Miniatur (beleuchtetes Manuskript) – Wikipedia

Bild in einem alten oder mittelalterlichen beleuchteten Manuskript

Das Wort Miniatur, abgeleitet vom lateinischen Verb miniare (“zum Färben mit Minium“Eine rote Spur^[1]) zeigt eine kleine Illustration an, mit der ein altes oder mittelalterliches beleuchtetes Manuskript verziert wird; Die einfachen Darstellungen der frühen Kodizes wurden mit diesem Pigment abgebaut oder abgegrenzt. Der allgemein kleine Maßstab solcher mittelalterlichen Bilder hat zu etymologischer Verwechslung mit Kleinheit und zu ihrer Anwendung auf kleine Gemälde, insbesondere Porträtminiaturen, geführt.^[2] die jedoch aus der gleichen Tradition gewachsen sind und zumindest anfänglich ähnliche Techniken verwendeten.

Neben den westlichen und byzantinischen Traditionen gibt es eine weitere Gruppe asiatischer Traditionen, die im Allgemeinen eher illustrativer Natur ist. Aus den Ursprüngen der Manuskriptbuchdekoration entwickelten sich auch kleine Einzelblattgemälde, die in Alben aufbewahrt werden, die auch als Miniaturen bezeichnet werden , wie die westlichen Äquivalente in Aquarell und anderen Medien nicht. Dazu gehören persische Miniaturen und ihre mogulischen, osmanischen und anderen indischen Ableger.

Im Jahr 2020 erklärte die UNESCO die Miniaturkunst Aserbaidschans, Irans, der Türkei und Usbekistans zu einem Meisterwerk des immateriellen Kulturerbes der Menschheit.^[3]

Italien und Byzanz, 3. – 6. Jahrhundert[edit]

Die frühesten erhaltenen Miniaturen sind eine Reihe von farbigen Zeichnungen oder Miniaturen, die aus der Ambrosianischen Ilias, einem illustrierten Manuskript der Ilias ab dem 3. Jahrhundert. Sie ähneln in Stil und Behandlung der Bildkunst der späteren römischen Klassik. In diesen Bildern gibt es eine beträchtliche Vielfalt in der Qualität der Zeichnung, aber es gibt viele bemerkenswerte Beispiele für feines Figurenzeichnen, die in ihrer Stimmung ziemlich klassisch sind und zeigen, dass die frühere Kunst ihren Einfluss noch ausübte. Auch solche Hinweise auf Landschaft, wie sie zu finden sind, sind vom klassischen Typ, nicht konventionell im Sinne des mittelalterlichen Konventionalismus, sondern versuchen immer noch, der Natur zu folgen, wenn auch auf unvollkommene Weise; genauso wie in den pompejischen und anderen Fresken der Römerzeit.^[2]

Aus künstlerischer Sicht von noch größerem Wert sind die Miniaturen des vatikanischen Manuskripts von Virgil, bekannt als Vergilius Vaticanus, aus dem frühen 5. Jahrhundert. Sie befinden sich in einem perfekteren Zustand und in größerem Maßstab als die ambrosianischen Fragmente und bieten daher eine bessere Möglichkeit, Methode und Technik zu untersuchen. Die Zeichnung ist recht klassisch und es wird die Idee vermittelt, dass die Miniaturen direkte Kopien einer älteren Serie sind. Die Farben sind undurchsichtig: In der Tat war in allen Miniaturen früher Manuskripte die Verwendung von Körperfarben universell. Die Methode, mit der die verschiedenen Szenen auf der Seite platziert werden, ist sehr lehrreich für die Praxis der Künstler der frühen Jahrhunderte, wie wir annehmen können. Es scheint, dass der Hintergrund der Szene zuerst vollständig gemalt wurde und die gesamte Oberfläche der Seite bedeckt; dann wurden über diesen Hintergrund die größeren Figuren und Gegenstände gemalt; und wieder überlagerten sich die kleineren Details vor ihnen. (Der Algorithmus des Malers.) Wiederum wurde zum Zweck der Sicherung einer Perspektive eine Anordnung horizontaler Zonen verwendet, wobei die oberen Ziffern in kleinerem Maßstab als die folgenden enthielten.^[2]

