt hat.^{[citation needed]} Während des späten vierten Jahrtausends v. Chr. Entstanden dauerhafte Siedlungen, und die Einwohner passten sich den aufkommenden Trocknerbedingungen an. Im Südwesten Arabiens (im heutigen Jemen) unterstützte ein feuchteres Klima im zweiten und ersten Jahrtausend vor Christus mehrere Königreiche. Die bekannteste davon ist Saba, das Königreich der biblischen Königin von Saba. Diese Gesellschaften nutzten eine Kombination aus Gewürzhandel und natürlichen Ressourcen der Region, einschließlich Aromen wie Weihrauch und Myrrhe, um wohlhabende Königreiche aufzubauen. Mārib, die sabäische Hauptstadt, war gut positioniert, um sowohl den Handel im Mittelmeerraum als auch im Nahen Osten zu erschließen, und in Königreichen im Osten, im heutigen Oman, waren Handelsbeziehungen mit Mesopotamien, Persien und sogar Indien möglich. Das Gebiet war nie Teil des assyrischen oder persischen Reiches, und selbst die babylonische Kontrolle über Nordwestarabien scheint relativ kurzlebig gewesen zu sein. Später scheiterten römische Versuche, den lukrativen Handel der Region zu kontrollieren. Diese Undurchdringlichkeit für ausländische Armeen erhöhte zweifellos die Verhandlungsmacht der alten Herrscher im Gewürz- und Weihrauchhandel.

Obwohl Südarabien äußeren Einflüssen ausgesetzt war, behielt es seine eigenen Eigenschaften bei. Die menschliche Figur basiert typischerweise auf starken, quadratischen Formen, wobei die feine Modellierung von Details im Kontrast zu einer stilisierten Einfachheit der Form steht.

• 

  Räuchergefäß; Mitte des 1. Jahrtausends vor Christus; Bronze; Höhe: 27,6 cm, Breite: 23,7 cm; Tiefe: 23,3 cm; aus Südwestarabien; Metropolitan Museum of Art

• 

  Südarabischer Kopf; 300-1 v. Alabaster; Höhe: 20,5 cm, Länge: 11 cm, Tiefe: 8,5 cm; Louvre

• 

  Grabstele; 1.-3. Jahrhundert n. Chr.; Alabaster; Höhe: 55 cm, Breite: 29 cm, Tiefe: 8 cm; Louvre

• 

  Parfümbrenner mit Steinbock; 1. – 3. Jahrhundert n. Chr .; Kalkstein; aus dem Jemen; Höhe: 30 cm, Breite: 24 cm, Tiefe: 24 cm; Louvre

• 

  Bahrainische figurative Grabstele; etwa 2.-3. Jahrhundert; der Bahrain Pavillon der Expo 2015 (Mailand, Italien)

Ägypten[edit]

Aufgrund der hochreligiösen Natur der alten ägyptischen Zivilisation zeigen viele der großen Werke des alten Ägypten Götter, Göttinnen und Pharaonen, die ebenfalls als göttlich angesehen wurden. Die altägyptische Kunst ist geprägt von der Idee der Ordnung. Klare und einfache Linien, kombiniert mit einfachen Formen und flachen Farbbereichen, trugen dazu bei, ein Gefühl für Ordnung und Ausgewogenheit in der Kunst des alten Ägypten zu schaffen. Alte ägyptische Künstler verwendeten vertikale und horizontale Referenzlinien, um die richtigen Proportionen in ihrer Arbeit beizubehalten. Auch in der ägyptischen Kunst wurde die politische und religiöse sowie künstlerische Ordnung aufrechterhalten. Um die soziale Hierarchie einer Situation klar zu definieren, wurden Figuren in Größen gezogen, die nicht auf ihrer Entfernung von der Perspektive des Malers, sondern auf ihrer relativen Bedeutung beruhten. Zum Beispiel würde der Pharao als die größte Figur in einem Gemälde gezeichnet, egal wo er sich befand, und ein größerer Gott würde größer gezeichnet als ein kleinerer Gott.

Die Symbolik spielte auch eine wichtige Rolle bei der Schaffung eines Ordnungssinns. Der Symbolismus, der von den Insignien des Pharaos (als Symbol für seine Fähigkeit zur Aufrechterhaltung der Ordnung) bis zu den einzelnen Symbolen ägyptischer Götter und Göttinnen reichte, war in der ägyptischen Kunst allgegenwärtig. Tiere waren in der ägyptischen Kunst meist auch symbolträchtige Figuren. Auch die Farbe hatte eine erweiterte Bedeutung – Blau und Grün repräsentierten den Nil und das Leben; gelb stand für den Sonnengott; und rot stand für Kraft und Vitalität. Die Farben in ägyptischen Artefakten haben im Laufe der Jahrhunderte aufgrund des trockenen Klimas in Ägypten sehr gut überlebt.

