Ilia Kabakov – Wikipedia

Ilya Iossifovitch Kabakov (in russo : Ilya iosifovich Kabakov ), nato il 30 settembre 1933 In DniePropetrovsk (Ucraina RSS) è un artista concettuale russo e americano.

Ha lavorato per trent’anni a Mosca, dagli anni ’50 alla fine degli anni ’80. Ora ha vissuto e lavorato a Long Island. È stato classificato da Artnews come uno dei “dieci più grandi artisti viventi” nel 2000.

Durante i suoi quarant’anni di carriera, Kabakov ha prodotto un gran numero di dipinti, disegni, installazioni e testi teorici. Negli ultimi anni, ha creato installazioni che evocano la cultura dell’Unione Sovietica, sebbene questo tema non sia mai stato l’unico interesse del suo lavoro. A differenza degli artisti del dissidente sovietico, Kabakov si avvicina all’Unione degli artisti sovietici nel 1959, e divenne membro nel 1965. È una posizione prestigiosa in URSS e questo gli offre sostanziali vantaggi materiali. Kabakov illustra ogni anno, per 3- 6 mesi , dai libri per bambini e trascorre il resto del suo tempo per i suoi progetti.

Usando biografie fittizie, molto ispirate dalle sue stesse esperienze, Kabakov cerca di spiegare la nascita e la morte dell’Unione Sovietica, per lui la prima società moderna a scomparire. Nell’Unione Sovietica, Kabakov scopre elementi comuni a ciascuna società moderna ed esamina la differenza tra capitalismo e comunismo. Piuttosto che interpretare l’Unione Sovietica come un progetto socialista battuto dalle economie occidentali, Kabakov lo descrive come un progetto utopico tra molti altri, incluso il capitalismo. Studiando i conti e le prospettive storiche, Kabakov consegna come un messaggio che ogni progetto, pubblico o privato, importante o insignificante, ha la possibilità di fallire a causa del potenziale autoritario del potere.

Emilia Kabakov, nata nel 1945 a DniePropetrovsk in Ucraina è una pittore e scultore russa. Laureata alla Mosca State University, lavora dal 1989 con suo marito Laya Kabakov.

Ilya Kabakov è nato il 30 settembre 1933 a DniePropetrovsk (Repubblica socialista sovietica dell’Ucraina). Sua madre, nata Bertha Solodoukhina, e suo padre sono ebrei. Suo padre parlava solo di yiddish e sua madre leggevano solo l’ebraico. Il padre di Ilya, Joseph Kabakov, descritto come un autoritario, morì durante la seconda guerra mondiale.

Formazione scolastica [ modificatore | Modificatore e codice ”

Nel 1951, all’età di 18 anni , Kabakov entrò nel Mosca Sourikov Institute per studiare le arti grafiche. Questa scuola d’arte era considerata la più prestigiosa dell’Unione Sovietica. Si è laureato nel 1957.

Carriera [ modificatore | Modificatore e codice ”

Nel 1959, Kabakov divenne un “membro candidato” dell’Unione degli artisti sovietici (divenne membro a pieno titolo nel 1965). Questo status gli dà un seminario, lavora come illustratore e uno stipendio relativamente corretto. Ricorda di essere “ricco” rispetto alla maggior parte dei sovietici. Nel 1962, ha condiviso uno studio con l’artista non ufficiale Estonian Ulo Sooster che ha influenzato.

“Dipendente pubblico” contro “dissidenti” [ modificatore | Modificatore e codice ”

Nell’Unione Sovietica, gli artisti dissidenti non potevano né acquistare materiali né esibirsi in pubblico. Tuttavia, Kabakov, un illustratore e artista ufficiale, può esibire il suo lavoro “privato” nel suo laboratorio. Tra il 1953 e il 1955, iniziò a fare il suo primo lavoro personale, “disegni per me”. L’espressione “disegni per me stesso” può essere sia il titolo dell’opera che una spiegazione. Nessuno di questi progetti è andato oltre la fase di schizzo. Erano spesso simili nella forma alle illustrazioni del suo libro e non le portavano via. In tutta la sua carriera, la tensione tra lavoro ufficiale e non ufficiale perseguiterà Kabakov.