Es war der byzantinischen Schule vorbehalten, sich entschiedener von der natürlichen Darstellung der Dinge zu lösen und künstlerische Konventionen zu entwickeln. Doch in den besten frühen Beispielen dieser Schule bleibt das klassische Gefühl bestehen, wie die Relikte der Miniaturen der Cotton Genesis und die besten Miniaturen der Wiener Dioskuriden bezeugen; und in den Miniaturen der späteren byzantinischen Manuskripte, die von früheren Beispielen kopiert wurden, ist die Reproduktion der Modelle treu. Wenn man jedoch die Miniaturen der byzantinischen Schule allgemein mit ihren klassischen Vorgängern vergleicht, hat man das Gefühl, vom Freien in den Kreuzgang übergegangen zu sein. Unter der Zurückhaltung der kirchlichen Herrschaft wurde die byzantinische Kunst immer stereotyper und konventioneller. Die Tendenz wächst, die Fleischfarben in dunklen Farbtönen zu malen, die Gliedmaßen zu verlängern und abzumagern und den Gang zu versteifen. Dafür sind Brauntöne, Blautöne und neutrale Farbtöne. Hier finden wir zunächst die technische Behandlung der Fleischmalerei, die später zur Spezialpraxis italienischer Miniaturisten wurde, nämlich das Aufbringen der eigentlichen Fleischfarben auf einen Grund aus Oliven-, Grün- oder anderen dunklen Farbtönen. Die Landschaft, wie sie war, wurde bald ziemlich konventionell und gab das Beispiel für das bemerkenswerte Fehlen der wahren Repräsentation der Natur, die ein so auffälliges Attribut der Miniaturen des Mittelalters ist.^[2]

Während sich die asketische Behandlung der Miniaturen in der byzantinischen Kunst so stark bewährt hat, zeigt sich der orientalische Sinn für Pracht gleichzeitig in der Brillanz eines Großteils der Farben und in der verschwenderischen Verwendung von Gold. In den Miniaturen byzantinischer Manuskripte sind zunächst jene Hintergründe aus hellem Gold zu sehen, die später in den Produktionen jeder westlichen Malschule in solcher Fülle auftauchen.^[2]

Der Einfluss der byzantinischen Kunst auf den des mittelalterlichen Italien ist offensichtlich. Die frühen Mosaike in den Kirchen Italiens wie in Ravenna und Venedig sind ebenfalls Beispiele für den dominierenden byzantinischen Einfluss. Das frühe Mittelalter bietet jedoch nur wenige Orientierungspunkte für den Schüler. und erst wenn er ins 12. Jahrhundert auftaucht, dessen Fresken und Miniaturen noch immer den Eindruck der byzantinischen Tradition tragen, kann er sich davon überzeugen, dass die Verbindung in den vergangenen Jahrhunderten immer bestanden hat.^[2]

Nordwesteuropa, 8. – 12. Jahrhundert[edit]

Dieser aufwendig dekorierte Text, der das Johannesevangelium im Buch Kells vom frühen 9. Jahrhundert eröffnet, zeigt den Insular-Beleuchtungsstil: dekorativ und nicht illustrativ.

In den einheimischen Beleuchtungsschulen Westeuropas war nur die Dekoration das Hauptmotiv. In den Manuskripten der Merowingerzeit, in der Schule, die Frankland und Norditalien verband und die als lombardisch oder französisch-lombardisch bekannt ist, in den Manuskripten Spaniens, in den Produktionen der Inselkunst der britischen Inseln, Figurenzeichnung war kaum bekannt und diente eher als Dekorationsmerkmal als als Repräsentation der menschlichen Form.^[2]

Die angelsächsische Schule, die speziell in Canterbury und Winchester entwickelt wurde und ihre charakteristische Freihandzeichnung wahrscheinlich aus klassischen römischen Modellen ableitete, die kaum vom byzantinischen Element beeinflusst wurden. Die höchsten Qualitäten der Miniaturen des 10. und 11. Jahrhunderts dieser Schule liegen in feinen Umrisszeichnungen, die die englische Miniatur der späteren Jahrhunderte nachhaltig beeinflussten. Die südangelsächsische Schule unterscheidet sich jedoch eher von der allgemeinen Entwicklungslinie der westlichen mittelalterlichen Miniatur.^[2]