Trotz der gestelzenen Form, die durch mangelnde Perspektive verursacht wird, ist die altägyptische Kunst oft sehr realistisch. Altägyptische Künstler zeigen oft ein ausgefeiltes Wissen über Anatomie und viel Liebe zum Detail, insbesondere in ihren Tierdarstellungen. Während der 18. Dynastie Ägyptens bestieg ein Pharao namens Echnaton den Thron und hob den traditionellen Polytheismus auf. Er bildete eine monotheistische Religion, die auf der Verehrung des Sonnengottes Aten beruhte. Der künstlerische Wandel folgte dem politischen Umbruch. Es wurde ein neuer Kunststil eingeführt, der naturalistischer war als der stilisierte Fries, der in der ägyptischen Kunst in den letzten 1700 Jahren bevorzugt wurde. Nach Echnatons Tod kehrten ägyptische Künstler jedoch zu ihren alten Stilen zurück.

Fayence, die bereits um 3500 v. Chr. In der alten ägyptischen Antike hergestellt wurde, war dem zinnglasierten Steingut des europäischen 15. Jahrhunderts überlegen.^[10]Die altägyptische Fayence bestand nicht aus Ton, sondern aus einer Keramik, die hauptsächlich aus Quarz bestand.

• 

  Stele der Prinzessin Nefertiabet beim Essen; 2589–2566 v. Kalkstein & Farbe; Höhe: 37,7 cm, Länge: 52,5 cm, Tiefe: 8,3 cm; aus Gizeh; Louvre (Paris)

• 

  Kniende Porträtstatue von Amenemhat mit einer Stele mit Inschrift; um 1500 v. Chr.; Kalkstein; Ägyptisches Museum Berlin (Deutschland)

• 

  Vorsitzender von Hatnefer; 1492–1473 v. Buchsbaum, Zypresse, Ebenholz & Leinenschnur; Höhe: 53 cm; Metropolitan Museum of Art

• 

  Statuette der Dame Tiye; 1390-1349 v. Holz, Karneol, Gold, Glas, ägyptisches Blau und Farbe; Höhe: 24 cm; Metropolitan Museum of Art

• 

  Maske von Tjuyu; c. 1387–1350 v. Gold, Vergangenheit aus Glas, Alabaster und anderen Materialien; Höhe: 40 cm; Ägyptisches Museum (Kairo)

• 

  Das Maske von Tutanchamun;; c.1327 v;; Gold, Glas und Halbedelsteine; Höhe: 54 cm; ägyptisches Museum

• 

  Kompletter Satz von mit Hieroglyphen verzierten Überdachungsgläsern; 744–656 v. bemaltes Feigenholz; verschiedene Höhen; Britisches Museum (London)

• 

  Kosmetikbox in Form einer ägyptischen Hauptstadt, deren Kappe sich auf der linken Seite befindet; 664–300 v. Chr .; glasige Fayence; 8,5 × 9 cm; Metropolitan Museum of Art

• 

  Statuette von Anubis; 332–30 v. Chr .; verputztes und gestrichenes Holz; 42,3 cm; Metropolitan Museum of Art

Minoisch[edit]

Die größte Zivilisation der Bronzezeit war die der Minoer, eines merkantilistischen Volkes, das aus seiner Heimat Kreta und von anderen ägäischen Inseln aus ein Handelsimperium aufbaute. Die minoische Zivilisation war bekannt für ihre schöne Keramik, aber auch für ihre Fresken, Landschaften und Steinmetzarbeiten. In der frühen minoischen Zeit war Keramik durch Spiralen, Dreiecke, gekrümmte Linien, Kreuze und Fischgrätenmotive gekennzeichnet. In der mittelminoischen Zeit waren naturalistische Designs wie Fische, Tintenfische, Vögel und Lilien üblich. In der späten minoischen Zeit waren Blumen und Tiere noch am charakteristischsten, aber die Variabilität hatte zugenommen. Der “Palaststil” der Region um Knossos zeichnet sich durch eine starke geometrische Vereinfachung naturalistischer Formen und durch monochromatische Malerei aus. Der Palast in Knossos war mit Fresken geschmückt, die Aspekte des täglichen Lebens zeigten, einschließlich Hofritual und Unterhaltung wie Stierspringen und Boxen. Die Minoer waren gelernte Goldschmiede, die wunderschöne Anhänger und Masken herstellten. Der berühmte “Malia-Anhänger” der minoischen Zeit, der in Chryssolakkos gefunden und jetzt im Archäologischen Museum von Heraklion ausgestellt wird, ist ein Beispiel für hochwertige Goldschmiedekunst.^[11]