Influece the Falk [ modificatore | Modificatore e codice ”

Alcuni di questi disegni sono sopravvissuti e saranno inclusi nelle successive opere grafiche, ad esempio gli album di Kabakov negli anni ’70. Il suo incontro con l’artista Robert Falk, un modernista pre-rivoluzionario che ha lavorato in uno stile chiamato “Cézanism-Cubisme ha costruito una svolta a svolta . Falk era ben noto al di fuori dell’Unione Sovietica, ma dagli anni ’30 era vietato lavorare “professionalmente”. Falk non si è mai sottoposto alle autorità e continuò a lavorare nel suo stile fino alla sua morte nel 1958. Sebbene lo stile di Falk fosse lungi dall’essere considerato d’avanguardia a ovest, Kabakov e i suoi coetanei non avevano familiarità con il lavoro del Primi artisti sovietici d’avanguardia come Malevich e Tatline da quando il loro lavoro non è mai stato esposto o discusso. La visita, in segreto, presso il seminario e le opere di Falk hanno dovuto liberare Kabakov mostrandogli che un artista poteva lavorare in modo indipendente.

Anni ’60 [ modificatore | Modificatore e codice ”

Fine di “Dégel” [ modificatore | Modificatore e codice ”

Nel 1962, una mostra dell’Unione degli artisti di Mosca fu l’occasione per attaccare Nikita Krushchev contro l’arte moderna. L’incidente ha segnato la fine dell’era Dégel che era iniziata nel 1956. Lo stesso anno, Kabakov ha prodotto diverse serie di “assurdi disegni”. Questi furono successivamente pubblicati nel 1969 in una rivista di Praga. In passato, Kabakov aveva già avuto un assaggio per provocare pubblicamente il regime sovietico. Nel 1965, un membro del partito comunista italiano espose un certo numero di opere di artisti dell’URSS di Aquila in Italia. Lo scopo di questa mostra era dimostrare che l’Unione Sovietica aveva una maggiore diversità culturale di quella che i sovietici occidentali e persino i sovietici potevano sapere. Kabakov ha prestato disegni intitolato Docce .

Docce [ modificatore | Modificatore e codice ”

Nella serie del 1965, un uomo era rappresentato sotto una doccia, ma senza acqua. Per Kabakov, è una semplice metafora universale sull’individuo che si aspetta sempre qualcosa, ma non riceve mai nulla. Invece, gli italiani e le critiche al comunismo hanno interpretato questo lavoro come una critica alla cultura sovietica e alla sua mancanza di ricompensa materiale. La cattiva pubblicità ricevuta da Kabakov a seguito di questa mostra gli ha impedito di ottenere il lavoro come illustratore per quattro anni, costringendolo a lavorare sotto uno pseudonimo. L’uso di un alter ego diventerà frequente nel lavoro non ufficiale di Kabakov.

Gruppo Boulevard de Sretensky [ modificatore | Modificatore e codice ”

Un gruppo di artisti che viveva nel Boulevard de Sretensky sono raggruppati dalle loro idee simili negli anni ’60. I principali artisti noti sono Kabakov, Eduard Steinberg, Erik Bourato, Viktor Pivavarov e Vladimir Yankilevsky, il gruppo ha anche capito Oleg Vassiliev, Uluo Sobboi e altri con la stessa preoccupazione. I seminari degli artisti sono stati anche usati come luoghi di incontro per mostrare e scambiare idee sull’arte non ufficiale. La maggior parte degli artisti che facevano parte del gruppo Boulevard de Stretensky ha funzionato ufficialmente come illustratori di libri e grafici. C’era un forte contrasto tra un gruppo chiamato Lianozovo Artisti, un gruppo informale attorno all’Oscar Rabin, che erano principalmente pittori astratti. Questo particolare gruppo è stato spesso molestato e in alcuni casi sono stati imprigionati o esiliati. È ovvio che Kabakov e i suoi collaboratori erano conformisti dalla strategia di sopravvivenza, una tattica che è iniziata alla scuola d’arte. Kabakov indica che a scuola e in tutta la sua carriera ha fatto tutto ciò che ci aspettavamo da lui e ha accettato, in superficie, realtà sovietica.