Unter den karolingischen Monarchen entwickelte sich eine Malschule, die von klassischen Vorbildern abgeleitet war, hauptsächlich vom byzantinischen Typ. In dieser Schule, die ihren Ursprung der Ermutigung Karls des Großen verdankt, ist die Miniatur in zwei Formen zu sehen. Erstens gibt es die wirklich konventionelle Miniatur nach byzantinischem Vorbild, wobei die Motive im Allgemeinen die Porträts der vier Evangelisten oder die Porträts der Kaiser selbst sind: die formalen Figuren; Die Seiten sind brillant gefärbt und vergoldet, im Allgemeinen in einer architektonischen Umgebung eines festen Typs und ohne Landschaft im eigentlichen Sinne des Wortes. Begleitet von einer reich verzierten Bordüre und Initiale gab es das Muster für die späteren kontinentalen Schulen des Westens vor. Auf der anderen Seite gibt es auch die Miniatur, in der versucht wird, zu illustrieren, wie zum Beispiel die Darstellung von Szenen aus der Bibel. Hier gibt es mehr Freiheit; und wir verfolgen den klassischen Stil, der römische Modelle im Unterschied zu byzantinischen Modellen kopiert.^[2]

Der Einfluss, den die karolingische Schule auf die Miniaturen der südlichen angelsächsischen Künstler ausübte, zeigt sich in der erweiterten Verwendung von Körperfarben und in der aufwändigeren Verwendung von Gold in der Dekoration. Ein Manuskript wie das Benediktineramt von St. Æthelwold, Bischof von Winchester, 963 bis 984, mit einer Reihe von Miniaturen, die im einheimischen Stil gezeichnet, aber in undurchsichtigen Pigmenten gemalt sind, zeigt den Einfluss der ausländischen Kunst. Die eigentliche Zeichnung blieb jedoch im wesentlichen national, gekennzeichnet durch ihre eigene Behandlung der menschlichen Figur und durch die Anordnung der Vorhänge mit flatternden Falten. Der Stil wurde verfeinert und neigte zu Übertreibung und Missverhältnissen der Gliedmaßen. Mit der normannischen Eroberung starb diese bemerkenswerte einheimische Schule.^[2]

Mit dem Erwachen der Kunst im 12. Jahrhundert erhielt die Dekoration von Manuskripten einen starken Impuls. Die Künstler der damaligen Zeit zeichneten sich durch die Grenze und die Initiale aus, aber auch in der Miniatur gab es kräftige Zeichnungen mit kühnen, geschwungenen Linien und sorgfältigem Studium der Vorhänge. Die Künstler wurden geübter im Zeichnen von Figuren, und während es immer noch die Tendenz gab, dieselben Themen auf dieselbe konventionelle Weise zu wiederholen, erzeugte die individuelle Anstrengung in diesem Jahrhundert viele Miniaturen von sehr edlem Charakter.^[2]

Die normannische Eroberung hatte England direkt in die kontinentale Kunst gebracht; und nun begann diese Gruppierung der französischen, der englischen und der flämischen Schule, die, gefördert durch den wachsenden Verkehr und bewegt durch gemeinsame Impulse, ab der zweiten Hälfte des 12. Jahrhunderts zu großartigen Produktionen der Illuminatoren Nordwesteuropas führte .^[2]

Aber von natürlicher Landschaft gibt es nichts, es sei denn, Felsen und Bäume mit stereotypem Charakter können so betrachtet werden. Daher wurde der Hintergrund der Miniatur des 12. und unmittelbar darauf folgenden Jahrhunderts zum Dekorationsfeld, um die Figuren in der Szene stärker in Relief zu bringen. Und so entstand die Praxis, den gesamten Raum mit einem oft brünierten Goldblech auszufüllen: eine brillante Verzierungsmethode, die wir bereits in der byzantinischen Schule praktiziert haben. Wir müssen auch die konventionelle Behandlung der heiligen Figuren bemerken, die fortan aus einem Gefühl der Verehrung fortgeführt werden, um in die traditionellen Gewänder der frühen Jahrhunderte gekleidet zu werden, während die anderen Figuren der Szene die gewöhnliche Kleidung der Zeit tragen.^[2]

Pala indische Miniaturen, 8. – 12. Jahrhundert[edit]

Bengalische Foliomalerei, frühes 12. Jahrhundert.