• 

  Das Malia Anhänger, ein ikonisches minoisches Juwel; 1700-1600 v. Gold; Breite: 4,6 cm; vom Chrysolakkos-Komplex (Goldgrube) in Malia; Archäologisches Museum von Heraklion^[12]

• 

  Das Fresko namens Stierspringendes Fresko;; 1675-1460 v. Kalkputz; Höhe: 0,8 m, Breite: 1 m; vom Palast in Knossos (Kreta); Archäologisches Museum Heraklion

• 

  Das Tribünenfresko;; 1675-1460 v. Kalkputz; Höhe (ohne Rand): 26 cm; vom Palast von Knossos; Archäologisches Museum Heraklion

• 

  Schlangengöttin; 1460-1410 v. Chr. (Aus der minoischen neopalatialen Zeit); Fayence; Höhe: 29,5 cm; aus dem Tempellager in Knossos; Archäologisches Museum Heraklion^[14]

• 

  Das Hagia Triada Sarkophag;; 1370-1315 v. Kalkstein; Länge: 1,4 m, Höhe: 0,9 m; vom Kammergrab 4 in der Hagia Triada bei Phaistos (Kreta); Archäologisches Museum Heraklion^[15]

Mykenisch[edit]

Die mykenische Kunst steht dem Minoischen nahe und umfasst viele prächtige Funde aus den königlichen Gräbern, vor allem die Maske von Agamemnon, eine goldene Trauermaske. Wie aus diesem Artikel hervorgeht, haben sich die Mykener auf die Goldverarbeitung spezialisiert. Ihre Kunstwerke sind bekannt für eine Vielzahl von dekorativen Motiven. Irgendwann in ihrer Kulturgeschichte adoptierten die Mykener die minoischen Göttinnen und verbanden diese Göttinnen mit ihrem Himmelsgott; Gelehrte glauben, dass das griechische Pantheon der Gottheiten die mykenische Religion nur für die Göttinnen und den Zeus widerspiegelt. Diese Göttinnen sind jedoch minoischen Ursprungs.

• 

  Eingelegter Dolch; 1550-1500 v. Bronze, Silber, Gold und Niello; Länge: 16 cm; Nationales Archäologisches Museum (Athen)^[16]

• 

  Drei weibliche Figuren; 1400-1300 v. Chr.; Terrakotta; Höhen: 10,8 cm, 10,8 cm und 10,5 cm; Metropolitan Museum of Art (New York)

• 

  Zwei Frauen und ein Kind; 1400-1300 v. Chr.; Elfenbein; Höhe: 7,8 cm; Nationales Archäologisches Museum (Athen)^[17]

• 

  Halskette; 1400-1050 v. Chr .; vergoldete Terrakotta; Durchmesser der Rosetten: 2,7 cm, mit Variationen von ca. 0,1 cm, Länge des Anhängers 3,7 cm; Metropolitan Museum of Art

• 

  Kopf eines Kriegers; 1300-1200 v. Elfenbein; Höhe: 8 cm; Nationales Archäologisches Museum (Athen)^[18]

• 

  Das Löwentor, erbaut um 1250 v. Chr., Ist ein ikonisches mykenisches Gebäude

• 

  Steigbügelglas mit Tintenfisch; circa 1200-1100 v. Chr .; Terrakotta; Höhe: 26 cm, Durchmesser: 21,5 cm; Metropolitan Museum of Art

griechisch[edit]

Die antike griechische Kunst umfasst viel Keramik, Skulptur sowie Architektur. Die griechische Skulptur ist bekannt für das Contrapposto der Figuren. Die Kunst des antiken Griechenland ist gewöhnlich stilistisch in drei Perioden unterteilt: die archaische, die klassische und die hellenistische. Die Geschichte der antiken griechischen Keramik ist stilistisch in Perioden unterteilt: die protogeometrische, die geometrische, die spätgeometrische oder archaische, die schwarze und die rote Figur. Die antike griechische Kunst hat am erfolgreichsten in den Formen der Skulptur und Architektur sowie in kleineren Künsten wie Münzdesign, Keramik und Edelsteingravur überlebt.

