[{"@context":"http:\/\/schema.org\/","@type":"BlogPosting","@id":"https:\/\/wiki.edu.vn\/wiki25\/2021\/10\/30\/musiktheorie-wikipedia\/#BlogPosting","mainEntityOfPage":"https:\/\/wiki.edu.vn\/wiki25\/2021\/10\/30\/musiktheorie-wikipedia\/","headline":"Musiktheorie \u2013 Wikipedia","name":"Musiktheorie \u2013 Wikipedia","description":"before-content-x4 Ber\u00fccksichtigt die Praktiken und M\u00f6glichkeiten der Musik Musiktheorie ist das Studium der Praktiken und M\u00f6glichkeiten der Musik. Der Oxford","datePublished":"2021-10-30","dateModified":"2021-10-30","author":{"@type":"Person","@id":"https:\/\/wiki.edu.vn\/wiki25\/author\/lordneo\/#Person","name":"lordneo","url":"https:\/\/wiki.edu.vn\/wiki25\/author\/lordneo\/","image":{"@type":"ImageObject","@id":"https:\/\/secure.gravatar.com\/avatar\/44a4cee54c4c053e967fe3e7d054edd4?s=96&d=mm&r=g","url":"https:\/\/secure.gravatar.com\/avatar\/44a4cee54c4c053e967fe3e7d054edd4?s=96&d=mm&r=g","height":96,"width":96}},"publisher":{"@type":"Organization","name":"Enzyklop\u00e4die","logo":{"@type":"ImageObject","@id":"https:\/\/wiki.edu.vn\/wiki4\/wp-content\/uploads\/2023\/08\/download.jpg","url":"https:\/\/wiki.edu.vn\/wiki4\/wp-content\/uploads\/2023\/08\/download.jpg","width":600,"height":60}},"image":{"@type":"ImageObject","@id":"https:\/\/upload.wikimedia.org\/wikipedia\/commons\/thumb\/a\/a0\/Gaffurio_Pythagoras.png\/280px-Gaffurio_Pythagoras.png","url":"https:\/\/upload.wikimedia.org\/wikipedia\/commons\/thumb\/a\/a0\/Gaffurio_Pythagoras.png\/280px-Gaffurio_Pythagoras.png","height":"364","width":"280"},"url":"https:\/\/wiki.edu.vn\/wiki25\/2021\/10\/30\/musiktheorie-wikipedia\/","wordCount":30908,"articleBody":"     (adsbygoogle = window.adsbygoogle || []).push({});before-content-x4Ber\u00fccksichtigt die Praktiken und M\u00f6glichkeiten der Musik    Musiktheorie ist das Studium der Praktiken und M\u00f6glichkeiten der Musik. Der Oxford Companion to Music beschreibt drei miteinander verbundene Verwendungen des Begriffs “Musiktheorie”.  Die erste sind die “Rudimente”, die zum Verst\u00e4ndnis der Musiknotation ben\u00f6tigt werden (Tonarten, Taktarten und rhythmische Notation);  die zweite ist das Erlernen der Ansichten von Gelehrten \u00fcber Musik von der Antike bis zur Gegenwart;  das dritte ist ein Unterthema der Musikwissenschaft, das “bestrebt ist, Prozesse und allgemeine Prinzipien in der Musik zu definieren”.  Der musikwissenschaftliche Theorieansatz unterscheidet sich von der Musikanalyse dadurch, dass er \u201enicht das einzelne Werk oder die Auff\u00fchrung, sondern die grundlegenden Materialien, aus denen es aufgebaut ist, als Ausgangspunkt nimmt\u201c.[1]Die Musiktheorie besch\u00e4ftigt sich h\u00e4ufig damit, zu beschreiben, wie Musiker und Komponisten Musik machen, darunter unter anderem Stimmsysteme und Kompositionsmethoden.  Aufgrund des sich st\u00e4ndig erweiternden Konzepts dessen, was Musik ausmacht (siehe Definition von Musik), k\u00f6nnte eine umfassendere Definition die Ber\u00fccksichtigung aller Klangph\u00e4nomene sein, einschlie\u00dflich der Stille.  Dies ist jedoch keine absolute Richtlinie;  zum Beispiel das Studium von “Musik” in der Quadrivium Der im mittelalterlichen Europa \u00fcbliche Lehrplan der Freien K\u00fcnste war ein abstraktes Proportionssystem, das sorgf\u00e4ltig und abseits der tats\u00e4chlichen musikalischen Praxis studiert wurde.[2]  Aber diese mittelalterliche Disziplin wurde in sp\u00e4teren Jahrhunderten zur Grundlage f\u00fcr Stimmsysteme und wird allgemein in die moderne Forschung zur Geschichte der Musiktheorie aufgenommen.[3]Musiktheorie als praktische Disziplin umfasst die Methoden und Konzepte, die Komponisten und andere Musiker beim Schaffen von Musik anwenden.  Die Entwicklung, Bewahrung und Weitergabe von Musiktheorie in diesem Sinne kann in m\u00fcndlichen und schriftlichen Musiktraditionen, Musikinstrumenten und anderen Artefakten gefunden werden.  Zum Beispiel enth\u00fcllen antike Instrumente aus pr\u00e4historischen St\u00e4tten auf der ganzen Welt Details \u00fcber die von ihnen produzierte Musik und m\u00f6glicherweise etwas von der Musiktheorie, die von ihren Herstellern verwendet worden sein k\u00f6nnte (siehe Geschichte der Musik und Musikinstrumente).  In alten und lebendigen Kulturen auf der ganzen Welt sind die tiefen und langen Wurzeln der Musiktheorie in Instrumenten, m\u00fcndlichen \u00dcberlieferungen und aktuellem Musikmachen sichtbar.  Viele Kulturen haben Musiktheorie auch auf formalere Weise ber\u00fccksichtigt, wie etwa schriftliche Abhandlungen und Musiknotation.  Praktische und wissenschaftliche Traditionen \u00fcberschneiden sich, da sich viele praktische Abhandlungen \u00fcber Musik in eine Tradition anderer Abhandlungen einordnen, die regelm\u00e4\u00dfig zitiert werden, genauso wie wissenschaftliche Schriften auf fr\u00fchere Forschungen verweisen.  In der modernen akademischen Welt ist die Musiktheorie ein Teilgebiet der Musikwissenschaft, dem breiteren Studium der Musikkulturen und -geschichte.  Etymologisch, Musiktheorie, ist ein Akt der Kontemplation der Musik, vom griechischen Wort \u03b8\u03b5\u03c9\u03c1\u03af\u03b1, was ein Anschauen bedeutet;  eine Betrachtung, Spekulation, Theorie;  ein Anblick, ein Spektakel.  Als solches besch\u00e4ftigt es sich oft mit abstrakten musikalischen Aspekten wie Stimmung und Tonsystemen, Tonleitern, Konsonanz und Dissonanz sowie rhythmischen Beziehungen.  Dar\u00fcber hinaus gibt es Theorien zu praktischen Aspekten, wie zum Beispiel der Entstehung oder Auff\u00fchrung von Musik, Orchestrierung, Ornamentik, Improvisation und elektronischer Klangerzeugung.[5]  Eine Person, die Musiktheorie erforscht oder lehrt, ist Musiktheoretiker.  Um als Tenure-Track-Musiktheoretiker an einer US-amerikanischen oder kanadischen Universit\u00e4t zu unterrichten, ist ein Universit\u00e4tsstudium, in der Regel auf MA- oder PhD-Niveau, erforderlich.  Analysemethoden umfassen Mathematik, grafische Analyse und insbesondere Analyse, die durch westliche Musiknotation erm\u00f6glicht wird.  