Unter der Schirmherrschaft der Pala-Dynastie wurde in Indien die Miniaturmalerei eingeführt, indem auf buddhistischen Palmblatt-Manuskripten gemalt wurde. Eines der frühesten erhaltenen Beispiele buddhistisch illustrierter Palmblatt-Manuskripte ist Aṣṭasāhasrikā Prajñāpāramitā aus dem Jahr 985 n. Chr., Das in der Bibliothek der Universität von Cambridge aufbewahrt wird.^[4] Die Kunst der Pala beleuchteten Manuskripte, die in buddhistischen Zentren von Bihar und Bengalen entwickelt wurden. Die Pala-Miniaturbilder inspirierten nicht nur nepalesische und tibetische Miniaturbilder, sondern auch den Hinduismus und Jainismus, um in der späteren Zeit ihre eigenen Miniaturmaltraditionen zu entwickeln.^[5]

Nordwesteuropa, 13. – 15. Jahrhundert[edit]

Mit Beginn des 13. Jahrhunderts erreichen wir die Zeit, in der die Miniatur die moderne falsche Etymologie rechtfertigen kann, die den Titel mit der Genauigkeit verbunden hat. Der breite, kühne Stil des 12. Jahrhunderts gibt der Präzision und Minute Platz. Bücher im Allgemeinen tauschten ihre Form vom großen Folio zum Oktav und zu kleineren Größen aus. Es gab eine größere Nachfrage nach Büchern; und Pergament war in der Menge begrenzt und musste weiter gehen. Die Handschrift wurde kleiner und verlor die Rundheit des 12. Jahrhunderts. Kontraktionen und Abkürzungen in den Texten nahmen stark zu. Überall wird Platz gespart. Und so mit der Miniatur. Die Figuren waren klein, mit zarten Strichen in den Gesichtszügen und mit ordentlichen schlanken Körpern und Gliedmaßen. Die Hintergründe leuchten mit Farbe und brüniertem Gold; und zarte Windelmuster aus abwechselndem Gold und Farbe gibt es zuhauf. Häufig und insbesondere in englischen Manuskripten werden die Zeichnungen lediglich getönt oder mit transparenten Farben gewaschen. Auch in diesem Jahrhundert dringt die Miniatur in die Initiale ein. Während früher kühne blühende Schriftrollen die Mode waren, wird jetzt eine kleine Szene in die leeren Stellen des Briefes eingeführt.^[2]

Um die Arbeit der drei Schulen zu vergleichen, ist die Zeichnung der englischen Miniatur von ihrer besten Seite vielleicht die anmutigste; die Franzosen sind die saubersten und genauesten; Die Flamen, einschließlich der Westdeutschen, sind weniger raffiniert und in härteren und stärkeren Linien. In Bezug auf Farben beeinflusst der englische Künstler eher hellere Farbtöne als die der anderen Schulen: Bei Hellgrün, Graublau und See ist eine Parteilichkeit zu beobachten. Der französische Künstler liebte tiefere Farbtöne, insbesondere Ultramarin. Die Flamen und die Deutschen malten in der Regel in weniger reinen Farben und neigten zur Schwere. Ein bemerkenswertes Merkmal in französischen Manuskripten ist das rot- oder kupferfarbene Gold, das in ihren Beleuchtungen verwendet wird, in starkem Kontrast zum blasseren Metall Englands und der Niederlande.^[2]

Eine Hauptstadt S enthält eine Miniatur von Moses, die von der Tochter des Pharao gefunden wurde. Aus dem Brevier der Chertsey Abbey, 14. Jahrhundert.

Der Monat Februar. Aus dem Grimani-Brevier, einem Schlüsselwerk in der Spätgeschichte flämisch beleuchteter Manuskripte (ca. 1515-1520).

Es ist bemerkenswert, wie die Kunst der Miniatur im gesamten 13. Jahrhundert ihre hohe Qualität sowohl in Zeichnung als auch in Farbe beibehält, ohne dass sich etwas auffällig ändert. Während des ganzen Jahrhunderts waren die Bibel und der Psalter dafür; und natürlich liefen dieselben Themen und dieselben Szenen durch die Zeit und wurden von Künstler zu Künstler wiederholt; und der Charakter dieser heiligen Bücher würde dazu neigen, Innovationen einzuschränken. Gegen Ende der Zeit wurden jedoch weltliche Werke wie die Romanzen immer beliebter und boten ein breiteres Feld für die Erfindung des illustrierenden Künstlers. Mit der Eröffnung des 14. Jahrhunderts kommt es daher zu einem spürbaren Stilwechsel. Wir gehen zu fließenderen Linien über; nicht zu den kühnen, geschwungenen Strichen und Kurven des 12. Jahrhunderts, sondern zu einem anmutigen, zarten, nachgiebigen Stil, der die schönen schwankenden Figuren dieser Zeit hervorbrachte. Tatsächlich beginnt sich die Miniatur jetzt von der Rolle eines integralen Bestandteils des dekorativen Beleuchtungsschemas zu befreien und sich je nach ihrem eigenen künstlerischen Wert für die Position, die sie in Zukunft einnehmen soll, zum Bild zu entwickeln. Dies zeigt sich an der prominenteren Stelle, die die Miniatur jetzt einnimmt, und an ihrer wachsenden Unabhängigkeit von der dekorativen Grenze und Initiale.^[2]

