Bildende Kunst – Wikipedia

Kunstformen, die Werke schaffen, die in erster Linie visueller Natur sind

Das bildende Kunst sind Kunstformen wie Malerei, Zeichnung, Druckgrafik, Skulptur, Keramik, Fotografie, Video, Filmemachen, Design, Handwerk und Architektur. Viele künstlerische Disziplinen wie darstellende Kunst, Konzeptkunst und Textilkunst umfassen auch Aspekte der bildenden Kunst sowie Kunst anderer Art. Auch in der bildenden Kunst enthalten^[1] sind die angewandten Künste^[2] wie Industriedesign, Grafikdesign, Modedesign, Innenarchitektur und dekorative Kunst.^[3]

Die derzeitige Verwendung des Begriffs “bildende Kunst” umfasst sowohl bildende Kunst als auch angewandte oder dekorative Kunst und Handwerk, was jedoch nicht immer der Fall war. Vor der Arts and Crafts-Bewegung in Großbritannien und anderswo um die Wende des 20. Jahrhunderts war der Begriff „Künstler“ seit einigen Jahrhunderten häufig auf eine Person beschränkt, die in der bildenden Kunst (wie Malerei, Skulptur oder Druckgrafik) tätig war, und nicht die dekorativen Kunst-, Handwerks- oder angewandten Medien der bildenden Kunst. Die Unterscheidung wurde von Künstlern der Arts and Crafts Movement betont, die einheimische Kunstformen ebenso schätzten wie hohe Formen.^[4]Kunstschulen unterschieden zwischen bildender Kunst und Handwerk und behaupteten, dass ein Handwerker nicht als Praktiker der Künste angesehen werden könne.

Die zunehmende Tendenz, die Malerei und in geringerem Maße die Skulptur gegenüber anderen Künsten zu bevorzugen, war ein Merkmal der westlichen Kunst sowie der ostasiatischen Kunst. In beiden Regionen wurde die Malerei als in höchstem Maße auf die Vorstellungskraft des Künstlers angewiesen und am weitesten von der Handarbeit entfernt angesehen – in der chinesischen Malerei waren die am meisten geschätzten Stile die der “Gelehrtenmalerei”, zumindest theoretisch praktiziert von Gentleman Amateuren. Die westliche Hierarchie der Genres spiegelte ähnliche Einstellungen wider.

Schul-und Berufsbildung[edit]

Die Ausbildung in der bildenden Kunst erfolgte im Allgemeinen durch Variationen des Lehrlings- und Werkstattsystems. In Europa führte die Renaissance-Bewegung zur Steigerung des Ansehens des Künstlers zum Akademiesystem für die Ausbildung von Künstlern, und heute trainieren die meisten Menschen, die eine Karriere in der Kunst verfolgen, an Kunstschulen im Tertiärbereich. Bildende Kunst ist mittlerweile in den meisten Bildungssystemen zu einem Wahlfach geworden.^[5][6]

Zeichnung[edit]

Zeichnen ist ein Mittel, um ein Bild, eine Illustration oder eine Grafik mit einer Vielzahl von Tools und Techniken zu erstellen, die online und offline verfügbar sind. Im Allgemeinen werden Markierungen auf einer Oberfläche durch Druck von einem Werkzeug oder durch Bewegen eines Werkzeugs über eine Oberfläche mit trockenen Medien wie Graphitstiften, Feder und Tinte, Tintenpinseln, Wachsfarbstiften, Buntstiften, Kohle, Pastellfarben und Markierungen vorgenommen. Es werden auch digitale Werkzeuge verwendet, darunter Stifte, Stifte und Apple-Stifte, die deren Auswirkungen simulieren. Die Haupttechniken beim Zeichnen sind: Strichzeichnen, Schraffur, Schraffur, zufälliges Schraffieren, Kritzeln, Punktieren und Mischen. Ein Künstler, der sich durch Zeichnen auszeichnet, wird als Zeichner oder Zeichner.^[7]

Zeichnen und Malen reichen Zehntausende von Jahren zurück. Die Kunst des Oberen Paläolithikums umfasst figurative Kunst, die vor etwa 40.000 bis 35.000 Jahren begann. Nicht figurative Höhlenmalereien, die aus Handschablonen und einfachen geometrischen Formen bestehen, sind noch älter. Paläolithische Höhlendarstellungen von Tieren finden sich in Gebieten wie Lascaux (Frankreich) und Altamira (Spanien) in Europa, Maros, Sulawesi (Asien) und Gabarnmung (Australien).