Vergleichende, beschreibende, statistische und andere Methoden werden ebenfalls verwendet.  Musiktheoretische Lehrb\u00fccher, insbesondere in den Vereinigten Staaten von Amerika, enthalten unter anderem oft Elemente der musikalischen Akustik, \u00dcberlegungen zur musikalischen Notation und Techniken der tonalen Komposition (Harmonie und Kontrapunkt).Table of ContentsGeschichte[edit]Vorgeschichte[edit]Antike[edit]Mesopotamien[edit]China[edit]Indien[edit]Griechenland[edit]Mittelalter[edit]China[edit]Arabische L\u00e4nder \/ Persische L\u00e4nder[edit]Europa[edit]Modern[edit]L\u00e4nder des Nahen Ostens und Zentralasiens[edit]Europa[edit]Zeitgen\u00f6ssisch[edit]Grundlagen der Musik[edit]Tonh\u00f6he[edit]Skalen und Modi[edit]Konsonanz und Dissonanz[edit]Rhythmus[edit]Melodie[edit]Akkord[edit]Harmonie[edit]Timbre[edit]Dynamik[edit]Artikulation[edit]Textur[edit]Form oder Struktur[edit]Ausdruck[edit]Notation[edit]Musiktheorie als akademische Disziplin[edit]Analyse[edit]Musikwahrnehmung und -erkennung[edit]Genre und Technik[edit]Mathematik[edit]Serienkomposition und Mengenlehre[edit]Musikalische Semiotik[edit]Ausbildung und Karriere[edit]Siehe auch[edit]Quellen[edit]Weiterlesen[edit]Externe Links[edit]Geschichte[edit]Vorgeschichte[edit]Erhaltene pr\u00e4historische Instrumente, Artefakte und sp\u00e4tere Darstellungen von Auff\u00fchrungen in Kunstwerken k\u00f6nnen Hinweise auf die Struktur von Tonsystemen in pr\u00e4historischen Kulturen geben.  Siehe zum Beispiel pal\u00e4olithische Fl\u00f6ten, G\u01d4d\u00ed und Anasazi-Fl\u00f6te.Antike[edit]Mesopotamien[edit]Mehrere erhaltene sumerische und akkadische Tontafeln enthalten musikalische Informationen theoretischer Natur, haupts\u00e4chlich Listen von Intervallen und Stimmungen.[6]  Der Gelehrte Sam Mirelman berichtet, dass der fr\u00fcheste dieser Texte aus der Zeit vor 1500 v.  Weiter “Alle mesopotamischen Texte [about music] eint die Verwendung einer Terminologie f\u00fcr Musik, die nach der ungef\u00e4hren Datierung der Texte \u00fcber 1000 Jahre in Gebrauch war.”  China[edit]Ein Gro\u00dfteil der chinesischen Musikgeschichte und -theorie bleibt unklar.[8]Die chinesische Theorie beginnt mit Zahlen, wobei die wichtigsten musikalischen Zahlen zw\u00f6lf, f\u00fcnf und acht sind.  Zw\u00f6lf bezieht sich auf die Anzahl der Tonh\u00f6hen, auf denen die Waage aufgebaut werden kann.  Das L\u00fcshi Chunqiu von etwa 239 v. Chr. erinnert an die Legende von Ling Lun.  Auf Befehl des Gelben Kaisers sammelte Ling Lun zw\u00f6lf Bambusl\u00e4ngen mit dicken und gleichm\u00e4\u00dfigen Knoten.  Er blies auf eine davon wie eine Pfeife, fand ihren Klang angenehm und nannte sie huangzhong, die “Gelbe Glocke”.  Dann h\u00f6rte er Ph\u00f6nixe singen.  Der m\u00e4nnliche und der weibliche Ph\u00f6nix sangen jeweils sechs T\u00f6ne.  Ling Lun schnitt seine Bambuspfeifen auf die Tonh\u00f6hen der Ph\u00f6nixe zu und produzierte zw\u00f6lf Stimmpfeifen in zwei S\u00e4tzen: sechs vom m\u00e4nnlichen Ph\u00f6nix und sechs vom weiblichen: diese wurden die . genannt l\u00fcl\u00fc oder sp\u00e4ter die schierl\u00fc.Neben technischen und strukturellen Aspekten behandelt die altchinesische Musiktheorie auch Themen wie das Wesen und die Funktionen von Musik.  Die Yueji (“Record of music”, c1.  Studiert und umgesetzt von konfuzianischen Gelehrten-Beamten […], trugen diese Theorien dazu bei, einen musikalischen Konfuzianismus zu bilden, der konkurrierende Ans\u00e4tze \u00fcberschattet, aber nicht ausl\u00f6schte.  Dazu geh\u00f6ren die Behauptung von Mozi (ca. 468 \u2013 ca. 376 v. Chr.), dass Musik menschliche und materielle Ressourcen verschwendet, und Laozis Behauptung, dass die gr\u00f6\u00dfte Musik keine Kl\u00e4nge habe. […] Sogar die Musik der qin Zither, ein Genre, das eng mit konfuzianischen Gelehrten verbunden ist, umfasst viele Werke mit daoistischen Bez\u00fcgen, wie z Tianfeng huanpei (“Heavenly Breeze and Sounds of Jade Pendants”).[8]Indien[edit]Die Samaveda und Yajurveda (ca. 1200 \u2013 1000 v. Chr.) geh\u00f6ren zu den fr\u00fchesten Zeugnissen indischer Musik, aber sie enthalten keine Theorie im eigentlichen Sinne.  Die Natya Shastra, geschrieben zwischen 200 v. Chr. bis 200 n. Chr., diskutiert Intervalle (rutis), Waage (Gr\u0101mas), Konsonanzen und Dissonanzen, Klassen der melodischen Struktur (Merchans, Modi?), Melodietypen (J\u0101tis), Instrumente usw.[10]Griechenland[edit]Fr\u00fche erhaltene griechische Schriften zur Musiktheorie umfassen zwei Arten von Werken:[11]technische Handb\u00fccher, die das griechische Musiksystem beschreiben, einschlie\u00dflich Notation, Tonleitern, Konsonanz und Dissonanz, Rhythmus und Arten von MusikkompositionenAbhandlungen dar\u00fcber, wie Musik universelle Ordnungsmuster aufdeckt, die zu h\u00f6chstem Wissen und Verst\u00e4ndnis f\u00fchren.Vor diesen Werken sind mehrere Namen von Theoretikern bekannt, darunter Pythagoras (ca. 570 \u2013 ca. 495 v. Chr.), Philolaus (ca. 470 \u2013 ca. 385 v. Chr.), Archytas (428\u2013347 v. Chr.) Und andere.Werke des ersten Typs (technische Handb\u00fccher) umfassenAnonym (f\u00e4lschlicherweise Euklid zugeschrieben) Abteilung des Kanons, \u039a\u03b1\u03c4\u03b1\u03c4\u03bf\u03bc\u03ae \u03ba\u03b1\u03bd\u03cc\u03bd\u03bf\u03c2, 4.\u20133. Jahrhundert v.[12]Theon von Smyrna, \u00dcber Mathematik, die f\u00fcr das Verst\u00e4ndnis von Platon n\u00fctzlich ist, \u03a4\u03c9v \u03ba\u03b1\u03c4\u03ac \u03c4\u03cc \u03bc\u03b1\u03b8\u03b7\u03bc\u03b1\u03c4\u03b9\u03ba\u03cc\u03bd \u03c7\u03c1\u03b7\u03c3\u03af\u03bc\u03c9\u03bd \u03b5\u03af\u03c2 \u03c4\u03ae\u03bd \u03a0\u03bb\u03ac\u03c4\u03c9\u03bd\u03bf\u03c2 \u03ac\u03bd\u03ac\u03b3\u03bd\u03c9\u03c3\u03b9\u03c2, 115\u2013140 CE.Nikomachos von Gerasa, Handbuch der Harmonischen, \u03bc\u03bf\u03bd\u03b9\u03ba\u03cc\u03bd \u03ad\u03b3\u03c7\u03b5\u03b9\u03c1\u03af\u03b4\u03b9\u03bf\u03bd, 100\u2013150 CEKleoniden, Einf\u00fchrung in Oberschwingungen, \u03b1\u03b3\u03c9\u03b3\u03ae \u03ac\u03c1\u03bc\u03bf\u03bd\u03b9\u03ba\u03ae, 2. Jahrhundert CE.Gaudentius, Harmonische Einf\u00fchrung, \u0386\u03c1\u03bc\u03bf\u03bd\u03b9\u03ba\u03ae \u03b5\u03af\u03c3\u03b1\u03b3\u03c9\u03b3\u03ae, 3. oder 4. Jahrhundert CE.Bacchius Geron, Einf\u00fchrung in die Musikkunst, \u0395\u03af\u03c3\u03b1\u03b3\u03c9\u03b3\u03ae \u03c4\u03ad\u03c7\u03bd\u03b7\u03c2 \u03bc\u03bf\u03c5\u03c3\u03b9\u03ba\u03ae\u03c2, 4. Jahrhundert CE oder sp\u00e4ter.Alypius, Einf\u00fchrung in die Musik, \u0395\u03af\u03c3\u03b1\u03b3\u03c9\u03b3\u03ae \u03bc\u03bf\u03c5\u03c3\u03b9\u03ba\u03ae, 4.