Serie russe [ modificatore | Modificatore e codice ”

Fu in officina del Boulevard de Stretensky che il lavoro non ufficiale di Kabakov fece un nuovo giro. Prima che il suo lavoro fosse costituito da disegni relativamente modesti – dimensioni di circa 8 × 11 pollici. Ha iniziato a creare un lavoro considerevolmente più grande. Là Serie russe , 1969, è composto da tre dipinti. Tutti hanno dimensioni da 49 × 77 pollici e sono coperti di marrone arenaceo. In ciascuno, ci sono dettagli meticolosi e oggetti di superficie o nascosti sotto il colore arenaceo. I dettagli interrompono l’aspetto fisso del riparatore, che altrimenti sarebbe schiacciato dal colore email marrone. IL Serie russe sono un prototipo per il lavoro successivo di Kabakov perché questi dipinti sono accompagnati dal testo.

In ciascuna delle tre opere del Serie russe , i dettagli si trovano negli angoli o lontano dal centro. L’integrità “del colore arenaceo, quella del suolo” viene lasciata intatta, interrotta in modo quasi riservato o erroneamente riservato. Eppure il dominio del centro occupa lo spettatore, restituendo lo sguardo fisso nel mezzo e lontano dalle anomalie del colore. Kabakov ripeterà questa strategia nel 1983-1988 con una seconda serie Tre dipinti verdi . In questa serie, piuttosto che interpretare oggetti, ha messo testi a sinistra e diritti più elevati di quello che è altrimenti un campo di smalto di vernice verde.

Kabakov ha detto che i colori erano i personaggi principali della serie russo e di Tre dipinti verdi . Il colore arenaceo marrone del terreno della prima serie fu il dipinto usato nell’Unione Sovietica negli anni ’50 e ’60 per dipingere tutto, dai tetti ai vestiboli, ma molto spesso ai pavimenti. Kabakov specifica che il colore dello stato è rosso, ma il colore del paese è grigio, per la sua “esistenza monotona”. Kabakov assegna a questi colori un significato metafisico sulla terra e la natura come comandato e rappresentato dallo stato sovietico. Quindi suggerisce questo se mescoli questi due colori che finisci verso l’alto con il colore arenaceo marrone del terreno, che si riferisce ai pavimenti e alla terra che sostengono i piedi del popolo dell’Unione Sovietica. Il verde della seconda serie è un smalto che è stato utilizzato per dipingere la parte inferiore delle pareti fino a un metro di altezza per proteggerle dallo sporco e dal taglio. Per Kabakov, questi colori evocano inevitabili sentimenti di disperazione. L’ideologia politica è assente e esistono solo colori impersonali per dominare i dispositivi minori, che sono testi e oggetti.

Volare [ modificatore | Modificatore e codice ”

Durante gli anni ’60, il lavoro di Kabakov divenne più sperimentale e meno regolare. Alcuni dei suoi temi più noti stanno iniziando a svilupparsi in questo decennio. Per esempio, La regina vola Dal 1965 è un’opera piccola e molto singolare, una composizione decorativa e semi-geometrica copre una base e una cornice in compensato. Tuttavia, la mosca, l’unico elemento separato del dipinto, è anche l’elemento principale, che viene riprodotto durante il lavoro di Kabakov.

Il tema della mosca è così importante che è rimasto nel lavoro di Kabakov. L’installazione a Colonia, La Vie des Mouches (1992), è costituita da diverse sale in cui l’economia, la politica, la cultura e l’intera civiltà, dell’Unione Sovietica, sono associate a mosche. Questa compagnia è così noiosa che anche le mosche muoiono. Nell’intero lavoro di Kabakov le mosche rappresentano due temi apparentemente diversi: vite umane e immondizia.

Anni ’70 [ modificatore | Modificatore e codice ”

Negli anni ’70, diversi fattori hanno portato Kabakov a diventare più concettuale. Il primo è stato l’adozione da parte dell’intellighenzia sovietica della teoria strutturalista francese, che ha permesso il divario dell’arte del suo contesto. Successivamente, forse in parte a causa dell’influenza del strutturalismo, l’intellighenzia iniziò a mettere in discussione l’atteggiamento di un amico-ou-emi verso l’ideologia sovietica. Artisti e intellettuali dissidenti iniziarono a essere visti dagli strutturalisti russi come ora l’abisso nella società tra le “patate” delle società industriali industriali e occidentali. Negli anni ’70, anziché essere anti-sovietici e filo-occidentali, molti artisti hanno assunto una posizione neutra che ha permesso loro di mettere in discussione e analizzare lo spazio percepito tra le ideologie.