Während sich die Miniatur des 14. Jahrhunderts auf diese Weise bemüht, sich von den übrigen beleuchteten Details des Manuskripts zu distanzieren, gedeiht sie in sich selbst in der Dekoration. Neben der größeren Elastizität des Figurenzeichnens gibt es eine parallele Entwicklung bei den Designs der Hintergründe. Die Windeln werden aufwändiger und brillanter; Die Schönheit des brünierten Goldes wird durch die häufig bearbeiteten Muster verstärkt. Die gotischen Vordächer und andere architektonische Merkmale, die auf natürliche Weise eingeführt wurden, folgten der Entwicklung der Architektur dieser Zeit. Mit einem Wort, die große Ausweitung des künstlerischen Gefühls in der Dekoration der besten Art, die im höheren Werk des 14. Jahrhunderts so ausgeprägt ist, ist in der beleuchteten Miniatur ebenso auffällig.^[2]

Zu Beginn des Jahrhunderts ist die englische Zeichnung sehr anmutig. Die Figuren biegen sich mit einer winkenden Bewegung, die, wenn sie nicht so einfach wären, eine Beeinträchtigung darstellen würde. Sowohl in den Umrissproben, mit transparenter Farbe gewaschen, als auch vollständig. gemalte Beispiele, das beste englische Werk dieser Zeit ist unübertroffen. Die französische Kunst behält immer noch ihre saubere Präzision bei, die Farben sind lebendiger als die von England und die Gesichter werden ohne viel Modellierung fein angegeben. Die Produktionen der Niederlande, die sich immer noch an den schwereren Zeichenstil halten, erscheinen neben den Werken der anderen Schulen grob. Auch die deutsche Miniaturkunst dieser Zeit nimmt keine hohe Stellung ein, da sie im Allgemeinen mechanisch und rustikal ist. Mit der Zeit monopolisiert die französische Miniatur das Feld fast, zeichnet sich durch brillante Farben aus, verliert jedoch viel von ihrer Reinheit beim Zeichnen, obwohl der allgemeine Standard immer noch hoch bleibt. Die englische Schule entwickelt sich allmählich zurück und scheint, ohne Zweifel aus politischen Gründen und aufgrund der Kriege mit Frankreich, keine Arbeit von großem Wert hervorgebracht zu haben. Erst gegen Ende des 14. Jahrhunderts kommt es zu einer Wiederbelebung.^[2]

Diese Wiederbelebung wurde auf eine Verbindung mit der blühenden Schule von Prag zurückgeführt, eine Schule, die im Farbschema einen südlichen Einfluss nach der Heirat von Richard II. Mit Anne von Böhmen im Jahr 1382 suggeriert. Der neue Stil der englischen Miniaturmalerei wird unterschieden durch den Farbreichtum und durch die sorgfältige Modellierung der Gesichter, was im Vergleich zu der leichteren Behandlung durch die zeitgenössischen französischen Künstler günstig ist. Eine ähnliche Aufmerksamkeit für die Merkmale kennzeichnet auch die nordflämische oder niederländische Schule in dieser Zeit und im frühen 15. Jahrhundert; und es kann daher als ein Attribut der germanischen Kunst angesehen werden, das sich vom französischen Stil unterscheidet.^[2]

