Pedro Friedeberg – Wikipedia

Pedro Friedeberg (11. Januar 1936 -) ist ein mexikanischer Künstler und Designer, der für seine surrealistische Arbeit bekannt ist, die mit Linienfarben und alten und religiösen Symbolen gefüllt ist. Sein bekanntestes Stück ist der „Hand-Chair“, eine Skulptur / ein Stuhl, mit dem Menschen auf der Handfläche sitzen und die Finger als Rücken- und Armlehnen verwenden können. Friedeberg begann sein Studium als Architekt, beendete sein Studium jedoch nicht, als er begann, Entwürfe gegen die konventionellen Formen der 1950er Jahre und sogar gegen völlig unplausible wie Häuser mit Artischockendächern zu zeichnen. Seine Arbeit erregte jedoch die Aufmerksamkeit des Künstlers Mathias Göritz, der ihn ermutigte, als Künstler weiterzumachen. Friedeberg wurde Teil einer Gruppe surrealistischer Künstler in Mexiko, zu denen Leonora Carrington und Alice Rahon gehörten, die respektlos waren und die damals vorherrschende soziale und politische Kunst ablehnten. Friedeberg hat einen lebenslangen Ruf als exzentrisch und erklärt, dass Kunst tot ist, weil nichts Neues produziert wird.

Pedro Friedeberg wurde am 11. Januar 1936 in Florenz als Sohn deutsch-jüdischer Eltern geboren.^[1] Seine Eltern flohen zu Beginn des Zweiten Weltkriegs aus Europa und kamen mit drei Jahren nach Mexiko.^[2] Er erinnert sich, wie seine Großmutter in europäischen Zeitungen Namen von Familienmitgliedern notierte, die den Holocaust überlebt hatten. Er sagt, er spreche nicht über seine Kindheit, weil sie “deutsch” sei und sie als “Disziplin”, “Folter” und “Bestrafung” bezeichne. Er musste Geige lernen und mehrere Sprachen sprechen, und er hasste es, zu Hause zu sein.^[2] Er wurde nicht jüdisch erzogen, sondern atheistisch. Einmal brachte ihn ein Diener heimlich in eine Kirche, um sich taufen zu lassen. Aufgrund dieser Erfahrungen habe er sieben Religionen, eine für jeden Wochentag.^[2]

Als Kind zeigt er früh Interesse an Kunst.^[3] Seine Mutter sagte, als er zwei Jahre alt war, saß er gern vor der Santa María Novella-Kirche in Florenz und versuchte, sie zu zeichnen.^[2] In seiner Jugend war er fasziniert von der Renaissance-Architektur der Kirchen und dem Schiefen Turm von Pisa. Als er älter war, zeichnete er die Bilder in den Kunstbüchern seines Vaters nach und bevorzugte die Werke von Canaletto, Piranesi und anderen aus dem 18. Jahrhundert. Er mochte auch die Perspektiven der Zeichnungen von MC Escher.^[2][3]

Er studierte eine Weile in Boston und trat dann 1957 in die Universidad Iberoamericana ein, um Architektur zu studieren.^[3] Er begann aufgrund seines eigenen Interesses und des Drucks seiner Eltern Architektur zu studieren, schaffte es aber erst im dritten Jahr. Seine Professoren bevorzugten symmetrische Architekturen wie die von Ludwig Mies van der Rohe, der das Seagram Building in New York entwarf, was Friedeberg für langweilig hielt. Er bevorzugte die Werke von Antoni Gaudí, schuf kreisförmige Pläne und begann, unmögliche Werke wie Häuser mit Artischockendächern und Wolkenkratzern mit Birnen zu entwerfen, was ihm schlechte Noten einbrachte.^[2][4]

Seine Zeit bei Iberoamericana ermöglichte es ihm jedoch, den Künstler Mathias Goeritz zu treffen, der seine Arbeit schätzte. Göritz forderte Friedeberg auf, seine Kunst fortzusetzen und seine Eltern zu ignorieren. Im Sommer arbeitete Friedeberg als Sekretär von Göritz, wo er auch an künstlerischen Projekten mitarbeitete.^[2]