\u20135. Jahrhundert CE.Weitere philosophische Abhandlungen des zweiten Typs umfassenAristoxenos, Harmonische Elemente, \u0386\u03c1\u03bc\u03bf\u03bd\u03b9\u03ba\u03ac \u03c3\u03c4\u03bf\u03b9\u03c7\u03b5\u03af\u03b1, 375\/360 \u2013 nach 320 v.Aristoxenos, Rhythmische Elemente, \u03bc\u03b9\u03ba\u03ac \u03b1.Claudius Ptolemaios, Oberschwingungen, \u03bc\u03bf\u03bd\u03b9\u03ba\u03ac, 127\u2013148 CE.Porphyrius, \u00dcber die Harmonik des Ptolem\u00e4us, \u0395\u03af\u03c2 \u03c4\u03ac \u03bc\u03bf\u03bd\u03b9\u03ba\u03ac \u03bc\u03b1\u03af\u03bf\u03bd \u03cd\u03c0\u03cc\u03bc\u03bd\u03b7\u03bc\u03b1, 232\/3\u2013c.  305 n. Chr.Mittelalter[edit]China[edit]Das Pipa-Instrument trug eine Theorie der Tonarten mit sich, die sp\u00e4ter zur Sui- und Tang-Theorie der 84 Tonarten f\u00fchrte.[13]Arabische L\u00e4nder \/ Persische L\u00e4nder[edit]Mittelalterliche arabische Musiktheoretiker umfassen:[14]Ab\u016b Y\u016bsuf Ya’q\u016bb al-Kindi (\u2020 Bagdad, 873 u.[Ya\u1e25y\u0101 ibn]  al-Munajjim (Bagdad, 856\u2013912), Autor von Ris\u0101la f\u012b al-m\u016bs\u012bq\u012b (“Abhandlung \u00fcber Musik”, MS GB-Lbl Oriental 2361), die eine pythagor\u00e4ische Stimmung des Oud und ein System von acht Tonarten beschreibt, das vielleicht von Ishaq al-Mawsili (767-850) inspiriert wurde.[16]Ab\u016b n-Na\u0219r Mu\u1e25ammad al-F\u0101r\u0101bi (Persien, 872? \u2013 Damas, 950 oder 951 n. Chr.), Autor von Kitab al-Musiqa al-Kabir (\u201eDas gro\u00dfe Musikbuch\u201c).[17]‘Ali ibn al-Husayn ul-Isfah\u0101n\u012b (897\u2013967), bekannt als Abu al-Faraj al-Isfahani, Autor von Kit\u0101b al-Agh\u0101n\u012b (\u201eDas Buch der Lieder\u201c).Ab\u016b ‘Al\u012b al-\u1e24usayn ibn \u02bfAbd-All\u0101h ibn S\u012bn\u0101, bekannt als Avicenna (ca. 980 \u2013 1037), dessen Beitrag zur Musiktheorie haupts\u00e4chlich in Kapitel 12 des Abschnitts \u00fcber Mathematik von ihm besteht Kitab Al-Shifa (“Das Buch der Heilung”).al-\u1e24asan ibn A\u1e25mad ibn ‘Ali al-K\u0101tib, Autor von Kam\u0101l adab al Ghin\u0101’ (“Die Vollkommenheit des musikalischen Wissens”), 1225 kopiert (Istanbul, Topkapi Museum, Ms 1727).Safi al-Din al-Urmawi (1216\u20131294 n. Chr.), Autor des Kitabu al-Adw\u0101r (“Abhandlung \u00fcber Musikzyklen”) und ar-Ris\u0101lah a\u0161-\u0160arafiyyah (“Brief an araf”).Mub\u0101rak \u0160\u0101h, Kommentator von Safi al-Din’s Kit\u0101b al-Adw\u0101r (Britisches Museum, Frau 823).[21]Anon.  LXI, Anonymer Kommentar zu Safi al-Din’s Kit\u0101b al-Adw\u0101r.Shams al-d\u1fd1n al-Sayd\u1fb1w\u1fd1 Al-Dhahab\u1fd1 (14. Jahrhundert n. Chr. (?)), Musiktheoretiker.  Autor von Urj\u1fe1za fi’l-m\u1fe1s\u1fd1q\u1fb1 (“Ein didaktisches Gedicht \u00fcber Musik”).[23]Europa[edit]Die lateinische Abhandlung De institutione musica des r\u00f6mischen Philosophen Boethius (geschrieben um 500) war ein Pr\u00fcfstein f\u00fcr andere Schriften zur Musik im mittelalterlichen Europa.  Boethius repr\u00e4sentierte die klassische Autorit\u00e4t der Musik im Mittelalter, da die griechischen Schriften, auf denen er seine Arbeit basierte, von sp\u00e4teren Europ\u00e4ern bis zum 15. Jahrhundert nicht gelesen oder \u00fcbersetzt wurden.[24]  Diese Abhandlung h\u00e4lt sorgf\u00e4ltig Abstand von der tats\u00e4chlichen Musikpraxis und konzentriert sich haupts\u00e4chlich auf die mathematischen Proportionen bei Stimmsystemen und auf den moralischen Charakter bestimmter Modi.  Einige Jahrhunderte sp\u00e4ter begannen Abhandlungen zu erscheinen, die sich mit der eigentlichen Komposition von Musikst\u00fccken in der Tradition des Klargesangs besch\u00e4ftigten.[25]  Am Ende des neunten Jahrhunderts arbeitete Hucbald an einer pr\u00e4ziseren Tonh\u00f6hennotation f\u00fcr die Neumen, die zur Aufnahme von Gesang verwendet wurden.Guido d’Arezzo’ schrieb 1028 einen Brief an Michael von Pomposa mit dem Titel Epistola de ignoto cantu,[26]  in dem er die Praxis einf\u00fchrte, Silben zu verwenden, um Noten und Intervalle zu beschreiben.  Daraus entstand die bis zum Ende des Mittelalters gebr\u00e4uchliche hexachordale Solmisation.  Guido schrieb auch \u00fcber emotionale Qualit\u00e4ten der Tonarten, die Phrasenstruktur des Klargesangs, die zeitliche Bedeutung der Neumen usw.;  seine Kapitel \u00fcber Polyphonie “kommen n\u00e4her an der Beschreibung und Illustration echter Musik als jede fr\u00fchere Darstellung” in der westlichen Tradition.[24]Im 13. Jahrhundert entstand aus einer fr\u00fcheren, eingeschr\u00e4nkteren Methode zur Notation von Rhythmen in Form von festen Wiederholungsmustern, den sogenannten rhythmischen Modi, die um 1200 in Frankreich entwickelt wurden, ein neues Rhythmussystem namens Mensuralnotation Mensuralnotation wurde erstmals in der Abhandlung beschrieben und kodifiziert Ars cantus mensurabilis (“Die Kunst des gemessenen Gesangs”) von Franco von K\u00f6ln (um 1280).  Die Mensuralnotation verwendete verschiedene Notenformen, um unterschiedliche Dauern anzugeben, so dass Schreiber Rhythmen erfassen konnten, die variierten, anstatt dasselbe feste Muster zu wiederholen;  es ist eine proportionale Notation in dem Sinne, dass jeder Notenwert gleich dem Zwei- oder Dreifachen des k\u00fcrzeren Wertes oder der H\u00e4lfte oder einem Drittel des l\u00e4ngeren Wertes ist.  Dieselbe Notation, die w\u00e4hrend der Renaissance durch verschiedene Erweiterungen und Verbesserungen ver\u00e4ndert wurde, bildet heute die Grundlage f\u00fcr die rhythmische Notation in der europ\u00e4ischen klassischen Musik.Modern[edit]L\u00e4nder des Nahen Ostens und Zentralasiens[edit]B\u1fb1qiy\u1fb1 N\u1fb1yin\u1fd1 (Usbekistan, 17. Jahrhundert n. Chr.), usbekischer Autor und Musiktheoretiker.  