Filmemachen – Wikipedia

Prozess der Erstellung eines Films

Filmemachen (oder im akademischen Kontext Film-Produktion) ist der Prozess des Filmemachens, im Allgemeinen im Sinne von Filmen, die für eine umfangreiche Theaterausstellung bestimmt sind. Das Filmemachen umfasst eine Reihe komplexer und diskreter Phasen, einschließlich einer ersten Geschichte, Idee oder eines Auftrags, durch Drehbuchschreiben, Casting, Dreharbeiten, Tonaufnahmen und Vorproduktion, Bearbeitung und Vorführung des fertigen Produkts vor einem Publikum, das zu einer Filmveröffentlichung führen kann und eine Ausstellung. Das Filmemachen findet an vielen Orten auf der ganzen Welt in verschiedenen wirtschaftlichen, sozialen und politischen Kontexten statt und verwendet eine Vielzahl von Technologien und Filmtechniken.

Produktionsstufen[edit]

Die Filmproduktion besteht aus fünf Hauptphasen:^[1]

• Entwicklung: Die erste Phase, in der die Ideen für den Film erstellt, Rechte an Büchern / Theaterstücken gekauft usw. werden und das Drehbuch geschrieben wird. Die Finanzierung des Projekts muss gesucht und beschafft werden.
• Vorproduktion: Es werden Vorkehrungen und Vorbereitungen für die Dreharbeiten getroffen, z. B. die Einstellung von Darstellern und Filmteams, die Auswahl von Drehorten und die Erstellung von Sets.
• Produktion: Das Rohmaterial und andere Elemente für den Film werden während der Dreharbeiten aufgenommen.
• Hauptfotografie
• Postproduktion: Die Bilder, der Ton und die visuellen Effekte des aufgenommenen Films werden bearbeitet und zu einem fertigen Produkt kombiniert.
• Vertrieb: Der fertige Film wird in Kinos vertrieben, vermarktet und gezeigt und / oder als Heimvideo veröffentlicht.

Entwicklung[edit]

Diese Phase besteht sowohl aus allgemeinen als auch aus spezifischen Komponenten. Jedes Filmstudio hat jedes Jahr einen Retreat, in dem sich die besten Kreativen treffen und eine Vielzahl von Bereichen und Themen diskutieren, die sie in Zusammenarbeit mit Produzenten und Drehbuchautoren und schließlich mit Regisseuren und Schauspielern / Schauspielerinnen erkunden möchten. Sie wählen Trendthemen aus den Medien und dem realen Leben sowie viele andere Quellen aus, um ihre jährliche Agenda festzulegen. In einem Jahr, in dem LGBT ein heißes Thema ist, möchten sie diesen Bereich möglicherweise in einem Film erkunden. Zuweilen erwarben sie die Rechte an Artikeln, Bestsellern, Theaterstücken, älteren Filmen, Geschichten mit einer bestimmten Grundlage im wirklichen Leben durch eine Person oder ein Ereignis, ein Videospiel, ein Märchen, ein Comic oder einen Graphic Novel. Recherchen durch Umfragen informieren manchmal über ihre Entscheidungen. Sie hatten möglicherweise Blockbuster aus ihrem Vorjahr und möchten eine Fortsetzung erkunden. Sie werden zusätzlich einen fertigen, unabhängig finanzierten und produzierten Film erwerben. Solche berühmten Beispiele sind “Little Miss Sunshine” und “The English Patient” sowie “Roma”.

Während die Studios von Produzenten und Drehbuchautoren Hauptversammlungen über originelle Ideen für Geschichten abhalten, “wusste ich in meinem Jahrzehnt als Autor, dass nur wenige verkauft wurden und weniger, die es auf die Leinwand schafften”, berichtet der Professor für Drehbuchautor-Regisseur-Schreiben Wayne Powers (Der italienische Job). Alan Watt, Autor-Regisseur und Gründer des LA Writer’s Lab, bestätigte, dass Originaldrehbücher, die zum Verkauf angeboten werden, “Specs”, wie sie genannt werden, beim Verkauf große Neuigkeiten bringen, aber diese machen einen sehr kleinen Teil der Filme aus, die es sind letztendlich das “Grüne Licht” des Präsidenten eines zu produzierenden Studios gegeben.