Durch Familie und Freunde lernte er surrealistische Künstler wie Remedios Varo kennen, der seine Arbeit der Galería Diana empfahl, was 1960 zu Friedebergs erster Ausstellung führte, als er erst zweiundzwanzig war. Aufgrund dieser Verbindungen lernte er 1961 andere surrealistische Künstler wie Leonora Carrington und Alice Rahon kennen, um Mitglied von Los Hartos (The Fed-Up) zu werden.^[2] Diese Gruppe basierte auf dadaistischen Prinzipien: die Schaffung von Anti-Kunst um der Kunst willen, die Ablehnung politischer und sozialer Malerei. Der Einfluss dieser Gruppe veranlasste Friedeberg, an die Autonomie der Ästhetik zu glauben.^[1] Später organisierten er und Javier Giron eine “Bewegung” namens “Chinchismo” aus der mexikanisch-spanischen Welt “Chinche”, was “Bug” bedeutet. Sie baten dreißig Künstler, Fehlerwörter zu kreieren, und nannten Pita Amor ihre Muse, mit der Idee, „-ismen“ oder Bewegungen in der Kunst lächerlich zu machen.^[2]

Friedebergs Ruf für Exzentrizität war lebenslang, nicht nur mit surrealistischen Künstlern verbunden, sondern auch mit anderen Exzentrikern wie Edward James und Antonio Souza.^[5] Friedeberg hatte die Tendenz, diejenigen zu schützen und zu verteidigen, die ihren Ruhm und ihr Vermögen verloren haben, wie es Pita Amor in ihrem Alter tat, als sie von Elementen der mexikanischen Gesellschaft verspottet wurde.^[6] Er sagt, er konsultiere jeden Tag das I-Ging und habe eine Sammlung von Heiligen.^[2][5] Seine Biografie im Internet enthält eine Passage mit der Aufschrift „Ich stehe gegen Mittag auf und frühstücke nach dem Gießen meiner Piraten von korinthischen Dingen. Später am Tag nehme ich an einem ionischen Mittagessen teil, gefolgt von einem dorischen Nickerchen. Dienstags skizziere ich ein oder zwei Voluten und vielleicht einen Giebel, wenn mich die Stimmung überholt. Mittwoch habe ich für die Anti-Meditation reserviert. Donnerstags entspanne ich mich normalerweise, während ich am Freitag Autobiografien schreibe. “^[7] Er sagt, dass es der Welt heute an Exzentrikern mangelt, weil die Menschen durch die Konsumkultur und das Fernsehen, die wollen, dass wir alle gleich sind, wieder Schafe sind.^[5]

Friedeberg war viermal verheiratet. Seine dritte Frau war die polnische Gräfin Wanda Zamoyska.^[6] Diese Ehe dauerte zwölf Jahre, die er als surrealistisch, einen Zirkus und verrückt, aber anstrengend beschreibt.^[2] Seine letzte Frau ist Carmen Gutierrez, mit der er zwei Kinder hat, Diana und David. Er sagt, Carmen sei eine sehr ernste Frau, im Gegensatz zu seinen anderen ehemaligen Frauen. Kinder zu haben hat sein Leben verändert, weil er nicht mehr um die Welt reisen und bis 5 Uhr morgens aufbleiben konnte, um zu trinken.^[2]

Derzeit lebt er in Mexiko-Stadt. Als er stirbt, hofft er, auf demselben Friedhof in Venedig begraben zu werden, auf dem sich Strawinsky und Diaghilev befinden, in einem Grab mit einer weißen Gondel und schwarzen Federn.^[2]