Autor von Zamzama e wahdat-i-m\u1fe1s\u1fd1q\u1fd1 (“Der Gesang der Einheit in der Musik”).[23]Baron Francois Rodolphe d’Erlanger (Tunis, Tunesien, 1910\u20131932), franz\u00f6sischer Musikwissenschaftler.  Autor von La musique arabe und Ta’r\u1fd1kh al-m\u1fe1s\u1fd1q\u1fb1 al-arabiyya wa-us\u1fe1luha wa-tatawwur\u1fb1tuha (“Eine Geschichte der arabischen Musik, ihre Prinzipien und ihre Entwicklung”)D’Erlanger enth\u00fcllt, dass die arabische Musikskala von der griechischen Musikskala abgeleitet ist und dass arabische Musik mit bestimmten Merkmalen der arabischen Kultur wie der Astrologie verbunden ist.[23]Europa[edit]1750\u20131900Als sich der westliche musikalische Einfluss im 19. Jahrhundert auf der ganzen Welt ausbreitete, \u00fcbernahmen Musiker die westliche Theorie als internationalen Standard \u2013 aber andere theoretische Traditionen sowohl in Text- als auch in m\u00fcndlichen Traditionen bleiben in Gebrauch.  Zum Beispiel sind die langen und reichen Musiktraditionen, die f\u00fcr alte und aktuelle Kulturen Afrikas einzigartig sind, haupts\u00e4chlich m\u00fcndlich, beschreiben jedoch spezifische Formen, Genres, Auff\u00fchrungspraktiken, Stimmungen und andere Aspekte der Musiktheorie.Die geistliche Harfenmusik verwendet in der Praxis eine andere Art von Tonleiter und Theorie.  Die Musik konzentriert sich auf die Solfege “fa, sol, la” auf der Musikskala.  Sacred Harp verwendet auch eine andere Notation mit “Formnoten” oder Noten, die so geformt sind, dass sie einer bestimmten Solfege-Silbe auf der Musikskala entsprechen.  Die geistliche Harfenmusik und ihre Musiktheorie entstanden 1720 von Reverend Thomas Symmes, wo er ein System zum “Singen nach Noten” entwickelte, um seinen Kirchenmitgliedern bei der Notengenauigkeit zu helfen.[29]Zeitgen\u00f6ssisch[edit]Grundlagen der Musik[edit]Musik besteht aus akustischen Ph\u00e4nomenen;  “Musiktheorie” betrachtet, wie diese Ph\u00e4nomene in der Musik Anwendung finden.  Die Musiktheorie ber\u00fccksichtigt Melodie, Rhythmus, Kontrapunkt, Harmonie, Form, Tonsysteme, Tonleitern, Stimmung, Intervalle, Konsonanz, Dissonanz, Dauerproportionen, die Akustik von Tonh\u00f6hensystemen, Komposition, Performance, Orchestrierung, Ornamentik, Improvisation, elektronische Klangerzeugung usw. .[30]Tonh\u00f6he[edit]  Tonh\u00f6he ist die Tiefe oder H\u00f6he eines Tons, zum Beispiel der Unterschied zwischen einem mittleren C und einem h\u00f6heren C. Die Frequenz der eine Tonh\u00f6he erzeugenden Schallwellen kann genau gemessen werden, aber die Wahrnehmung der Tonh\u00f6he ist komplexer, da einzelne T\u00f6ne aus nat\u00fcrlichen Quellen sind in der Regel eine komplexe Mischung aus vielen Frequenzen.  Dementsprechend beschreiben Theoretiker die Tonh\u00f6he oft als subjektive Empfindung und nicht als objektive Schallmessung.[[Category:Wikipedia_articles_needing_page_number_citations_from_August_2014]][[[Wikipedia:Citing_sources|page needed]]]_31-0″ class=”reference”>[[[Wikipedia:Citing_sources”>[31]Bestimmten Frequenzen werden oft Buchstabennamen zugewiesen.  Heute ordnen die meisten Orchester Konzert A (das A \u00fcber dem mittleren C auf dem Klavier) der Frequenz von 440 Hz zu.  Diese Zuordnung ist etwas willk\u00fcrlich;  zum Beispiel wurde 1859 in Frankreich das gleiche A auf 435 Hz gestimmt.  Solche Unterschiede k\u00f6nnen sich sp\u00fcrbar auf die Klangfarbe von Instrumenten und andere Ph\u00e4nomene auswirken.  Daher wird bei der historisch informierten Auff\u00fchrung \u00e4lterer Musik die Stimmung oft so eingestellt, dass sie der Stimmung entspricht, die in der Zeit, in der sie geschrieben wurde, verwendet wurde.  Dar\u00fcber hinaus versuchen viele Kulturen nicht, die Tonh\u00f6he zu standardisieren, da sie oft davon ausgehen, dass sie je nach Genre, Stil, Stimmung usw.Der Tonh\u00f6henunterschied zwischen zwei Noten wird Intervall genannt.  Das grundlegendste Intervall ist das Unisono, das einfach aus zwei Noten derselben Tonh\u00f6he besteht.  Das Oktavintervall besteht aus zwei Tonh\u00f6hen, die entweder doppelt oder halb so hoch sind.  Die einzigartigen Eigenschaften von Oktaven f\u00fchrten zum Konzept der Tonh\u00f6henklasse: Tonh\u00f6hen mit dem gleichen Buchstabennamen, die in verschiedenen Oktaven vorkommen, k\u00f6nnen in einer einzigen “Klasse” gruppiert werden, indem der Unterschied in der Oktave ignoriert wird.  Ein hohes C und ein niedriges C sind beispielsweise Mitglieder derselben Tonh\u00f6henklasse \u2013 der Klasse, die alle Cs enth\u00e4lt.[[Category:Wikipedia_articles_needing_page_number_citations_from_October_2014]][[[Wikipedia:Citing_sources|page needed]]]_32-0″ class=”reference”>[[[Wikipedia:Citing_sources”>[32]Musikalische Stimmungssysteme oder Temperamente bestimmen die genaue Gr\u00f6\u00dfe der Intervalle.  Abstimmungssysteme variieren stark innerhalb und zwischen den Weltkulturen.  In der westlichen Kultur gibt es seit langem mehrere konkurrierende Tuning-Systeme, alle mit unterschiedlichen Qualit\u00e4ten.  International wird heute am h\u00e4ufigsten das als gleichschwebende Stimmung bekannte System verwendet, da es als der zufriedenstellendste Kompromiss angesehen wird, der es Instrumenten mit fester Stimmung (z. B. dem Klavier) erm\u00f6glicht, in allen Tonarten akzeptabel gestimmt zu klingen.Skalen und Modi[edit]  Ein Muster von Ganz- und Halbtonschritten im Ionischen Modus oder Durtonleiter auf C Spiel (Hilfe\u00b7die Info).Noten k\u00f6nnen in einer Vielzahl von Skalen und Modi angeordnet werden.  Die westliche Musiktheorie unterteilt die Oktave im Allgemeinen in eine Reihe von zw\u00f6lf Tonh\u00f6hen, die als chromatische Tonleiter bezeichnet werden und innerhalb derer das Intervall zwischen benachbarten T\u00f6nen als Halbton oder Halbton bezeichnet wird.  Durch die Auswahl von T\u00f6nen aus diesem 12er-Set und deren Anordnung in Halbton- und Ganztonmustern entstehen andere Tonleitern.