Also kehren die Führungskräfte mit ziemlich gut etablierten Marschbefehlen vom Retreat zurück. Diese interessanten Konzepte verbreiten sie in der Industrie, insbesondere bei Produzenten, mit denen sie “Deals” haben (traditionelle Studios haben diese Produzenten in Büros auf ihren Losen). Auch Agenten für Drehbuchautoren werden darauf aufmerksam gemacht. Dies führt normalerweise dazu, dass eine Paarung populärer Produzenten mit populären Autoren und entweder zusammen oder der Drehbuchautor alleine einen “Take” -Ansatz entwickelt, eine grundlegende Story-Idee, die die bereits festgelegte “Arena” nutzt. Oft ist es ein Wettbewerb mit mehreren Paarungen, die sich mit Studio-Managern treffen und deren “Take” “Pitching”. Nur sehr wenige Schreibjobs stammen von der ursprünglichen Idee, die Produzenten oder Autoren in die Studios gebracht haben. Vielleicht ein Film pro Jahr mit einem “Spec” -Skript, das gekauft wurde.

Sobald ein Produzent und / oder ein Autor seine Herangehensweise an das gewünschte Thema verkauft hat, beginnen sie zu arbeiten. Viele Autoren, Produzenten und Jahre vergehen jedoch in der Regel, bevor ein bestimmtes Konzept auf eine Weise verwirklicht wird, die der Produktion ein “grünes Licht” verleiht. “The Unforgiven”, das Oscars für seinen Dicrector / Star Clint Eastwood sowie seinen Drehbuchautor erhielt David Webb Peoples brauchte 15 Jahre, um ein “grünes Licht” zu erhalten. Powers berichtete, dass “The Italian Job” vom Konzept bis zum Bildschirm ungefähr acht Jahre dauerte, was, wie Powers hinzufügte, “durchschnittlich” ist. Und die meisten Konzepte wurden bezahlt Drehbücher, die sich im Regal einiger Führungskräfte verstauben, um die Produktion nie zu sehen.

Schriftsteller haben unterschiedliche Stile und kreative Prozesse; Einige haben stärkere Erfolge als andere. Wie der Entwicklungsprozess von dort aus abläuft und wie viele Details ein Autor vor Beginn des Schreibens ins Studio zurückgibt, um preiszugeben, kann sehr unterschiedlich sein. Drehbuchautoren werden von der Machtgewerkschaft The Writers Guild Of America streng geschützt. Die WGA ermöglicht es einem Drehbuchautor, einen Vertrag für One Draft, One Revision und One Polish abzuschließen. Bob Eisle, Schriftsteller und Mitglied des Gildenausschusses, erklärt: “Zusätzliches Schreiben erfordert die Verlängerung von Verträgen und die Bezahlung für zusätzliche Arbeit.” Sie erhalten 80% ihrer Gebühr nach dem ersten Entwurf. Die Vorgespräche mit Studio-Managern sind minimal, können jedoch mit dem Produzenten recht detailliert sein. Ein Schriftsteller ist jedoch ein Schriftsteller, und ein effektiver Produzent erlegt nichts auf, sondern schafft eine unterstützende kreative Atmosphäre.

Als nächstes schreibt ein Drehbuchautor ein Drehbuch über einen Zeitraum von mehreren Monaten oder wie lange es auch dauert. Fristen sind in ihren Verträgen enthalten, es besteht jedoch kein Druck, diese einzuhalten. Auch hier variiert der Prozess und die Geschwindigkeit jedes Autors. Der Drehbuchautor kann das Skript mehrmals umschreiben, um Dramatisierung, Klarheit, Struktur, Charaktere, Dialog und Gesamtstil zu verbessern.

Script Coverage, eine freiberufliche Tätigkeit, die kürzlich von Universitätsabsolventen ausgeübt wurde, führt Rotz-Feed-Skripte in das System ein, die produktionsbereit sind oder bereits produziert wurden. “Coverage” ist eine Möglichkeit für junge Drehbuchautoren, gelesen zu werden, und ihre Ideen könnten zu einer Führungskraft oder einem berühmten Produzenten gelangen und zu “Meet and Greets” führen, in denen Beziehungen zu Nachwuchskräften aufgebaut werden können. Aber es handelt sich nicht um historisch erbrachte Ideenstudios, die in die Produktion einfließen.