Die prestigeträchtigste Form der antiken griechischen Malerei war die Tafelmalerei, die nur noch aus literarischen Beschreibungen bekannt ist. Sie starben schnell nach dem 4. Jahrhundert nach Christus, als sie nicht mehr aktiv geschützt wurden. Heute ist von der griechischen Malerei nicht viel übrig geblieben, außer späten Mumienmalereien und einigen Gemälden an den Wänden von Gräbern, hauptsächlich in Mazedonien und Italien. Die Malerei auf Keramik, von der viel erhalten ist, vermittelt einen Eindruck von der Ästhetik der griechischen Malerei. Die Techniken unterschieden sich jedoch stark von denen, die in der großformatigen Malerei verwendet wurden. Es war hauptsächlich in Schwarz und Gold und wurde mit anderen Farben als an Wänden oder Holz gestrichen, da es sich um eine andere Oberfläche handelte.

• 
• 

  Spiegel mit einer Stütze in Form einer drapierten Frau; Mitte des 5. Jahrhunderts v. Bronze; Höhe: 40,41 cm; Metropolitan Museum of Art

• 

  Kelchkrater; 400-375 v. Chr.; Keramik; Höhe: 27,9 cm, Durchmesser: 28,6 cm; aus Theben (Griechenland); Louvre

• 
• 
• 
• 

  Statuette einer drapierten Frau; 2. Jahrhundert v. Terrakotta; Höhe: 29,2 cm; Metropolitan Museum of Art

• 

  Venus de Milo;; 130–100 v. Chr .; Marmor; Höhe: 203 cm; Louvre

• 

  Abbildungen von Beispielen antiker griechischer Ornamente und Muster, gezeichnet 1874

Etrusker[edit]

Die etruskische Kunst wurde zwischen dem 9. und 2. Jahrhundert v. Chr. Von der etruskischen Zivilisation in Mittelitalien hergestellt. Ab etwa 600 v. Chr. Wurde es stark von der griechischen Kunst beeinflusst, die von den Etruskern importiert wurde, aber immer unterschiedliche Eigenschaften beibehielt. Besonders stark in dieser Tradition waren figurative Skulpturen aus Terrakotta (besonders lebensgroß auf Sarkophagen oder Tempeln), Wandmalerei und Metallverarbeitung vor allem aus Bronze. Es wurden Schmuck und gravierte Edelsteine ​​von hoher Qualität hergestellt.^[23]

Die etruskische Skulptur aus Bronzeguss war berühmt und weit verbreitet, aber es sind relativ wenige große Exemplare erhalten geblieben (das Material war zu wertvoll und wurde später recycelt). Im Gegensatz zu Terrakotta und Bronze gab es relativ wenig etruskische Skulpturen aus Stein, obwohl die Etrusker feine Marmorquellen kontrollierten, einschließlich Carrara-Marmor, der bis zu den Römern offenbar nicht genutzt worden war.

Die überwiegende Mehrheit der Überlebenden stammte aus Gräbern, die typischerweise mit Sarkophagen und Grabbeigaben überfüllt waren, und Terrakotta-Fragmenten architektonischer Skulpturen, hauptsächlich um Tempel herum. Gräber haben alle Fresken-Wandgemälde hergestellt, die Szenen des Schlemmens und einige erzählende mythologische Themen zeigen.

Rom[edit]

Das Maison Carrée in Nîmes (Frankreich), einem der am besten erhaltenen antiken römischen Tempel, fotografiert aus zwei Blickwinkeln

Es wird allgemein gesagt, dass die römische Kunst von der griechischen und etruskischen Kunst abgeleitet war. In der Tat zeigen die in Pompeji und Herculaneum ausgegrabenen Villen der reichen Römer eine starke Vorliebe für alles Griechische. Viele der bedeutendsten griechischen Kunstwerke sind aufgrund ihrer römischen Interpretation und Nachahmung erhalten. Römische Künstler versuchten, an große Ereignisse im Leben ihres Staates zu erinnern, ihre Kaiser zu verherrlichen, das Innenleben der Menschen festzuhalten und Ideen von Schönheit und Adel auszudrücken. Ihre Büsten und insbesondere die Bilder von Personen auf Grabsteinen sind sehr ausdrucksstark und lebensecht, mit Geschick und Elan abgeschlossen.