[[Category:Wikipedia_articles_needing_page_number_citations_from_August_2014]][[[Wikipedia:Citing_sources|page needed]]]_33-0″ class=”reference”>[[[Wikipedia:Citing_sources”>[33]Die am h\u00e4ufigsten anzutreffenden Tonleitern sind das siebent\u00f6nige Dur, das harmonische Moll, das melodische Moll und das nat\u00fcrliche Moll.  Andere Beispiele f\u00fcr Tonleitern sind die oktatonische Tonleiter und die pentatonische oder f\u00fcnft\u00f6nige Tonleiter, die in der Volksmusik und im Blues \u00fcblich ist.  Nicht-westliche Kulturen verwenden oft Tonleitern, die nicht einer gleichm\u00e4\u00dfig geteilten Zw\u00f6lftonteilung der Oktave entsprechen.  Zum Beispiel verwenden klassische osmanische, persische, indische und arabische Musiksysteme oft Vielfache von Viertelt\u00f6nen (die halbe Gr\u00f6\u00dfe eines Halbtons, wie der Name schon sagt), zum Beispiel in \u201eneutralen\u201c Sekunden (drei Viertelt\u00f6ne) oder \u201eneutral\u201c ‘ Terzen (sieben Viertelt\u00f6ne) \u2013 sie verwenden normalerweise nicht den Viertelton selbst als direktes Intervall.[[Category:Wikipedia_articles_needing_page_number_citations_from_August_2014]][[[Wikipedia:Citing_sources|page needed]]]_33-1″ class=”reference”>[[[Wikipedia:Citing_sources”>[33]In der traditionellen westlichen Notation wird die f\u00fcr eine Komposition verwendete Tonleiter normalerweise durch eine Tonartvorzeichnung am Anfang angezeigt, um die Tonh\u00f6hen zu bezeichnen, aus denen diese Tonleiter besteht.  Im Verlauf der Musik k\u00f6nnen sich die verwendeten Tonh\u00f6hen \u00e4ndern und eine andere Tonleiter einf\u00fchren.  Musik kann f\u00fcr verschiedene Zwecke von einer Tonleiter in eine andere transponiert werden, oft um dem Stimmumfang eines S\u00e4ngers gerecht zu werden.  Eine solche Transposition hebt oder senkt den gesamten Tonh\u00f6henbereich, beh\u00e4lt jedoch die Intervallbeziehungen der urspr\u00fcnglichen Tonleiter bei.  Beispielsweise werden durch die Transposition von C-Dur nach D-Dur alle Tonh\u00f6hen der C-Dur-Tonleiter gleichm\u00e4\u00dfig um einen Ganzton angehoben.  Da die Intervallbeziehungen unver\u00e4ndert bleiben, kann die Transposition von einem Zuh\u00f6rer unbemerkt bleiben, jedoch k\u00f6nnen sich andere Qualit\u00e4ten merklich \u00e4ndern, da die Transposition das Verh\u00e4ltnis des gesamten Tonh\u00f6henbereichs im Vergleich zum Bereich der Instrumente oder Stimmen \u00e4ndert, die die Musik spielen.  Dies wirkt sich oft auf den Gesamtklang der Musik aus und hat auch technische Auswirkungen auf die Interpreten.Die Wechselbeziehung der Tonarten, die in der westlichen tonalen Musik am h\u00e4ufigsten verwendet werden, wird bequem durch den Quintenzirkel dargestellt.  Manchmal werden auch f\u00fcr eine bestimmte Komposition eindeutige Tonartsignaturen entwickelt.  W\u00e4hrend der Barockzeit waren emotionale Assoziationen mit bestimmten Tonarten, die als Affektionslehre bekannt sind, ein wichtiges Thema in der Musiktheorie, aber die einzigartigen Klangfarben der Tonarten, die zu dieser Lehre f\u00fchrten, wurden mit der Annahme der gleichschwebenden Stimmung weitgehend ausgel\u00f6scht.  Viele Musiker sind jedoch weiterhin der Meinung, dass bestimmte Tonarten f\u00fcr bestimmte Emotionen besser geeignet sind als andere.  Die indische klassische Musiktheorie assoziiert Tonarten weiterhin stark mit emotionalen Zust\u00e4nden, Tageszeiten und anderen au\u00dfermusikalischen Konzepten und verwendet insbesondere keine gleichschwebende Temperamentsart.Konsonanz und Dissonanz[edit]Konsonanz und Dissonanz sind subjektive Qualit\u00e4ten der Klangf\u00fclle von Intervallen, die in verschiedenen Kulturen und im Laufe der Zeit stark variieren.  Konsonanz (oder \u00dcbereinstimmung) ist die Qualit\u00e4t eines Intervalls oder Akkords, die an sich stabil und vollst\u00e4ndig erscheint.  Dissonanz (oder Zwietracht) ist das Gegenteil, da sie sich unvollst\u00e4ndig anf\u00fchlt und sich zu einem Konsonantenintervall aufl\u00f6st.  Dissonante Intervalle scheinen zu kollidieren.  Konsonantenintervalle scheinen zusammen angenehm zu klingen.  Im Allgemeinen werden perfekte Quarten, Quinten und Oktaven sowie alle gro\u00dfen und kleinen Terzen und Sexten als Konsonanten betrachtet.  Alle anderen sind mehr oder weniger dissonant.[[Category:Wikipedia_articles_needing_page_number_citations_from_August_2014]][[[Wikipedia:Citing_sources|page needed]]]_35-0″ class=”reference”>[[[Wikipedia:Citing_sources”>[35]Der Kontext und viele andere Aspekte k\u00f6nnen die scheinbare Dissonanz und Konsonanz beeinflussen.  Zum Beispiel kann in einem Debussy-Pr\u00e4ludium eine gro\u00dfe Sekunde stabil und konsonant klingen, w\u00e4hrend dasselbe Intervall in einer Bach-Fuge dissonant klingen kann.  In der \u00c4ra der allgemeinen Praxis gilt die perfekte Quarte als dissonant, wenn sie nicht von einer unteren Terz oder Quinte unterst\u00fctzt wird.  Seit dem fr\u00fchen 20. Jahrhundert hat sich Arnold Sch\u00f6nbergs Konzept der “emanzipierten” Dissonanz, bei der traditionell dissonante Intervalle als “h\u00f6here”, weiter entfernte Konsonanzen behandelt werden k\u00f6nnen, mehr durchgesetzt.[[Category:Wikipedia_articles_needing_page_number_citations_from_August_2014]][[[Wikipedia:Citing_sources|page needed]]]_35-1″ class=”reference”>[[[Wikipedia:Citing_sources”>[35]Rhythmus[edit]  Metrikstufen: Beat-Stufe in der Mitte mit Divisionsstufen dar\u00fcber und mehreren Stufen darunter.Rhythmus wird durch die sequentielle Anordnung von Kl\u00e4ngen und Stille in der Zeit erzeugt.  Meter misst Musik in regelm\u00e4\u00dfigen Impulsgruppierungen, die Takte oder Takte genannt werden.  Die Taktangabe oder Taktangabe gibt an, wie viele Schl\u00e4ge sich in einem Takt befinden und welcher Wert der geschriebenen Note als einzelner Schlag gez\u00e4hlt oder gef\u00fchlt wird.Durch erh\u00f6hten Stress oder Variationen in der Dauer oder Artikulation k\u00f6nnen bestimmte T\u00f6ne akzentuiert werden.  In den meisten Musiktraditionen gibt es Konventionen f\u00fcr die regelm\u00e4\u00dfige und hierarchische Akzentuierung von Beats, um einen bestimmten Takt zu verst\u00e4rken.  Synkopierte Rhythmen widersprechen diesen Konventionen, indem sie unerwartete Teile des Beats akzentuieren.