Friedeberg hat gemalt, Wandbilder für Institutionen in Mexiko und im Ausland geschaffen, Bücher und Buchumschläge illustriert, Möbel und Bühnenbilder geschaffen.^[8] Er war der Art Director zusammen mit Sergio Villegas von einem spektakulären namens Arbol de la Vida.^[3] Er begann in den 1960er Jahren mit dem Entwerfen von Möbeln und lehnte den damals vorherrschenden internationalen Architekturstil ab. Er hat Stühle, Tische, Sofas und Liebessitze in fantastischen Designs entworfen.^[1][3] Bekannt wurde er durch seinen Sessel, der seit seiner Gründung im Jahr 1962 mehr als 5.000 Mal verkauft wurde.^[5] Der ursprüngliche Stuhl war aus Holz und mit Blattgold bezogen.^[9][10] Es ist so konzipiert, dass man auf der Handfläche sitzen kann und die Finger als Rücken- und Armlehne verwendet.^[3] Er hat erklärt, dass er nie wirklich entspannt ist und dass er in den fünfzig Jahren seiner Karriere neben Skulpturen und Stuhlentwürfen eine Leinwand pro Woche, 52 Wochen im Jahr, gemalt hat.^[6] Seine Gemälde, Skulpturen und Möbel waren sehr modisch und wurden in den 1960er und 1970er Jahren als „schick“ bezeichnet.^[2]

Seine ersten beiden Einzelausstellungen fanden 1959 in der Diana Gallery und 1960 in der Protec Gallery in Mexiko-Stadt statt. In den 1960er Jahren hatte er 16 Ausstellungen in Mexiko, Frankreich, New York, Portugal und der Panamerikanischen Union in Washington, DC im Jahr 1963. In den 1970er Jahren hatte er neunzehn Ausstellungen in verschiedenen Städten in Mexiko und den Vereinigten Staaten, Barcelona, ​​Haifa (Israel) und Kanada. In den 1980er Jahren hatte er dreizehn, darunter das Museo de Arte Moderno in Mexiko-Stadt. In den 1990er Jahren hatte er einundzwanzig, hauptsächlich in Mexiko, eine Hommage an seine Arbeit im Jahr 1997 und eine Ausstellung in Kolumbien. In den 2000er Jahren hatte er neun, alle in Mexiko, bis auf eine in Deutschland im Jahr 2000 und eine in Belgien im Jahr 2003. Von 1960 bis 2003 nahm er auch an vielen Gruppenausstellungen teil.^[8]

Zu den Auszeichnungen zählen die Córdoba Argentina Biennale 1966 (2. Preis), die Solarausstellung 1967 in Mexiko-Stadt (1. Preis), die Argentina Engraving Triennale 1979 in Buenos Aires und die XI. Biennale der grafischen Arbeiten in Tokio (Sonderpreis) 1984 und wurde 1993 vom Nationalen System mexikanischer und ausländischer Schöpfer zum „künstlerischen Schöpfer“ ernannt. Seine Arbeit und sein Leben wurden von 1972 bis heute in vielen Büchern erwähnt.^[8] Zu diesen Büchern gehört seine in Mexiko veröffentlichte Autobiografie „De vacaciones por la vida, Memorias no autorizadas“ (Urlaub im Leben, nicht autorisierte Erinnerungen), herausgegeben von Trilce und CONACULTA.^[11] In seiner Autobiografie schreibt Friedeberg über Erfahrungen mit seinen vielen Freunden in der Kunstwelt, darunter Salvador Dalí, Leonora Carrington, Kati Horna, Tamara de Lempicka, Mathias Göritz, Edward James, Zachary Selig und Bridget Bate Tichenor.^[12]