Das Studio ist der Filmverleiher, der frühzeitig versucht, eine Liste von Konzepten auszuwählen, die wahrscheinlich marktattraktiv sind und potenziellen finanziellen Erfolg erzielen. Hollywood-Verleiher berücksichtigen Faktoren wie das Filmgenre, die Zielgruppe und das angenommene Publikum, den historischen Erfolg ähnlicher Filme, die Schauspieler, die möglicherweise im Film auftreten, und potenzielle Regisseure. All diese Faktoren implizieren eine gewisse Anziehungskraft des Films auf ein mögliches Publikum. Nicht alle Filme profitieren allein vom Kinostart. Das Studio zielt jedoch hauptsächlich auf das Eröffnungswochenende und das zweite Wochenende ab, um die meisten inländischen Gewinne zu erzielen. Gelegentlich vermarktet sich ein Film namens “Mundpropaganda” nicht stark, aber sein Erfolg verbreitet sich mündlich. Es gewinnt langsam sein Publikum. Dies sind besondere Umstände, und diese Filme können 5 Monate in den Kinos bleiben, während ein typischer Filmlauf näher an 5 Wochenenden liegt. Weitere Einnahmen resultieren aus Pay-TV-Käufen, Käufen auf dem Auslandsmarkt und DVD-Verkäufen, um den weltweiten Vertrieb Brutto eines Films zu etablieren.

Sobald ein Drehbuch “Green Lit” ist, werden Regisseure und Schauspieler angehängt und der Film geht in die Vorproduktionsphase über. Obwohl; Sehr oft überschneiden sich die Entwicklungsphase und die Vorproduktionsphase.

Analog zu fast jedem Unternehmen befasst sich die Finanzierung eines Filmprojekts mit dem Studium des Filmemachens als Management und Beschaffung von Investitionen. Es umfasst die Dynamik von Vermögenswerten, die zur Finanzierung des Filmemachens erforderlich sind, und Verbindlichkeiten, die während des Filmemachens im Zeitraum von der frühen Entwicklung bis zur Steuerung von Gewinnen und Verlusten nach dem Vertrieb unter Bedingungen unterschiedlicher Unsicherheit und Risiken entstehen. Die praktischen Aspekte der Finanzierung des Filmemachens können auch als die Wissenschaft des Geldmanagements aller Phasen des Filmemachens definiert werden. Die Filmfinanzierung zielt darauf ab, Vermögenswerte auf der Grundlage ihres Risikoniveaus und ihrer erwarteten Rendite auf der Grundlage der erwarteten Gewinne und des Schutzes vor Verlusten zu bewerten.

Vorproduktion[edit]

In der Vorproduktion wird jeder Schritt der tatsächlichen Erstellung des Films sorgfältig entworfen und geplant. Dies ist die Phase, in der man alle Optionen der Produktion eingrenzen würde. Hier findet die gesamte Planung statt, bevor die Kamera rollt und die Gesamtvision des Projekts festlegt. Die Produktionsfirma wird gegründet und ein Produktionsbüro eingerichtet. Der Film wird vom Regisseur vorvisualisiert und kann mit Hilfe von Illustratoren und Konzeptkünstlern als Storyboard erstellt werden. Ein Produktionsbudget wird erstellt, um die Ausgaben für den Film zu planen. Für größere Produktionen wird eine Versicherung zum Schutz vor Unfällen abgeschlossen. Zur Vorproduktion gehört auch die Erarbeitung des Drehortes und des Gießprozesses. Der Produzent beauftragt einen Line Manager oder einen Produktionsmanager mit der Erstellung des Zeitplans und des Budgets für den Film.

Die Art des Films und das Budget bestimmen die Größe und Art der Crew, die während des Filmemachens eingesetzt wird. Viele Hollywood-Blockbuster beschäftigen eine Besetzung und eine Crew von Hunderten, während ein unabhängiger Low-Budget-Film von einer Skeleton-Crew von acht oder neun (oder weniger) gedreht werden kann. Dies sind typische Besatzungspositionen:

• Storyboard-Künstler: Erstellt visuelle Bilder, um dem Regisseur und dem Produktionsdesigner zu helfen, ihre Ideen dem Produktionsteam mitzuteilen.
• Regisseur: ist in erster Linie für das Geschichtenerzählen, die kreativen Entscheidungen und das Handeln des Films verantwortlich.
  • Regieassistent (AD): Verwaltet unter anderem den Drehplan und die Logistik der Produktion. Es gibt verschiedene Arten von AD mit jeweils unterschiedlichen Verantwortlichkeiten.
• Filmproduzent: Stellt die Filmcrew ein.
• Produktionsdesigner: derjenige, der die visuelle Konzeption des Films erstellt und mit dem Art Director zusammenarbeitet, der die Kunstabteilung leitet, die Produktionssets herstellt.^[2]
  • Kostümdesigner: Erstellt die Kleidung für die Figuren im Film in enger Zusammenarbeit mit den Schauspielern und anderen Abteilungen.
  • Make-up- und Haardesigner: arbeitet eng mit dem Kostümdesigner zusammen, um einen bestimmten Look für eine Figur zu kreieren.
• Casting Director: Findet Schauspieler, um die Teile im Drehbuch zu füllen. Dies erfordert normalerweise, dass Schauspieler an einem Vorsprechen teilnehmen, entweder live vor dem Casting-Direktor oder vor einer Kamera oder vor mehreren Kameras.
• Kameramann (DOP): Der Leiter der Fotografie des gesamten Films überwacht alle Kameramänner und Kameramänner.
• Production Sound Mixer: Der Leiter der Tonabteilung während der Produktionsphase des Filmemachens. Sie nehmen das Audio am Set auf und mischen es – Dialoge, Präsenz und Soundeffekte in Mono und Ambiente in Stereo.^[3][4] Sie arbeiten mit dem Boom-Betreiber, Director, DA, DP und First AD zusammen.

Produktion[edit]

In der Produktion wird der Film erstellt und gedreht. In dieser Phase ist es wichtig, die Planung vor dem täglichen Dreh fortzusetzen. Das Hauptziel ist es, das Budget und den Zeitplan einzuhalten, dies erfordert ständige Wachsamkeit. Zu diesem Zeitpunkt werden weitere Besatzungsmitglieder eingestellt, z. B. der Hausmeister, der Drehbuch-Supervisor, die Regieassistenten, der Standbildfotograf, der Bildbearbeiter und die Tonbearbeiter. Dies sind nur die häufigsten Rollen beim Filmemachen. Dem Produktionsbüro steht es frei, eine einzigartige Rollenmischung zu erstellen, die den verschiedenen Verantwortlichkeiten entspricht, die während der Produktion eines Films möglich sind. Die Kommunikation ist der Schlüssel zwischen Standort, Set, Büro, Produktionsfirma, Vertriebshändlern und allen anderen Beteiligten.

Ein typisches Tagesschießen beginnt damit, dass die Crew zu ihrer Anrufzeit am Set / Ort ankommt. Schauspieler haben normalerweise ihre eigenen separaten Anrufzeiten. Da das Bauen, Ankleiden und Beleuchten von Sets viele Stunden oder sogar Tage dauern kann, werden sie häufig im Voraus eingerichtet.

Die Grip-, Elektro- und Produktionsdesign-Teams sind der Kamera- und Tonabteilung in der Regel einen Schritt voraus: Aus Effizienzgründen bereiten sie während der Dreharbeiten bereits die nächste Szene vor.

Während die Crew ihre Ausrüstung vorbereitet, machen die Schauspieler ihre Kostüme und besuchen die Haar- und Make-up-Abteilungen. Die Schauspieler proben das Drehbuch und blockieren mit dem Regisseur, und die Kamera- und Toncrews proben mit ihnen und nehmen letzte Änderungen vor. Schließlich wird die Aktion in so vielen Einstellungen gedreht, wie der Regisseur es wünscht. Die meisten amerikanischen Produktionen folgen einem bestimmten Verfahren:

Der Regieassistent (AD) ruft “Bild ist hoch!” um alle darüber zu informieren, dass ein Take aufgenommen werden soll, und dann “leise, alle!” Sobald alle zum Aufnehmen bereit sind, ruft der AD “Roll Sound” (wenn es sich bei dem Take um Sound handelt), und der Produktions-Soundmixer startet seine Ausrüstung, zeichnet eine verbale Liste der Informationen des Takes auf und kündigt “Sound Speed” an oder einfach “Geschwindigkeit”, wenn sie bereit sind. Die AD folgt mit “Rollkamera”, beantwortet mit “Geschwindigkeit!” vom Kameramann, sobald die Kamera aufzeichnet. Die Klappe, die sich bereits mit der Klappe vor der Kamera befindet, nennt “Marker!” und schlägt es zu. Wenn es sich bei der Einstellung um Extras oder Hintergrundaktionen handelt, werden diese vom AD angezeigt (“Aktionshintergrund!”), Und zuletzt sagt der Regisseur den Schauspielern “Aktion!”. Der AD kann bei großen Sätzen eine “Aktion” lauter wiedergeben.