I concettuali di Mosca [ modificatore | Modificatore e codice ”

Per Kabakov, questi sviluppi hanno portato i suoi amici e colleghi a costituire un gruppo che è diventato famoso come “Mosca concettualisti” e che si è sviluppato al di fuori del gruppo su Boulevard de Stretensky. È difficile determinare esattamente chi fosse un membro del gruppo, poiché il limite è sfocato, includeva gli artisti folli e le azioni collettive del gruppo, ed entrambi erano influenti nella costruzione dell’arte concettuale russa.

Album e dieci personaggi [ modificatore | Modificatore e codice ”

Prima di creare le installazioni per le quali Kabakov è conosciuta in tutto il mondo, Kabakov ha creato album fittizi. Ha creato un totale di cinquanta. Ogni album è la storia di un personaggio che può spesso superare la banalità dell’esistenza quotidiana, o “un uomo piccolo, posseduto da grandi idee. »I primi dieci album sono in serie Dieci caratteri (10 personaggi, in inglese) (1972-75). Nella storia dei dieci personaggi, un uomo cerca di scrivere la sua autobiografia e si rende conto che non gli è mai successo nulla e che la maggior parte della sua vita è fatta di impressioni su persone, luoghi e oggetti. Così crea dieci personaggi diversi per spiegare la sua percezione del mondo.

Ogni storia ha un testo con un’illustrazione, che dimostra che il lavoro ufficiale di Kabakov come illustratore è una forte presenza nel suo lavoro “non ufficiale”. In uno degli album di Dieci caratteri , chiamato Furto di zanzare , I cittadini sovietici prendono le ali di piccoli modelli di aerei, alcuni sono tirati da stringhe come sciatori nautici nel cielo. Le illustrazioni ritraggono anche, in un disegno di moda, gli abitanti della città si tengono per mano e formano grandi cerchi mentre fluttuano nel cielo. I disegni sono pieni di fantasia e possono essere facilmente utilizzati in un libro per bambini, nell’Unione Sovietica, ma anche in Occidente. La spiegazione scritta, tuttavia, suggerisce un significato più profondo e forse più cinico.

Kabakov dichiara che i suoi album sono un genere a parte, tra diversi tipi di arte, letteratura, arti grafiche e cinema. “Più di ogni altra cosa”, suggerisce che “gli album” sono una specie di teatro domestico di … come il vecchio teatro presentato sul posto de Ville in the Open. Confronta i suoi album con il teatro in cui lo spettatore viene preso dall’azione e dall’oscurità, il che non gli consente l’esame e la valutazione dell’azione. L’interesse di dare allo spettatore la libertà di agire e interpretare il lavoro è fondamentale per Kabakov. Nessuno dei suoi lavori è didattico o cerca di dare un messaggio politico.

Anni ’80 [ modificatore | Modificatore e codice ”

Emigrazione in Occidente [ modificatore | Modificatore e codice ”

A differenza di molti artisti sovietici che emigrarono in Occidente verso la fine degli anni ’70 e i primi anni ’80, Kabakov rimase in URSS fino al 1987. Il suo primo viaggio in Occidente fu Graz, in Austria quando il Kunstverein gli diede una residenza di un artista. Tra il 1988 e il 1992, Kabakov non aveva una residenza permanente, tuttavia rimase in Occidente, lavorando e vivendo brevemente in ogni paese. Rispetto a molti emigranti artisti sovietici, Kabakov riuscì immediatamente. Tra il 1988 e il 1989, aveva mostre a New York, Berne, Venezia e Parigi. Nel 1989, Kabakov iniziò anche a lavorare con un altro artista, Emilia, che in seguito divenne sua moglie. Fu solo nel 1992 che i Kabakovs andarono a New York, dove si stabilirono.

2000 [ modificatore | Modificatore e codice ”

Zoom Sur Monuments 2014 [ modificatore | Modificatore e codice ”

Per la sesta edizione di investito 13.500 M ² della navata del Grand Palais. “Non siamo rimasti colpiti dalle dimensioni del progetto perché siamo abituati a fare creazioni di grandi dimensioni, ma avevamo paura della luce mutevole del tetto di vetro. Questo è il motivo per cui abbiamo chiuso i diversi spazi. Ciò consente anche di creare un contrasto. Il visitatore lascia la realtà di Parigi per entrare in quella dell’artista. Spiega Emilia Kabakov.