Seine Werke befinden sich in den ständigen Sammlungen des Museo de Arte Moderno, des José Luis Cuevas-Museums, des Televisa-Kulturzentrums in Mexiko-Stadt, des Museums für zeitgenössische Kunst in Toluca und des Museums für zeitgenössische Kunst in Culiacán für zeitgenössische Kunst in Pátzcuaro, das Museum für moderne Kunst in New York, das Museum für zeitgenössische Kunst in Chicago, das Museum für zeitgenössische Kunst in New Orleans, die Kongressbibliothek in Washington DC, das Rose Art Museum der Brandeis University in Boston, die Nationale Forschungsbibliothek in Ottawa, das Musée du Louvre in Paris, das Israel Museum in Jerusalem, das Nationale Museum für moderne Kunst in Bagdad, das Ponce Kunstmuseum in Puerto Rico, das Franklin Rawson Museum in Argentinien, das Omar Rayo Museum in Kolumbien und die Smithsonian Institution in Washington, DC., Das Museum für Kunst und Design in New York.^[3][8]

Kunst[edit]

Seit seiner ersten Ausstellung hatte seine Arbeit einen leicht identifizierbaren Stil, obwohl er nicht leicht zu klassifizieren ist.^[1][3] Er verwendet oft Architekturzeichnungen als Medium, um ungewöhnliche Kompositionen zu erstellen, einschließlich Entwürfe für nutzlose Objekte, oft aus Langeweile.^[1] Er hat Elemente verschiedener künstlerischer und gestalterischer Trends aus seiner Zeit vom Jugendstil bis zur Op-Art studiert und integriert. Ein Großteil seiner Arbeit hat eine industrielle Qualität, die sich aus seiner Ausbildung zum Architekten ergibt.^[10] Es gibt jedoch auch einen Traum wie Qualität, unmögliche Paläste und andere Strukturen zu malen, mit unzähligen Hallen und Räumen, Geheimgängen und Treppen, die oft absurd sind.^[11]

Ironie und Übermaß werden im Allgemeinen durch die fast halluzinogene Wiederholung von Elementen und formale Störungen ausgedrückt, aber es ist das Ergebnis bewussten Denkens.^[1] Er klassifiziert seine Arbeit als vielseitig und hybride.^[9] Seine Kunst ist nicht politisch, sie ist Kunst um der Kunst willen und er sagt, sie sei elitär. Er glaubt nicht daran, Kunst „für die Menschen“ zu machen, weil es den meisten Menschen egal ist.^[9] Seine Kunst hat fast immer eine sarkastische und zynische Note.^[9] Er sagt, seine einzige Absicht in seiner Kunst sei es, sich über sich selbst und alle anderen lustig zu machen.^[10]

Gemälde, Möbel und mehr werden oft als mit Ornamenten gefüllt charakterisiert, mit wenig oder keinem weißen Raum, mit Linien, Farben und Symbolen, die auf alte Schriften, aztekische Kodizes, Katholizismus, Hinduismus und Okkultismus verweisen.^[1][6] Während seine Kunst als Hinzufügen von Ornamenten um ihrer selbst willen oder sogar zur Ablenkung kritisiert wurde, ist er anderer Meinung und sagt, dass Ornamente die älteste Form der bildenden Kunst sind, die hinzugefügt wurde, um Objekten eine außergewöhnliche, sogar religiöse Qualität zu verleihen.^[2] Er hat seine umfangreiche Ornamentik, die Elemente aus alten Texten enthält, “Nintendo Churrigueresque” genannt.^[10]

Friedeberg gehört zu einer Gruppe surrealistischer Künstler des 20. Jahrhunderts, zu denen in Mexiko Gunther Gerzso, Mathias Göritz, Alice Rahon, Kati Horna, Leonora Carrington, Remedios Varo und Paul Antragne gehören, die unter dem Namen Los Hartos zusammengefasst wurden. Sie waren originell, exzentrisch, respektlos und ikonoklastisch.^[6] Seine Techniken haben sich seit seinem Beginn nicht geändert und die Themen haben sich nur wenig geändert, da er heute fantastische Tierhybriden in einige seiner Arbeiten einbezieht.^[9] Er kritisierte moderne Künstler mit den Worten: “Kunst ist gestorben, nach dem Surrealismus gibt es nichts Neues.”^[5] Er sagt, dass die Menschen ihren Geschmack für Ironie, Sarkasmus und Absurdes verloren haben.^[9]

Verweise[edit]