[36]  Das gleichzeitige Spielen von Rhythmen in mehr als einer Taktart wird Polyrhythmus genannt.[37]Rhythmus und Metrum haben sich in den letzten Jahren zu einem wichtigen Forschungsgebiet der Musikwissenschaft entwickelt.  Die am h\u00e4ufigsten zitierten dieser j\u00fcngsten Wissenschaftler sind Maury Yeston, Fred Lerdahl und Ray Jackendoff,[39]Jonathan Kramer und Justin London.Melodie[edit]  Eine Melodie ist eine Reihe von T\u00f6nen als Einheit wahrgenommen,[citation needed]  nacheinander klingende T\u00f6ne, die sich typischerweise auf einen H\u00f6hepunkt der Spannung zubewegen und sich dann in einen Ruhezustand aufl\u00f6sen.  Da die Melodie in so viel Musik ein so prominenter Aspekt ist, sind ihre Konstruktion und andere Qualit\u00e4ten ein prim\u00e4res Interesse der Musiktheorie.Die Grundelemente der Melodie sind Tonh\u00f6he, Dauer, Rhythmus und Tempo.  Die T\u00f6ne einer Melodie werden normalerweise aus Tonh\u00f6hensystemen wie Skalen oder Modi gezogen.  Die Melodie kann in zunehmendem Ma\u00dfe aus Figur, Motiv, Halbsatz, Vor- und Nachsatz, Punkt oder Satz bestehen.  Die Periode kann als die vollst\u00e4ndige Melodie angesehen werden, jedoch kombinieren einige Beispiele zwei Perioden oder verwenden andere Kombinationen von Bestandteilen, um Melodien gr\u00f6\u00dferer Form zu erzeugen.Akkord[edit]  Ein Akkord ist in der Musik jeder harmonische Satz von drei oder mehr Noten, der so geh\u00f6rt wird, als ob er gleichzeitig erklingt.[44]:S. 67, 359\u200a:P.  63\u200a Diese m\u00fcssen nicht unbedingt zusammen gespielt werden: Arpeggien und gebrochene Akkorde k\u00f6nnen f\u00fcr viele praktische und theoretische Zwecke Akkorde darstellen.  Akkorde und Akkordfolgen werden h\u00e4ufig in der modernen westlichen, westafrikanischen und ozeanischen Sprache verwendet[[Category:Wikipedia_articles_needing_page_number_citations_from_July_2015]][[[Wikipedia:Citing_sources|page needed]]]_47-0″ class=”reference”>[[[Wikipedia:Citing_sources”>[47]  Musik, w\u00e4hrend sie in der Musik vieler anderer Teile der Welt fehlen.:P.  f\u00fcnfzehn\u200aDie am h\u00e4ufigsten anzutreffenden Akkorde sind Dreikl\u00e4nge, die so genannt werden, weil sie aus drei verschiedenen Noten bestehen: weitere Noten k\u00f6nnen hinzugef\u00fcgt werden, um Septakkord, erweiterte Akkorde oder hinzugef\u00fcgte Tonakkorde zu erhalten.  Die gebr\u00e4uchlichsten Akkorde sind die Haupt und kleine Dreikl\u00e4nge und dann die erweitert und verminderte Triaden.  Die Beschreibungen Haupt, unerheblich, erweitert, und vermindert werden manchmal kollektiv als chordal . bezeichnet Qualit\u00e4t.  Akkorde werden auch h\u00e4ufig nach ihrem Grundton klassifiziert \u2013 also zum Beispiel der Akkord C Dur kann als Dreiklang von Dur-Qualit\u00e4t beschrieben werden, der auf der Note aufgebaut ist C.  Akkorde k\u00f6nnen auch durch Umkehrung klassifiziert werden, die Reihenfolge, in der die Noten gestapelt sind.Eine Reihe von Akkorden wird als Akkordfolge bezeichnet.  Obwohl im Prinzip auf jeden Akkord ein beliebiger anderer Akkord folgen kann, wurden bestimmte Akkordmuster als feststehende Tonart in der gebr\u00e4uchlichen Harmonielehre akzeptiert.  Um dies zu beschreiben, werden Akkorde gem\u00e4\u00df ihrer diatonischen Funktion mit r\u00f6mischen Ziffern (aufw\u00e4rts vom Grundton) nummeriert.  G\u00e4ngige Methoden zum Notieren oder Darstellen von Akkorden[50]  in der westlichen Musik andere als die konventionelle Notensystemnotation umfassen r\u00f6mische Ziffern, bezifferte B\u00e4sse (in der Barockzeit viel verwendet), Akkordbuchstaben (manchmal in der modernen Musikwissenschaft verwendet) und verschiedene Systeme von Akkordtabellen, die typischerweise in den Leadsheets zu finden sind, die in der popul\u00e4ren Musik verwendet werden Legen Sie die Akkordfolge so an, dass der Musiker Begleitakkorde spielen oder ein Solo improvisieren kann.Harmonie[edit]  Barbershop-Quartette wie diese US-Navy-Gruppe singen 4-stimmige St\u00fccke, die aus einer Melodielinie (normalerweise die zweith\u00f6chste Stimme, “Lead” genannt) und 3 Harmoniestimmen bestehen.In der Musik ist Harmonie die Verwendung gleichzeitiger Tonh\u00f6hen (T\u00f6ne, Noten) oder Akkorde.:P.  f\u00fcnfzehn\u200a Das Studium der Harmonie beinhaltet Akkorde und ihre Konstruktion und Akkordfolgen und die Prinzipien der Verbindung, die sie bestimmen.  Harmonie bezieht sich oft auf den “vertikalen” Aspekt der Musik, im Unterschied zur melodischen Linie, oder den “horizontalen” Aspekt Stimmen, wird daher manchmal von Harmonie unterschieden.[53]In der Popul\u00e4r- und Jazzharmonie werden Akkorde nach ihrer Wurzel sowie verschiedenen Begriffen und Charakteren benannt, die ihre Qualit\u00e4ten angeben.  Zum Beispiel kann ein Leadsheet Akkorde wie C-Dur, D-Moll und G-Dominante-Sept anzeigen.  In vielen Musikrichtungen, insbesondere Barock, Romantik, Moderne und Jazz, werden Akkorde oft mit “Spannungen” verst\u00e4rkt.  Eine Spannung ist ein zus\u00e4tzliches Akkordelement, das ein relativ dissonantes Intervall in Bezug auf den Bass erzeugt.  Er ist Teil eines Akkords, geh\u00f6rt aber nicht zu den Akkordt\u00f6nen (1 3 5 7).  Typischerweise wird in der klassischen Common-Practice-Periode ein dissonanter Akkord (Akkord mit Spannung) in einen konsonanten Akkord “aufgel\u00f6st”.  Harmonisierung klingt normalerweise angenehm f\u00fcr das Ohr, wenn ein Gleichgewicht zwischen den konsonanten und dissonanten Kl\u00e4ngen besteht.  In einfachen Worten, das passiert, wenn ein Gleichgewicht zwischen “angespannten” und “entspannten” Momenten besteht.[54][unreliable source?]Timbre[edit]  Spektrogramm der ersten Sekunde eines E9-Akkords, gespielt auf einer Fender Stratocaster-Gitarre mit ger\u00e4uschlosen Tonabnehmern.  Unten ist das E9-Akkord-Audio: Timbre, manchmal auch “Farbe” oder “Klangfarbe” genannt, ist das Hauptph\u00e4nomen, das es uns erm\u00f6glicht, ein Instrument von einem anderen zu unterscheiden, wenn beide auf der gleichen Tonh\u00f6he und Lautst\u00e4rke spielen, eine Eigenschaft einer Stimme oder eines Instruments, die oft mit Begriffen wie hell beschrieben wird , dumpf, schrill usw. Es ist musiktheoretisch von gro\u00dfem Interesse, insbesondere weil es ein Bestandteil der Musik ist, der noch keine einheitliche Nomenklatur hat.  