In Griechenland und Rom galt Wandmalerei nicht als hohe Kunst. Die prestigeträchtigste Kunstform neben der Skulptur war die Tafelmalerei, dh Tempera- oder Enkaustikmalerei auf Holztafeln. Da Holz ein verderbliches Material ist, sind leider nur sehr wenige Beispiele solcher Gemälde erhalten, nämlich das Severan Tondo aus dem Jahr 200 n. Chr., Ein sehr routinemäßiges offizielles Porträt eines Regierungsbüros der Provinz und die bekannten Fayum-Mumienporträts aus dem römischen Ägypten und mit ziemlicher Sicherheit nicht von höchster zeitgenössischer Qualität. Die Porträts waren an Grabmumien im Gesicht angebracht, von denen sich inzwischen fast alle gelöst haben. Sie zeigen normalerweise eine einzelne Person, die den Kopf oder den Kopf und die obere Brust von vorne betrachtet zeigt. Der Hintergrund ist immer monochrom, manchmal mit dekorativen Elementen. In Bezug auf die künstlerische Tradition stammen die Bilder eindeutig mehr aus griechisch-römischen als aus ägyptischen Traditionen. Sie sind bemerkenswert realistisch, obwohl sie in ihrer künstlerischen Qualität unterschiedlich sind, und können auf die ähnliche Kunst hinweisen, die anderswo weit verbreitet war, aber nicht überlebte. Einige auf Glas gemalte Porträts und Medaillen aus dem späteren Reich sind erhalten geblieben, ebenso Münzporträts, von denen einige ebenfalls als sehr realistisch gelten. Plinius der Jüngere beklagte sich über den rückläufigen Zustand der römischen Porträtkunst: “Die Malerei von Porträts, die im Laufe der Jahrhunderte die genauen Ähnlichkeiten von Menschen übermittelten, ist völlig erloschen … Trägheit hat die Künste zerstört.”

• 

  Bronzestatuette eines Philosophen auf einem Lampenständer; Ende des 1. Jahrhunderts v. Bronze; Gesamt: 27,3 cm; Gewicht: 2,9 kg; Metropolitan Museum of Art (New York)

• 
• 

  Restaurierung eines Freskos aus einem alten Villenschlafzimmer; 50-40 v. Chr .; Abmessungen des Raumes: 265,4 x 334 x 583,9 cm; Metropolitan Museum of Art (New York)

• 

  Altar; circa 50 n. Chr .; Marmor; Höhe: 99,5 cm, Breite: 61,5 cm, Tiefe: 47 cm; Louvre

• 

  Kelchkrater mit Reliefs von Jungfrauen und tanzenden Maenaden; 1. Jahrhundert n. Chr.; Pentelic Marmor; Höhe: 80,7 cm; Metropolitan Museum of Art

• 

  Panoramablick auf das Pantheon (Rom), erbaut zwischen 113 und 125

• 

  Kopf einer Göttin mit Diadem; 1. – 2. Jahrhundert; Marmor; Höhe: 23 cm; Metropolitan Museum of Art

• 

  Couch und Fußschemel; 1. – 2. Jahrhundert n. Chr .; Holz, Knochen und Glas; Couch: 105,4 × 76,2 × 214,6 cm; Metropolitan Museum of Art

• 

  Sarkophag mit Girlanden; 200–225; Marmor; 134,6 x 223,5 cm; Metropolitan Museum of Art

Südasien[edit]

Die ersten Skulpturen in Indien stammen aus der Indus-Valley-Zivilisation vor etwa 5.000 Jahren, als kleine Steinschnitzereien und Bronzegüsse entdeckt wurden. Später, als sich Hinduismus, Buddhismus und Jainismus weiterentwickelten, produzierte Indien einige der kompliziertesten Bronzen der Welt sowie unvergleichliche Tempelschnitzereien, einige in riesigen Schreinen, wie die in Ellora.

Die Ajanta-Höhlen in Maharashtra, Indien, sind Höhlendenkmäler aus dem 2. Jahrhundert v. Chr. Und enthalten Gemälde und Skulpturen, die als Meisterwerke sowohl buddhistischer religiöser Kunst als auch universeller Bildkunst gelten.^[24]

Ostasien[edit]

China[edit]

Prähistorische Kunstwerke wie bemalte Töpferwaren im neolithischen China lassen sich auf die Yangshao-Kultur und die Longshan-Kultur des Yellow River-Tals zurückführen. Während der Bronzezeit Chinas stellten Chinesen der alten Shang-Dynastie und der Zhou-Dynastie eine Vielzahl künstlerischer Bronzeware-Gefäße für praktische Zwecke, aber auch für religiöse Rituale und Geomantien her. Die frühesten (erhaltenen) chinesischen Gemälde stammen aus der Zeit der Streitenden Staaten und befanden sich sowohl auf Seide als auch auf Lackwaren.