Das Versprechen der Neuentwicklung in der englischen Miniaturmalerei sollte jedoch nicht erfüllt werden. Im ersten Viertel des 15. Jahrhunderts wurden Beispiele von großem Wert hergestellt, die jedoch in der Zeichnung zum Stillstand kamen und durch mittelalterliche Konventionen gefesselt waren. Die einheimische Kunst ging praktisch um die Mitte des Jahrhunderts zu Ende, als die bessere Wertschätzung der Natur die alte konventionelle Darstellung der Landschaft in der europäischen Kunst zerstörte und die Miniatur in ein modernes Bild verwandelte. Was auch immer Miniaturmalerei nach dieser Zeit in England hergestellt werden sollte, sollte das Werk ausländischer Künstler oder von Künstlern sein, die einen fremden Stil imitieren. Der Zustand des Landes während der Rosenkriege erklärt ausreichend die Aufgabe der Kunst. So muss die Geschichte der Miniatur im 15. Jahrhundert in den Manuskripten der kontinentalen Schulen gesucht werden.^[2]

Zuerst müssen wir Nordfrankreich und die Niederlande betrachten. Mit dem Verlassen des 14. und dem 15. Jahrhundert zeigt die Miniatur beider Schulen größere Kompositionsfreiheit. und es gibt eine weitere Tendenz, eher auf die allgemeine Wirkung der Färbung als auf die Ordentlichkeit beim Zeichnen zu zielen. Dies wurde durch das größere Feld gefördert, das dem Miniaturisten offen stand. Bücher aller Art wurden illustriert, und heilige Bücher, Bibeln und Psalter und liturgische Bücher waren nicht länger die wichtigsten, wenn nicht die einzigen Manuskripte, die beleuchtet wurden. Und doch gab es eine Klasse von Manuskripten, die die größte Bedeutung erlangte und gleichzeitig liturgisch war. Das war der Horaeoder Stundenbuch, Andachtsbücher für den individuellen Gebrauch, die in großer Zahl vervielfacht wurden und einige der besten Werke der Miniaturisten enthielten. Die Dekoration dieser kleinen Bände entging weitgehend den konventionellen Beschränkungen, die ihr religiöser Charakter auferlegt haben könnte. Darüber hinaus hatte die Nachfrage nach illuminierten Manuskripten zu diesem Zeitpunkt einen regelmäßigen Handel etabliert; und ihre Produktion war nicht wie früher auf den Kreuzgang beschränkt.^[2] Bemerkenswerte weltlich beleuchtete Manuskriptkünstler sind Meister Honoré der Pariser Schule.

Zu Beginn des Jahrhunderts hat sich die alte konventionelle Behandlung der Landschaft noch bewährt; Auch der windelige und vergoldete Hintergrund wurde nicht mehr benutzt. In der Tat sind in einigen der besten französischen Exemplare der Zeit die Windelmuster brillanter als je zuvor. Aber die natürliche Landschaft im zweiten Viertel des Jahrhunderts setzt sich entschiedener durch, wenn auch mit Perspektivfehlern. Erst als eine andere Generation entstanden war, wurde der Horizont und die atmosphärische Wirkung wirklich erkannt.^[2]

Die Miniaturen der französischen und flämischen Schule verlaufen eine Zeit lang ziemlich parallel, aber nach der Mitte des Jahrhunderts werden die nationalen Merkmale deutlicher und divergierender. Die französische Miniatur begann sich zu verschlechtern, obwohl einige sehr schöne Beispiele von den begabteren Künstlern der Schule hergestellt wurden. Die Figurenzeichnung war nachlässiger, und das Gemälde tendierte zu einer Härte ohne Tiefe, die der Künstler durch einen Überschuss an vergoldeten Schattierungen zu lindern versuchte.^[2]

Die flämische Schule erreichte Ende des 15. Jahrhunderts ihre höchste Qualität. Die flämische Miniatur wirkte sich auf extreme Weichheit und Farbtiefe aus. auch eine immer größere Sorgfalt bei der Behandlung von Details, der Vorhänge, des Ausdrucks der Merkmale: Der flämische Typ des Gesichts der Jungfrau zum Beispiel mit seiner vollen, hohen Stirn kann niemals verwechselt werden. In den besten flämischen Miniaturen dieser Zeit gelingt es dem Künstler, eine wunderbare Weichheit und Farbe zu präsentieren; Auch mit dem 15. Jahrhundert hörte der hohe Standard nicht auf, denn viele hervorragende Exemplare zeugen noch immer von der Gunst, in der er einige Jahrzehnte länger gehalten wurde.^[2]