I Kabakov giocano sulle dimensioni delle forme, le dimensioni eccezionali del monumento e sul gigantismo delle idee. Invitato a Parigi, la città in cui, con il padiglione sovietico della mostra del 1925, Rodchenko e Melnikov hanno messo in scena l’utopia più pura, Ilya ed Emilia Kabakov desiderano spiegare queste grandi visioni di progresso, scienza e elevazione dell’uomo, che sono stati in grado condurre sull’orlo del disastro.

Ci invitano a scoprire la strana città. Questa città ideale è accessibile da un labirinto circondato da un doppio recinto che ospita cinque padiglioni. Mira a essere una parabola sulle cinque età della vita. I cinque edifici sono decorati con nomi misteriosi: Il museo vuoto , Mio , Il Centro di energia cosmica , Come incontrare un angelo? , Le porte . In ogni costruzione, il visitatore si ritrova in un mini-Museo, costruito in modo circolare, con una stanza centrale, tele e modelli sulle piste. Questi cinque edifici mettono in relazione cinque diverse storie dalla ricerca di un oltre realistico, una possibile utopia qui sotto, un sogno umano che tocca l’universale usando diversi elementi: dipinti, disegni e modelli. La sfida è immergere i visitatori in un universo oltre la vita ordinaria, in metafisica e sacro.

La presenza del doppio recinto è una metafora interessante. Questa fortezza ricorda le nostre stesse mura che costruiamo per proteggerci dall’ambiente esterno e managarci nei nostri appartamenti. Questo doppio recinto che può essere attraversato, simboleggia più il desiderio di proteggersi che dalla protezione davvero efficace.

Questa mostra ha lo scopo di perdere il visitatore che non sa più da dove cominciare o in quale edificio è andato. “Quando veniamo da un regime totalitario, l’URSS, volevamo imporre una strada al visitatore”, ha detto Emilia Kabakov. Infine, abbiamo preferito dargli la libertà di scegliere. Resta da vedere se questa scelta è un’illusione o una realtà. Questo spazio labirintico ha lo scopo di fermare i visitatori nel loro frenetico ritmo, per invitarli a fare una pausa, a non parlare, a non a scattare foto o persino a fare una foto ma a guardare. È un incentivo per tutti i visitatori della vera introspezione, a pensare alla loro esistenza, al loro passato e al loro futuro.

Monumenta 2014 è stato realizzato grazie al patrocinio in particolare di Leonid Mikhelson, la terza fortuna della Russia, a capo di Novatek, una società di produzione di gas naturale in Russia.

Per entrare nella mostra, il visitatore deve prima seguire un grande muro. Porta quindi a una cupola di vetro invertita, scintillante grazie a più di un migliaio di tubi fluorescenti, rendendo l’effetto di un vetro colorato luminoso in una cattedrale. La luce cambia lentamente al ritmo della musica. Questa cupola in acciaio di 24 tonnellate e più di 13 metri di diametro si riferisce al baldacchino seghettato del Grand Palais. Questa cupola Art Nouveau è posizionata nell’obliquo, 60 gradi . Questa inclinazione è quella delle piramidi dell’Egitto. Questa immensa struttura era un ordine inizialmente dal direttore dell’opera Gérard Mortier come arredamento per il Saint-François d’Assise Opera, da Olivier Messiaen al Festival Ruhr, in Germania, nel 2003, poi a Madrid. Questa cupola sembra un enorme radar cosmico che vediamo dopo aver aggirato il recinto della “città”. Prima di entrare nella città stessa, una sorta di medina con un candore celeste, devi perdere un arco bianco, evocare una rovina ed entrare nella fortezza.

Il museo vuoto [ modificatore | Modificatore e codice ”

La sala del museo è classica. Il visitatore è invitato a sedersi. Nell’oscurità e sulle pareti rosso marrone delimitate da dorature senza dipinti, vengono proiettate macchie ovali di luce. Il museo diventa il luogo della dematerializzazione. La sfida dell’artista è quella di portare il visitatore in uno spazio diverso e sorprendente, lavorando sulla mancanza di illuminazione e sulla musica che riempie lo spazio. Il visitatore si chiede di ciò che è visibile, che non è e di essere introspezione. La scarsa luce consente al visitatore di avere una certa forma di concentrazione. “Penso che la luce debba anche essere un modo per risvegliare i ricordi dello spettatore, per suscitare tutte le possibili associazioni in lui”, afferma Ilya. Il colore delle pareti è anche una forma di linguaggio. L’unica visione di queste pareti è sufficiente per mettere in vena.