Es wurde “… die mehrdimensionale Papierkorb-Kategorie des Psychoakustikers f\u00fcr alles, was nicht mit Tonh\u00f6he oder Lautst\u00e4rke bezeichnet werden kann” genannt.[55]  kann aber durch Fourier-Analyse und andere Methoden genau beschrieben und analysiert werden, da sie sich aus der Kombination aller Klangfrequenzen, Attack- und Release-H\u00fcllkurven und anderer Qualit\u00e4ten ergibt, die ein Ton umfasst.Das Timbre wird haupts\u00e4chlich durch zwei Dinge bestimmt: (1) die relative Ausgewogenheit der Obert\u00f6ne, die von einem gegebenen Instrument aufgrund seiner Konstruktion (zB Form, Material) erzeugt werden, und (2) der H\u00fcllkurve des Klangs (einschlie\u00dflich der Ver\u00e4nderungen der Obertonstruktur im Laufe der Zeit). .  Das Timbre variiert stark zwischen verschiedenen Instrumenten, Stimmen und in geringerem Ma\u00dfe zwischen Instrumenten desselben Typs aufgrund von Variationen in ihrer Konstruktion und insbesondere der Technik des Interpreten.  Die Klangfarbe der meisten Instrumente kann durch den Einsatz verschiedener Spieltechniken ver\u00e4ndert werden.  Zum Beispiel \u00e4ndert sich die Klangfarbe einer Trompete, wenn ein D\u00e4mpfer in den Schallbecher eingef\u00fcgt wird, der Spieler ihren Ansatz oder die Lautst\u00e4rke \u00e4ndert.[citation needed]Eine Stimme kann ihre Klangfarbe \u00e4ndern, indem der Interpret seinen Stimmapparat manipuliert (zB die Form der Stimmh\u00f6hle oder des Mundes).  Musikalische Notation spezifiziert h\u00e4ufig eine \u00c4nderung der Klangfarbe durch \u00c4nderungen in der Klangtechnik, Lautst\u00e4rke, Akzent und anderen Mitteln.  Diese werden unterschiedlich durch symbolische und verbale Anweisungen angezeigt.  Zum Beispiel das Wort dolce (s\u00fc\u00df) bezeichnet ein unspezifisches, aber allgemein verstandenes weiches und “s\u00fc\u00dfes” Timbre. Sul tasto weist einen Streicher an, sich in der N\u00e4he oder \u00fcber dem Griffbrett zu beugen, um einen weniger brillanten Klang zu erzeugen. Cuivre weist einen Blechbl\u00e4ser an, einen forcierten und schrill blechernen Klang zu erzeugen.  Akzentsymbole wie Marcato (^) und dynamische Anzeigen (pp) kann auch auf \u00c4nderungen im Timbre hinweisen.[57]Dynamik[edit][relevant?]  Eine Illustration von Haarnadeln in musikalischer Notation.In der Musik bezieht sich “Dynamik” normalerweise auf Intensit\u00e4ts- oder Lautst\u00e4rkeschwankungen, die von Physikern und Toningenieuren in Dezibel oder Phon gemessen werden k\u00f6nnen.  In der Musiknotation werden Dynamiken jedoch nicht als absolute Werte behandelt, sondern als relative.  Da sie normalerweise subjektiv gemessen werden, gibt es neben der Amplitude noch andere Faktoren, die die Leistung oder Wahrnehmung von Intensit\u00e4t beeinflussen, wie Timbre, Vibrato und Artikulation.Die herk\u00f6mmlichen Dynamikangaben sind Abk\u00fcrzungen f\u00fcr italienische W\u00f6rter wie St\u00e4rke (F) f\u00fcr laut und Klavier (P) f\u00fcr weich.  Diese beiden Grundnotationen werden durch Angaben modifiziert, einschlie\u00dflich Mezzo-Klavier (mp) f\u00fcr m\u00e4\u00dfig weich (w\u00f6rtlich “halb weich”) und Mezzo-Forte (mf) f\u00fcr m\u00e4\u00dfig laut, sforzando oder sforzato (sfz) f\u00fcr einen wogenden oder “gedr\u00fcckten” Angriff, oder Hammerklavier (fp) f\u00fcr einen lauten Anschlag mit einem pl\u00f6tzlichen Abfall auf einen leisen Pegel.  Die gesamte Spannweite dieser Markierungen reicht normalerweise von einem fast unh\u00f6rbaren pianissississimo (pppp) so laut wie m\u00f6glich fortissississimo (ffff).Gr\u00f6\u00dfere Extreme von pppppp  und fffff  und Nuancen wie p+  oder pi\u00f9 klavier werden manchmal gefunden.  Sowohl in der Notation als auch in der Analyse werden auch andere Systeme zur Anzeige der Lautst\u00e4rke verwendet: dB (Dezibel), numerische Skalen, farbige oder verschieden gro\u00dfe Noten, W\u00f6rter in anderen Sprachen als Italienisch und Symbole wie solche f\u00fcr die schrittweise Erh\u00f6hung der Lautst\u00e4rke (Crescendo) oder abnehmende Lautst\u00e4rke (diminuendo oder decrescendo), oft als “Haarnadeln” bezeichnet, wenn sie mit divergierenden oder konvergierenden Linien gekennzeichnet sind, wie in der obigen Grafik gezeigt.Artikulation[edit]  Artikulation ist die Art und Weise, wie der Interpret Noten erklingt.  Zum Beispiel, staccato ist die Verk\u00fcrzung der Dauer gegen\u00fcber dem geschriebenen Notenwert, legato spielt die Noten in einer nahtlos verbundenen Sequenz ohne Trennung.  Artikulation wird oft eher beschrieben als quantifiziert, daher gibt es Raum f\u00fcr Interpretationen, wie jede Artikulation genau ausgef\u00fchrt wird.Zum Beispiel, staccato wird oft als “getrennt” oder “abgel\u00f6st” bezeichnet, anstatt einen definierten oder nummerierten Betrag zu haben, um den die notierte Dauer zu reduzieren.  Geigenspieler verwenden eine Vielzahl von Techniken, um verschiedene Qualit\u00e4ten zu spielen staccato. Die Art und Weise, wie ein Interpret eine bestimmte Artikulation ausf\u00fchrt, h\u00e4ngt normalerweise vom Kontext des St\u00fcckes oder der Phrase ab, aber viele Artikulationssymbole und verbale Anweisungen h\u00e4ngen vom Instrument und der Musikepoche ab (z. B. Gambe, Bl\u00e4ser, Klassik, Barock usw. ).Es gibt eine Reihe von Artikulationen, die die meisten Instrumente und Stimmen gemeinsam ausf\u00fchren.  Sie sind \u2013 von lang bis kurz: legato (glatt, verbunden); tenuto (gedr\u00fcckt oder bis zur vollen notierten Dauer gespielt); Marcato (akzentuiert und losgel\u00f6st); staccato (“getrennt”, “abgetrennt”); martel\u00e9 (stark akzentuiert oder “geh\u00e4mmert”).[contradictory]  Viele davon k\u00f6nnen kombiniert werden, um bestimmte “Zwischen”-Artikulationen zu erzeugen.  Zum Beispiel, portato ist die Kombination aus tenuto und staccato.  