Eine Übernahme ist beendet, wenn der Regisseur “Cut!” und die Kamera und der Ton stoppen die Aufnahme. Der Skript-Supervisor wird alle Kontinuitätsprobleme notieren, und die Ton- und Kamerateams protokollieren technische Notizen für die Aufnahme in ihre jeweiligen Berichtsblätter. Wenn der Regisseur entscheidet, dass zusätzliche Einstellungen erforderlich sind, wird der gesamte Vorgang wiederholt. Sobald die Crew zufrieden ist, wechselt sie zum nächsten Kamerawinkel oder “Setup”, bis die gesamte Szene “verdeckt” ist. Wenn die Dreharbeiten für die Szene beendet sind, erklärt der Regieassistent ein “Wrap” oder “Moving On”, und die Crew “schlägt” oder zerlegt das Set für diese Szene.

Am Ende des Tages genehmigt der Regisseur den Drehplan für den nächsten Tag und ein täglicher Fortschrittsbericht wird an das Produktionsbüro gesendet. Dies schließt die Berichtsblätter von Kontinuitäts-, Ton- und Kamerateams ein. Call Sheets werden an die Besetzung und die Crew verteilt, um ihnen mitzuteilen, wann und wo sie am nächsten Drehtag auftauchen sollen. Später versammeln sich der Regisseur, der Produzent, andere Abteilungsleiter und manchmal auch die Besetzung, um sich das an diesem Tag oder gestern aufgenommene Filmmaterial anzusehen Tageszeitungenund überprüfen ihre Arbeit.

Bei Arbeitstagen, die an abgelegenen Orten oft 14 oder 18 Stunden dauern, schafft die Filmproduktion tendenziell einen Teamgeist. Wenn der gesamte Film “in der Dose” ist oder die Produktionsphase abgeschlossen ist, ist es üblich, dass das Produktionsbüro eine Abschlussparty organisiert, um allen Darstellern und der Crew für ihre Bemühungen zu danken.

Für die Produktionsphase von Live-Action-Filmen ist es sehr wichtig, die Arbeitspläne der wichtigsten Darsteller und Crewmitglieder zu synchronisieren, da für viele Szenen mehrere Darsteller und der größte Teil der Crew gleichzeitig physisch am selben Ort anwesend sein müssen ( und bankfähige Stars müssen möglicherweise von einem Projekt zum anderen eilen. Animationsfilme haben in der Produktionsphase unterschiedliche Arbeitsabläufe, da Sprachschauspieler ihre Einstellungen zu unterschiedlichen Zeiten im Aufnahmestudio aufnehmen können und sich möglicherweise erst bei der Premiere des Films sehen, während die meisten physischen Live-Action-Aufgaben entweder unnötig sind oder von simuliert werden verschiedene Arten von Animatoren.

Nach Produktion[edit]

Diese Phase beginnt mit dem Ende der Hauptfilmproduktion, kann sich jedoch überschneiden. Der Großteil der Postproduktion besteht darin, das Filmmaterial zu überprüfen, den Film zusammenzustellen und mit dem nächsten Schritt fortzufahren, der bearbeitet wird. Hier wird das Video / der Film vom Filmschnitt zusammengestellt. Das aufgenommene Filmmaterial wird bearbeitet. Der Produktionssound (Dialog) wird ebenfalls bearbeitet; Musiktitel und Lieder werden komponiert und aufgenommen, wenn ein Film eine Partitur haben soll; Soundeffekte werden entworfen und aufgenommen. Alle computergrafischen visuellen Effekte werden von einem Künstler digital hinzugefügt. Schließlich werden alle Tonelemente zu “Stielen” gemischt, die dann mit dem Bild verheiratet werden, und der Film ist vollständig fertiggestellt (“gesperrt”).