Una colonna sonora consente alle note del filtro Organo Bach Passacaille. La musica ha sempre avuto un posto essenziale dagli anni ’90, sia con il vagone rosso che nel 1991 o questo è dove viviamo, l’installazione al centro Pompidou nel 1995. Per ilya, “La musica è usata principalmente per immergere lo spettatore in un estremamente emotivo e nostalgico Sound Universe per risvegliare tutte le possibili associazioni in lui (…) e talvolta anche per provocare contraddizioni con le immagini
visivo. »»

Mio [ modificatore | Modificatore e codice ”

Nello spazio “Manas” ci sono i modelli di due città identiche, una terrena, l’altra spirituale. L’edificio allude a una città utopica in Tibet, Manas. “Ha la distinzione di essere sulla terra e di averla doppia nel cielo. Circondato da montagne, ciascuno si alza sui bordi del cratere di un vulcano e sembra uscire da un sogno. Questo edificio è costruito come un cratere estinto che magnetizza gli spiriti del mondo.

Il Centro di energia cosmica [ modificatore | Modificatore e codice ”

Dalla parte superiore delle otto montagne che lo trascurano, gli studiosi cercano di catturare i segnali cosmos usando parabole gigantesche. Costruito su scavi archeologici, questa struttura è presentata sotto forma di modelli. Allude alla teoria sviluppata da Vladimir Vernadsky. Dovrebbe essere una fonte di creatività artistica comunicando con la noosfera, una sfera di pensiero umano che viene aggiunta alla geosfera e alla biosfera.

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Questo edificio presenta realisticamente le diverse possibilità offerte per incontrare un angelo. L’umorismo e la poesia colorano le soluzioni previste dalla coppia di Kabakov. Uno dei metodi è quello di fare un paio di ali, indossare qualche minuto al giorno, per due o tre settimane. Al centro, una scultura alta due metri rappresenta un uomo nella parte superiore di una grande scala. Ma l’uomo può alzarsi, raggiungendo un personaggio alato mentre un corsetto delle ali suggerisce una possibilità di elevazione, non riesce a unirsi alle creature celesti. Questo lavoro ha lo scopo di riflettere sui guasti di tutte le utopie per creare altre possibilità di vivere insieme. Il riferimento biblico sulla scala di Giacobbe e la capacità degli uomini di credere nel loro destino e nell’intervento divino è esplicito.

The Angel è una figura ricorrente nelle opere precedenti: la casa con i personaggi nel 2009 Installato Place Amélie Raba-Léon a Bordeaux ^{[ Primo ”} , Utopia e realtà? Con i dipinti di El Lissitzky, al Multitimedia Art Museum di Mosca nel 2013. L’angelo è associato alla libertà di movimento e al pensiero. Ti permette di liberarti dal giogo dell’apparato sovietico. Come sottolinea Robert Storr, critico americano: “Le persone e le cose nell’universo di Kabakov non possono andare da nessuna parte altrimenti. Le levitazioni obbediscono anche a una legge estetica di gravitazione specifica all’arte russa: angeli, contadini e forme geometriche pure, come i dischi suprematisti di Malevitch, volano molto spesso con la massima facilità. Il cittadino Komarov si alza sopra i tetti della città come i rabbini di Chagall galleggiano sopra lo shtetl. “Nel catalogo delle illusioni, in cui vediamo l’essere umano battere con competenza e determinazione per progetti più o meno utopici, questo lavoro del Kabakov mostra l’uomo nelle sue incessanti ricerche per aumentare.

Portali [ modificatore | Modificatore e codice ”

In questo edificio, dodici dipinti hanno ciascuno un’enorme porta dipinta in vari momenti della giornata, svanendo nella luce o nell’oscurità. Queste porte sono immerse in magnifiche pile di colori, a volte appena visibili. Posizionati nel mezzo del nulla, sembrano non portare a nulla o a simboleggiare un ritorno o persino una partenza verso un altrove. L’edificio “portale” fa eco all’idea di attraversare, la fine della vita ma anche del ricordo della scomparsa. Queste porte evocano riti di passaggio per realizzare in esistenza.

All’esterno dell’altoparlante circolare, altre due costruzioni si trovano nell’estensione della navata del Grand Palais.