Eines der berühmtesten künstlerischen Relikte des alten China sind die Terrakotta-Krieger, eine Versammlung von 8.099 individuellen und lebensgroßen Terrakotta-Figuren (wie Infanterie, Pferde mit Streitwagen und Kavallerie, Bogenschützen und Militäroffiziere), die im Grab von Qin Shi Huang begraben sind , der erste Qin-Kaiser, 210 v. Diese Tradition wurde in die nachfolgende Han-Dynastie übernommen, obwohl ihre Gräber neben Hausangestellten auch Miniaturversionen der Soldaten enthielten, um im Jenseits Herrschern und Adligen zu dienen. Die chinesische Kunst zeigt wohl mehr Kontinuität zwischen der Antike und der Neuzeit als jede andere Zivilisation, denn selbst als ausländische Dynastien den kaiserlichen Thron bestiegen, erzwangen sie keine neuen kulturellen oder religiösen Gewohnheiten und wurden relativ schnell assimiliert.

Japan[edit]

Die Epochen der japanischen Kunst entsprechen den Standorten verschiedener Regierungen. Die frühesten bekannten japanischen Artefakte sind dem Stamm der Aniu zuzuschreiben, der das Volk der Jōmon beeinflusste, und diese Epochen wurden als Zeiträume der Jōmon und Yayoi bekannt. Bevor die Yayoi in Japan einfielen, war Jimmu 660 v. Chr. Der gekrönte Kaiser. Später kamen die Haniwa der Kofun-Ära, dann die Asuka, als der Buddhismus von China nach Japan gelangte. Die Religion beeinflusste die japanische Kunst über Jahrhunderte hinweg erheblich.^[25]

• 

  Dogū; 1000–300 v. Chr.; Steingut mit schnurmarkierter und eingeschnittener Dekoration; Höhe: 16,5 cm, Breite: 16,2 cm, Tiefe: 7,9 cm; Metropolitan Museum of Art (New York)

• 

  Dōtaku; 100-200 n. Chr .; Bronze gießen; Gesamt: 97,8 x 48,9 cm; Cleveland Museum of Art

• 

  Der Krieger in Keiko-Rüstung; 6. Jahrhundert; Haniwa (Terrakotta-Grabfigur); Höhe: 130,5 cm; Tokyo National Museum (Japan)

Mesoamerika[edit]

Olmec[edit]

Das alte olmekische “Vogelgefäß” und die Schale aus Keramik, die um 1000 v. Chr. Datiert wurden, sowie andere Keramiken werden in Öfen hergestellt, die eine Temperatur von über 900 ° C erreichen können. Die einzige andere prähistorische Kultur, von der bekannt ist, dass sie so hohe Temperaturen erreicht hat, ist die des alten Ägypten.^[10]

Viel olmekische Kunst ist stark stilisiert und verwendet eine Ikonographie, die die religiöse Bedeutung der Kunstwerke widerspiegelt. Einige olmekische Kunstwerke sind jedoch überraschend naturalistisch und zeigen eine Genauigkeit der Darstellung der menschlichen Anatomie, die in der präkolumbianischen Neuen Welt möglicherweise nur von der besten Kunst der Maya-Klassik erreicht wird. Olmekische Kunstformen betonen monumentale Statuen und kleine Jadeschnitzereien. Ein gemeinsames Thema sind Darstellungen eines göttlichen Jaguars. Olmekenfiguren wurden auch während ihrer Zeit reichlich gefunden.

• 

  Kolossaler Kopf Nr. 1 von San Lorenzo. Eine historische Person, wahrscheinlich ein Olmekenführer, ist in dieser monumentalen Skulptur abgebildet, die in San Lorenzo (in Tabasco, Mexiko), einem Hauptzentrum der Olmeken, gefunden wurde

• 

  Sitzende Figur; 12. – 9. Jahrhundert v. bemalte Keramik; Höhe: 34 cm, Breite: 31,8 cm, Tiefe: 14,6 cm; Metropolitan Museum of Art (New York)

• 

  Vogelförmiges Gefäß; 12. – 9. Jahrhundert v. Keramik mit rotem Ocker; Höhe: 16,5 cm; Metropolitan Museum of Art

Siehe auch[edit]

Verweise[edit]

Quellen

Weiterführende Literatur[edit]