In den vorstehenden Ausführungen gilt das, was in Bezug auf die sorgfältige Behandlung von Details gesagt wurde, noch mehr für die in Grisaille ausgeführten Miniaturen, bei denen das Fehlen von Farbe eine noch stärkere Betonung dieser Behandlung erforderlich machte. Dies ist vielleicht am deutlichsten in den Grisaille-Miniaturen Nordflanderns zu beobachten, die insbesondere in den starken Winkellinien der Vorhänge häufig auf eine Verbindung mit der Kunst des Holzstechers hindeuten.^[2]

Italien, 13. – 15. Jahrhundert[edit]

Die flämische Miniatur hatte jedoch nicht die Gunst Westeuropas ohne Rivalen. Dieser Rivale war im Süden entstanden und gleichzeitig mit der Miniatur der Niederlande im 15. Jahrhundert zur Perfektion gekommen. Dies war die italienische Miniatur, die die gleichen Phasen durchlief wie die Miniaturen von England, Frankreich und den Niederlanden. Die Interkommunikation zwischen den Ländern Europas war zu gut etabliert, als dass dies anders wäre. In italienischen Manuskripten des normalen Typs ist der Einfluss der byzantinischen Kunst im 13. und 14. Jahrhundert sehr deutlich. Das alte System, die Fleischfarben auf Olivgrün oder ein ähnliches Pigment zu malen, das in den Linien der Merkmale freigelegt bleibt und so einen dunklen Teint erhält, wurde bis ins 15. Jahrhundert in mehr oder weniger modifizierter Form weiter praktiziert. In der Regel sind die verwendeten Pigmente undurchsichtiger als die in den nördlichen Schulen verwendeten; und der Künstler vertraute mehr auf Farbe allein, um den gewünschten Effekt zu erzielen, als auf die Mischung aus Farbe und Gold, die in den Windelmustern Frankreichs so brillante Ergebnisse lieferte. Das lebhafte Scharlachrot der italienischen Miniaturisten ist besonders ihr eigenes. Die Figurenzeichnung ist weniger realistisch als die zeitgenössische Kunst englischer und französischer Manuskripte, wobei die menschliche Form oft dick gefasst ist. Im Allgemeinen liegt die italienische Miniatur vor ihrer großen Expansion im 14. Jahrhundert weit hinter den Miniaturen des Nordens. Aber mit dem 15. Jahrhundert, unter dem Einfluss der Renaissance, rückte es in die vorderste Reihe vor und konkurrierte mit der besten Arbeit der flämischen Schule. Die Verwendung dickerer Pigmente ermöglichte es dem Miniaturisten, die für seine Arbeit so charakteristische harte und polierte Oberfläche zu erhalten und die Schärfe der Konturen beizubehalten, ohne die Tiefe und den Farbreichtum zu verlieren, die mit den gleichen Eigenschaften in der flämischen Schule vergleichbar sind.^[2]

Der italienische Stil wurde in den Manuskripten der Provence im 14. und 15. Jahrhundert verfolgt. Es wirkte sich auch auf die Schule Nordfrankreichs aus, von der es wiederum beeinflusst wurde. In den süddeutschen Manuskripten ist dies ebenfalls belegt. Die Grundsätze, die als Leitfaden für die Entwicklung der Miniatur in den wichtigeren Schulen angesehen wurden, gelten jedoch für alle gleichermaßen. Wie die Miniatur der flämischen Schule wurde auch die italienische Miniatur auch im 16. Jahrhundert unter besonderer Schirmherrschaft zum Teil mit Erfolg bearbeitet; aber mit der raschen Verschiebung des Manuskripts durch das gedruckte Buch wurde die Besetzung des Miniaturisten beendet.^[2]

persisch[edit]

Die persische Kunst hat eine lange Tradition in der Verwendung von Miniaturen.

Reza Abbasi (1565–1635), der als einer der bekanntesten persischen Maler aller Zeiten gilt und sich auf die persische Miniatur spezialisiert hat, bevorzugt naturalistische Themen. Heute sind seine erhaltenen Werke in vielen bedeutenden Museen der westlichen Welt zu finden, wie dem Smithsonian, dem Louvre und dem Metropolitan Museum of Art.