Le cappelle [ modificatore | Modificatore e codice ”

Nella cappella bianca, le pareti sono interamente coperte 76 tela Alternate con grandi superfici bianche e luminose che lasciano spazio per l’immaginazione. Questi frammenti di immagini, come i ricordi, assomigliano a un caleidoscopio che tende alla scomparsa. Le tabelle riecheggiano le immagini dispiegate dall’ideologia russa. Queste sono immagini di felicità desiderate dal regime dipinto come realismo socialista e in modo accademico. Quando dipinge “nel modo” dell’arte ufficiale e dei pittori di realismo del socialismo, quindi schiera tutta l’ambiguità, la derisione e il paradosso che gli piace dimostrare. L’uso di toni blu, verde, rosa e malva rafforza il carattere idealista e delicatamente sottile di queste opere.

In “La Chapelle Dark”, sei giganteschi dipinti dipinti, ispirati dai riferimenti barocchi di XVI ^È E XVII ^È Secoli e ricordi personali su uno sfondo nero sono sospesi nel vuoto, senza alti o bassi, permettendo al visitatore di immergersi nel dipinto. È la prima volta che l’artista ha creato come grandi tele e si allontana da tutti questi pasticcini che ha usato per ottenere attorno alla pittura realistica socialista o all’avanguardia russa. Non siamo più in linea con la Cappella di Houston Rothko, un’esperienza mistica in cui il visitatore è tutt’uno con il dipinto.

Ogni cappella mostra elementi della vita degli artisti nel mezzo della Grande Storia. L’individuo si dissolve nell’universale, il mistico nell’umano, nel sogno nella realtà.

Fonti di ispirazione e tematica [ modificatore | Modificatore e codice ”

I riferimenti [ modificatore | Modificatore e codice ”

La coppia di Kabakov trae ispirazione dal Rinascimento, dal romanticismo e dalla scienza moderna. Allusioni bibliche (scala di Jacob, la caduta degli angeli) sono vicine a riferimenti storici (neo-classicismo stalinista, utopie suprematisti, basi militari). La Russia in queste strutture attraverso la sua dimensione politica, economica, sociale e culturale è onnipresente.

Tema di Monumenta 2014 [ modificatore | Modificatore e codice ”

La mostra Monumenta è l’opera più grande mai fatta dai due artisti. Erano necessari cinque anni di lavoro. Non è una retrospettiva sulle loro opere ma una retrospettiva delle loro idee e della loro coscienza. I temi chiave del loro lavoro, dell’utopia, della solitudine, della decelerazione, dello spazio (nel senso oltre), il passato sono messi in scena. Dato che Kabakov è anche uno degli artisti più cinematografici del suo tempo, un Tarkovski di arte contemporanea, pratica un’arte di immersione. Il suo obiettivo è per perdersi per offrirci per scoprirci, per incontrarci.

Secondo Emilia, con questa mostra “Volevamo permettere agli altri di riflettere sulla sua vita, sulla sua anima, sui suoi obiettivi, sulla società che vuole, respingendolo dalla vita quotidiana, il mondo del tempo libero per costringerlo a pensare”. “Questa volta vorremmo costruire più di un’installazione, vogliamo ottenere qualcosa di diverso: erigere la strana città è insistere sull’esperienza piuttosto che sulla forma del progetto, chiedendoti di rallentare la tua razza nella vita reale, E per chiamare le tue emozioni, i tuoi sensi, i tuoi ricordi. Ti invitiamo a venire nel Grand Palais per entrare nella strana città, uno spazio onirico dall’immaginazione collettiva, a pensare e a riflettere su arte, cultura, vita quotidiana, nostro presente e il nostro futuro. Quello che voglio è che il visitatore sia preso come in un labirinto, che va e viene, che si ferma, che prende il tempo di contemplazione e riflessione. “Tutti troveranno qualcosa che risuonerà in lui. Iya e io non siamo religiosi, ma crediamo nella possibilità di un “miracolo” all’angolo della strada. Nel mondo di Kabakovs, i musei fungono anche da templi che aprono le porte di un universo che è sia sensuale che concettuale, poetico e politico, realistico e spirituale.