Verteilung[edit]

Dies ist die letzte Phase, in der der Film in Kinos oder gelegentlich direkt auf Verbrauchermedien (VHS, VCD, DVD, Blu-ray) oder direkt von einem Anbieter digitaler Medien heruntergeladen wird. Der Film wird nach Bedarf dupliziert (entweder auf Film oder Festplatte) und zur Ausstellung (Vorführung) an die Kinos verteilt. Pressemappen, Poster und andere Werbematerialien werden veröffentlicht und der Film wird beworben und beworben. Ein B-Roll-Clip kann für die Presse freigegeben werden, basierend auf Rohmaterial, das für eine “Making-of” -Dokumentation aufgenommen wurde, die Making-of-Clips sowie Interviews am Set umfassen kann.

Filmverleiher veröffentlichen normalerweise einen Film mit einer Launchparty, einer Premiere auf dem roten Teppich, Pressemitteilungen, Interviews mit der Presse, Pressevorschau-Vorführungen und Filmfestival-Vorführungen. Die meisten Filme werden auch mit einer eigenen Website beworben, die von denen der Produktionsfirma oder des Verleihers getrennt ist. Bei großen Filmen müssen Schlüsselpersonen häufig vertraglich an Werbetouren teilnehmen, bei denen sie bei Premieren und Festivals auftreten, und Interviews mit vielen Fernseh-, Print- und Online-Journalisten führen. Die größten Produktionen erfordern möglicherweise mehr als eine Werbetour, um die Nachfrage des Publikums bei jedem Veröffentlichungsfenster zu verjüngen.

Seit dem Aufkommen des Heimvideos in den frühen 1980er Jahren haben die meisten großen Filme das Muster verfolgt, mehrere unterschiedliche Veröffentlichungsfenster zu haben. Ein Film kann zuerst in einigen ausgewählten Kinos veröffentlicht werden oder, wenn er gut genug getestet wird, direkt in die breite Veröffentlichung gehen. Anschließend wird es normalerweise zu unterschiedlichen Zeiten im Abstand von mehreren Wochen (oder Monaten) in verschiedenen Marktsegmenten wie Vermietung, Einzelhandel, Pay-per-View, Unterhaltung an Bord, Kabel-, Satelliten- oder frei empfangbarem Fernsehen veröffentlicht . Die Vertriebsrechte für den Film werden in der Regel auch für den weltweiten Vertrieb verkauft. Der Distributor und die Produktionsfirma teilen sich Gewinne und verwalten Verluste.

Unabhängiges Filmemachen[edit]

Soundrekorder Curtis Choy (links) vor Ort für Dim Sum: ein bisschen Herz, ein Indie-Film des Regisseurs Wayne Wang (Mitte) in der Clement Street im Richmond District von San Francisco, Kalifornien 1983

Das Filmemachen findet auch außerhalb des Mainstreams statt und wird allgemein als unabhängiges Filmemachen bezeichnet. Seit der Einführung der DV-Technologie sind die Produktionsmittel demokratisierter und wirtschaftlicher geworden. Filmemacher können möglicherweise einen Film drehen und bearbeiten, den Ton und die Musik erstellen und bearbeiten und den endgültigen Schnitt auf einem Heimcomputer mischen. Während die Produktionsmittel demokratisiert werden können, bleiben Finanzierung, traditioneller Vertrieb und Marketing außerhalb des traditionellen Systems schwierig zu erreichen. In der Vergangenheit haben sich die meisten unabhängigen Filmemacher auf Filmfestivals (wie Sundance, Venice, Cannes und Toronto) verlassen, um ihre Filme bekannt zu machen und für den Vertrieb und die Produktion zu verkaufen. Das Internet hat jedoch die relativ kostengünstige Verbreitung unabhängiger Filme auf Websites wie YouTube ermöglicht. Infolgedessen sind mehrere Unternehmen entstanden, um Filmemachern dabei zu helfen, unabhängige Filme über Mainstream-Internet-Marktplätze zu sehen und zu verkaufen, die häufig an beliebte Hollywood-Titel angrenzen. Mit dem Internet-Filmvertrieb können unabhängige Filmemacher, die auf einen traditionellen Vertriebsvertrag verzichten, jetzt ein globales Publikum erreichen.

Siehe auch[edit]

Verweise[edit]

Externe Links[edit]

Wikimedia Commons hat Medien im Zusammenhang mit Filmemachen.

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