Einige Instrumente verf\u00fcgen \u00fcber einzigartige Methoden, um Kl\u00e4nge zu erzeugen, wie z Spicatto f\u00fcr gestrichene Saiten, bei denen der Bogen von der Saite abprallt.Textur[edit]  In der Musik ist die Textur, wie die melodischen, rhythmischen und harmonischen Materialien in einer Komposition kombiniert werden und so die Gesamtqualit\u00e4t des Klangs in einem St\u00fcck bestimmen.  Textur wird oft in Bezug auf die Dichte oder Dicke und den Bereich oder die Breite zwischen tiefsten und h\u00f6chsten T\u00f6nen in relativen Begriffen beschrieben sowie genauer nach der Anzahl der Stimmen oder Stimmen und der Beziehung zwischen diesen Stimmen unterschieden .  Eine dicke Textur enth\u00e4lt beispielsweise viele “Schichten” von Instrumenten.  Eine dieser Schichten k\u00f6nnte eine Streichergruppe oder ein anderes Blech sein.Die Dicke wird auch von der Anzahl und dem Reichtum der Instrumente beeinflusst, die das St\u00fcck spielen.  Die Dicke variiert von leicht zu dick.  Ein leicht strukturiertes St\u00fcck hat eine leichte, sp\u00e4rliche Kerbe.  Ein dickes oder stark strukturiertes St\u00fcck wird f\u00fcr viele Instrumente notiert.  Die Textur eines St\u00fccks kann durch die Anzahl und den Charakter der gleichzeitig gespielten Stimmen, das Timbre der Instrumente oder Stimmen, die diese Stimmen spielen, sowie die Harmonie, das Tempo und die Rhythmen beeinflusst werden.[[Category:Wikipedia_articles_needing_page_number_citations_from_July_2015]][[[Wikipedia:Citing_sources|page needed]]]_59-0″ class=”reference”>[[[Wikipedia:Citing_sources”>[59]  Die nach Anzahl und Verh\u00e4ltnis der Teile kategorisierten Typen werden analysiert und durch die Kennzeichnung der prim\u00e4ren Texturelemente bestimmt: prim\u00e4re Melodie, sekund\u00e4re Melodie, parallele unterst\u00fctzende Melodie, statische Unterst\u00fctzung, harmonische Unterst\u00fctzung, rhythmische Unterst\u00fctzung und harmonische und rhythmische Unterst\u00fctzung.[60]Zu den g\u00e4ngigen Typen geh\u00f6rten monophone Textur (eine einzelne melodische Stimme, wie ein St\u00fcck f\u00fcr Solo-Sopran oder Solo-Fl\u00f6te), biphone Textur (zwei melodische Stimmen, wie ein Duo f\u00fcr Fagott und Fl\u00f6te, bei der das Fagott einen Bordunton spielt und die Fl\u00f6te spielt). die Melodie), polyphone Textur und homophone Textur (Akkorde, die eine Melodie begleiten).[citation needed]Form oder Struktur[edit]  Ein musikalischer Kanon. Encyclopaedia Britannica nennt einen “Kanon” sowohl eine Kompositionstechnik als auch eine musikalische Form.[61]Der Begriff Musikform (oder Musikarchitektur) bezieht sich auf die Gesamtstruktur oder den Gesamtplan eines Musikst\u00fccks und beschreibt den in Abschnitte unterteilten Aufbau einer Komposition.[62]  In der zehnten Ausgabe von Der Oxford Companion to Music, Percy Scholes definiert musikalische Form als “eine Reihe von Strategien, die darauf abzielen, einen erfolgreichen Mittelweg zwischen den entgegengesetzten Extremen der ungelinderten Wiederholung und der ungemilderten Ver\u00e4nderung zu finden.”  Laut Richard Middleton ist die musikalische Form \u201edie Form oder Struktur des Werkes\u201c.  Er beschreibt es durch den Unterschied: die Entfernung von einer Wiederholung;  Letzteres ist der kleinste Unterschied.  Der Unterschied ist quantitativ und qualitativ: wie weit, und von welcher Art, unterschiedlich.  In vielen F\u00e4llen h\u00e4ngt die Form von Aussage und Neuformulierung, Einheit und Vielfalt, Kontrast und Verbindung ab.[[Category:Wikipedia_articles_needing_page_number_citations_from_July_2015]][[[Wikipedia:Citing_sources|page needed]]]_64-0″ class=”reference”>[[[Wikipedia:Citing_sources”>[64]Ausdruck[edit]  Musikalischer Ausdruck ist die Kunst, Musik mit emotionaler Kommunikation zu spielen oder zu singen.  Zu den Ausdruckselementen der Musik geh\u00f6ren dynamische Angaben wie Forte oder Piano, Phrasierung, unterschiedliche Qualit\u00e4ten von Timbre und Artikulation, Farbe, Intensit\u00e4t, Energie und Spannung.  Alle diese Ger\u00e4te k\u00f6nnen vom Ausf\u00fchrenden integriert werden.  Ein Darsteller zielt darauf ab, im Publikum sympathische Reaktionen hervorzurufen und die physischen und emotionalen Reaktionen des Publikums zu erregen, zu beruhigen oder auf andere Weise zu beeinflussen.  Musikalischer Ausdruck wird manchmal durch eine Kombination anderer Parameter erzeugt und manchmal als eine transzendente Qualit\u00e4t beschrieben, die mehr ist als die Summe messbarer Gr\u00f6\u00dfen wie Tonh\u00f6he oder Dauer.Der Ausdruck auf Instrumenten kann eng mit der Rolle des Atems beim Singen und der nat\u00fcrlichen F\u00e4higkeit der Stimme verbunden sein, Gef\u00fchle, Gef\u00fchle und tiefe Emotionen auszudr\u00fccken.[clarification needed]  Ob diese irgendwie kategorisiert werden k\u00f6nnen, ist vielleicht das Reich der Akademiker, die den Ausdruck als ein Element der musikalischen Darbietung betrachten, das eine durchweg erkennbare Emotion verk\u00f6rpert und im Idealfall eine sympathische emotionale Reaktion bei seinen Zuh\u00f6rern hervorruft.  Der emotionale Inhalt des musikalischen Ausdrucks unterscheidet sich vom emotionalen Inhalt bestimmter Kl\u00e4nge (zB ein erschreckend lauter \u201eKnall\u201c) und gelehrter Assoziationen (zB einer Nationalhymne), kann aber selten vollst\u00e4ndig von seinem Kontext getrennt werden.[citation needed]Die Komponenten des musikalischen Ausdrucks sind nach wie vor Gegenstand umfangreicher und ungel\u00f6ster Auseinandersetzungen.[[Category:Wikipedia_articles_needing_page_number_citations_from_July_2015]][[[Wikipedia:Citing_sources|page needed]]]_66-0″ class=”reference”>[[[Wikipedia:Citing_sources”>[66][[[Wikipedia:Citing_sources”>[68][[[Wikipedia:Citing_sources”>[70]"},{"@context":"http:\/\/schema.org\/","@type":"BreadcrumbList","itemListElement":[{"@type":"ListItem","position":1,"item":{"@id":"https:\/\/wiki.edu.vn\/wiki25\/#breadcrumbitem","name":"Enzyklop\u00e4die"}},{"@type":"ListItem","position":2,"item":{"@id":"https:\/\/wiki.edu.vn\/wiki25\/2021\/10\/30\/musiktheorie-wikipedia\/#breadcrumbitem","name":"Musiktheorie \u2013 Wikipedia"}}]}]