I Kabakov vogliono creare uno spazio artistico sacro. La sfida per i due artisti è sfuggire alla “civiltà di Facebook”: “Le persone scattano foto dei dipinti invece di guardarli. La loro realtà non è più reale. ». Per i Kabakovs, il museo è uno spazio sacro, una “chiesa d’arte”. Fare una foto finisce per i due artisti davvero cari. “Tutto è così veloce che abbiamo dimenticato il significato della vita”, afferma Emilia Kabakov. Abbiamo troppo tendente ad essere in una realtà virtuale. Qui invitiamo le persone a riflettere sulla vita. Ma spetta a tutti trarre le proprie conclusioni. »»

La loro installazione è una riflessione sul mondo e un’aspirazione in un universo spirituale di cui non dà soluzione ma suggerisce diversi: religione, scienza, ritorno a se stessi o al luogo del museo del sacro. È la condizione umana e il significato della vita che colpiscono il loro inestinguibile bisogno di spiritualità. Il ruolo dell’artista è che la coppia offra metafore che darà origine a diverse letture in cerca di vista e udito, memoria e immaginazione. Il visitatore entra in questa città – “strano piuttosto che autopico”, specifica Emilia Kabakov, per la quale “la parola utopia è abusata”.
La sensazione comprovata è di entrare in una dimensione più alta.

Le concept d’installazione immersiva [ modificatore | Modificatore e codice ”

Il filosofo tedesco, Peter Sloterdijk, li considera gli inventori del concetto di installazione immersiva. L’obiettivo è catturare il visitatore con l’installazione. In Russia, è tradizionale in una discussione voler attirare sempre l’attenzione dell’interlocutore perché durante questo scambio, tutti parlano e nessuno ascolta. Le relazioni con i genitori in Russia creano anche questo desiderio di suscitare costantemente attenzione. In effetti, i genitori spesso non rispondono alla richiesta di attenzione del loro bambino che rivendica una mancanza di tempo. Questo deficit di amore durante l’infanzia porta quindi a questo desiderio attenzionale. Nei paesi occidentali, il pubblico è indifferente a questo tipo di pratica artistica. L’interpretazione delle opere è tanto più difficile quando il pubblico non è a conoscenza del contesto. “Mi vedo costretto a incorporare lo spazio circostante nell’installazione. Questo porta a quella che chiamo un’installazione totale. “Specifica ilya.

Artisti nomadi, la coppia di Kabakov intervengono in tutto il mondo. Hanno creato quasi un centinaio di strutture, tra cui Eravamo a Kyoto , nel 1997, con Emilia.

Questa idea di installazione totale è nata da questo desiderio per catturare l’attenzione non con un singolo oggetto o un singolo tavolo ma con un set. Questo spazio chiuso consentirà la creazione di un’atmosfera singolare. I colori delle pareti, la posizione degli oggetti contribuiscono alla drammaturgia. Questa somma di oggetti influenzerà il pubblico. L’ambito di un’installazione non è per informare ma contattare la memoria individuale. La cultura europea è una base comune che ha costruito la nostra mentalità. Ma anche l’esperienza sovietica con la sua processione di paure, povertà, noia e scoraggiamento è essenziale. Diversi livelli di comprensione possono quindi essere detratti da questa installazione: quella della memoria interna e quella della visione come fonte di informazioni.

Robert Storr li pianifica come “meticolosi geometri degli spazi mentali sovietici”. Li considera “testimoni disillusi ma non amareggiati dal fallimento di un’utopia”.

Valutazione [ modificatore | Modificatore e codice ”

Dopo aver sperimentato un’oppressione molto maggiore di quella generalmente conosciuta in Occidente, i tentativi di Ilya Kabakov di spingere lo spettatore a riconoscere in lui alcuni aspetti della sua personalità che si prestano all’autoritarismo, ma anche, e in particolare all’immaginazione, caratteristiche che potrebbero liberarli dall’oppressione precedentemente accettata. Le installazioni di Kabakov sono documenti e promemoria di un progetto e di una società socialista che ha fallito. Le sue opere servono come storie e biografie fittizie che dimostrano le caratteristiche comuni a ciascun essere umano. Più recentemente, nel mondo dell’arte occidentale e in un mondo sempre più occidentalizzato, rompendo completamente con l’Unione Sovietica, ha continuato a salire all’universale e ha attaccato i discorsi di riferimento, ma sempre universali e concetti.

Bibliografia [ modificatore | Modificatore e codice ”

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• Conoscenza delle arti – Maggio 2014
• Magazine Beaux Arts – Maggio 2014

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