Mogul-Miniaturen[edit]

Der Kaiser Jahangir empfing seine beiden Söhne, ein Album-Gemälde von ca. 1605-06

Die Mogulmalerei entwickelte sich in der Zeit des Mogulreichs (16. – 18. Jahrhundert) und beschränkte sich im Allgemeinen auf Miniaturen, entweder als Buchillustrationen oder als einzelne Werke, die in Alben aufbewahrt werden sollten. Es entstand aus der persischen Miniaturmaltradition, die Mir Sayyid Ali und Abd al-Samad Mitte des 16. Jahrhunderts in Indien eingeführt hatten. Es entfernte sich bald von seinen safawidischen Ursprüngen; Mit dem Einfluss hinduistischer Künstler wurden die Farben heller und die Kompositionen naturalistischer. Das Thema war überwiegend weltlich und bestand hauptsächlich aus Illustrationen zu Werken der Literatur oder Geschichte, Porträts von Gerichtsmitgliedern und Naturstudien. Auf seinem Höhepunkt war der Mogul-Malstil eine elegante Verbindung von persischer, europäischer und hindiistischer Kunst.^[6]

Fälschungen[edit]

Mittelalterliche Miniaturen wurden geschmiedet, um Sammler von verschiedenen Personen zu täuschen, insbesondere vom spanischen Fälscher.

Siehe auch[edit]

Verweise[edit]

• Otto Pächt, Buchbeleuchtung im Mittelalter (trans fr Deutsch), 1986, Harvey Miller Publishers, London, ISBN 0-19-921060-8
• Walther, Ingo F. und Wolf, Norbert, Meisterwerke der Beleuchtung (Codices Illustres); S. 350–3; 2005 Taschen, Köln; ISBN 3-8228-4750-X
• Jonathan Alexander; Mittelalterliche Illuminatoren und ihre Arbeitsweise;; p. 9, Yale UP, 1992, ISBN 0-300-05689-3
• Calkins, Robert G. Beleuchtete Bücher des Mittelalters. Ithaca, New York: Cornell University Press, 1983.
• Papadaki-Oekland Stella,Byzantinisch beleuchtete Manuskripte des Buches Hiob, ISBN 2-503-53232-2.

Weiterführende Literatur[edit]

• Kren, T. & McKendrick, Scot (Hrsg.), Die Renaissance beleuchten – Der Triumph der flämischen Manuskriptmalerei in Europa, Getty Museum / Königliche Akademie der Künste, 2003, ISBN 1-903973-28-7
• McKendrick, Scot; Lowden, John; Doyle, Kathleen, (Hrsg.), Königliche Manuskripte, Das Genie der Erleuchtung, 2011, British Library, ISBN 9780712358156
• T. Voronova und A Sterligov, Westeuropäische Illuminated Manuscripts (in der St. Petersberg Public Library), 2003, Sirocco, London
• Weitzmann, Kurt. Spätantike und frühchristliche Buchbeleuchtung. Chatto & Windus, London (New York: George Braziller) 1977.
• Nordenfalk, Carl. Keltische und angelsächsische Malerei: Buchbeleuchtung auf den britischen Inseln 600–800. Chatto & Windus, London (New York: George Braziller), 1977.
• Brown, Michelle P., Manuskripte aus der angelsächsischen Zeit, 2007, British Library, ISBN 9780712306805
• Williams, John, Frühe spanische Manuskriptbeleuchtung Chatto & Windus, London (New York, George Braziller), 1977.
• Cahn, Walter, Romanische Bibelbeleuchtung, Ithaca, New York: Cornell University Press, 1982, ISBN 0801414466

persisch[edit]

• Canby, Sheila R., Persische Malerei, 1993, British Museum Press, ISBN 9780714114590
• Titley, Norah M., Persische Miniaturmalerei und ihr Einfluss auf die Kunst der Türkei und Indiens1983, University of Texas Press, ISBN 0292764847
• Welch, Stuart Cary. Königliche persische Manuskripte, Thames & Hudson, 1976, ISBN 0500270740

Wiederbelebung des 19. Jahrhunderts[edit]

• Sandra Hindman, Michael Camille, Nina Rowe und Rowan Watson, Manuskriptbeleuchtung in der Moderne: Wiederherstellung und Wiederaufbau, Evanston: Northwestern University, 2001.
• Thomas Coomans & Jan De Maeyer (Hrsg.), Die Wiederbelebung der mittelalterlichen Erleuchtung im 19. Jahrhundert (KADOC Artes, 9), University Press Leuven, 2007, 336 S.

Externe Links[edit]