Im alten Ägypten wurden Tuschezeichnungen auf Papyrus, die oft Menschen darstellen, als Modelle für Malerei oder Skulptur verwendet. Zeichnungen auf griechischen Vasen, ursprünglich geometrisch, entwickelten sich später im 7. Jahrhundert v. Chr. Zur menschlichen Form mit schwarzfiguriger Keramik.^[8]

Mit der Verbreitung von Papier in Europa im 15. Jahrhundert wurde das Zeichnen von Meistern wie Sandro Botticelli, Raphael, Michelangelo und Leonardo da Vinci übernommen, die das Zeichnen manchmal eher als eigenständige Kunst denn als Vorbereitungsphase für Malerei oder Skulptur betrachteten.^[9]

Malerei[edit]

Mosaik der Schlacht von Issus

Im wahrsten Sinne des Wortes ist das Auftragen von Pigmenten, die in einem Träger (oder Medium) und einem Bindemittel (einem Klebstoff) suspendiert sind, auf eine Oberfläche (Träger) wie Papier, Leinwand oder eine Wand aufzutragen. Im künstlerischen Sinne bedeutet dies jedoch die Verwendung dieser Aktivität in Kombination mit Zeichnung, Komposition oder anderen ästhetischen Überlegungen, um die expressive und konzeptuelle Absicht des Praktikers zu manifestieren. Malerei wird auch verwendet, um spirituelle Motive und Ideen auszudrücken; Die Orte dieser Art von Malerei reichen von Kunstwerken mit mythologischen Figuren auf Keramik über die Sixtinische Kapelle bis hin zum menschlichen Körper.^[10]

Herkunft und frühe Geschichte[edit]

Wie das Zeichnen hat auch die Malerei ihren dokumentierten Ursprung in Höhlen und auf Felswänden. Die besten Beispiele, von denen einige glauben, dass sie 32.000 Jahre alt sind, befinden sich in den Höhlen Chauvet und Lascaux in Südfrankreich. In den Farben Rot, Braun, Gelb und Schwarz sind die Gemälde an den Wänden und Decken von Bisons, Rindern, Pferden und Hirschen.

Gemälde menschlicher Figuren befinden sich in den Gräbern des alten Ägypten. Im großen Tempel von Ramses II. Wird Nefertari, seine Königin, von Isis geführt dargestellt.^[11] Die Griechen haben zur Malerei beigetragen, aber ein Großteil ihrer Arbeit ist verloren gegangen. Eine der besten verbliebenen Darstellungen sind die hellenistischen Fayum-Mumienporträts. Ein weiteres Beispiel ist das Mosaik der Schlacht von Issus in Pompeji, das wahrscheinlich auf einem griechischen Gemälde basiert. Die griechische und römische Kunst trug im 4. Jahrhundert v. Chr. Zur byzantinischen Kunst bei, die eine Tradition in der Ikonenmalerei einleitete.^[12]

Die Renaissance[edit]

Neben den im Mittelalter von Mönchen angefertigten illuminierten Manuskripten leisteten die italienischen Renaissance-Maler den nächsten bedeutenden Beitrag zur europäischen Kunst. Von Giotto im 13. Jahrhundert bis Leonardo da Vinci und Raphael zu Beginn des 16. Jahrhunderts war dies die reichste Zeit der italienischen Kunst Chiaroscuro Techniken wurden verwendet, um die Illusion eines 3-D-Raums zu erzeugen.^[13]

Auch in Nordeuropa wurden Maler von der italienischen Schule beeinflusst. Jan van Eyck aus Belgien, Pieter Bruegel der Ältere aus den Niederlanden und Hans Holbein der Jüngere aus Deutschland gehören zu den erfolgreichsten Malern der Zeit. Sie verwendeten die Verglasungstechnik mit Ölen, um Tiefe und Leuchtkraft zu erreichen.

Niederländische Meister[edit]

Im 17. Jahrhundert entstanden die großen niederländischen Meister wie der vielseitige Rembrandt, an den man sich besonders für seine Porträts und Bibelszenen erinnerte, und Vermeer, der sich auf Innenszenen des niederländischen Lebens spezialisierte.

Barock-[edit]

Der Barock begann nach der Renaissance vom späten 16. bis zum späten 17. Jahrhundert. Zu den Hauptkünstlern des Barock gehörte Caravaggio, der den Tenebrismus stark nutzte. Peter Paul Rubens, ein flämischer Maler, der in Italien studierte, arbeitete für lokale Kirchen in Antwerpen und malte auch eine Serie für Marie de ‘Medici. Annibale Carracci nahm Einflüsse aus der Sixtinischen Kapelle auf und schuf das Genre der illusionistischen Deckenmalerei. Ein Großteil der Entwicklung im Barock war auf die protestantische Reformation und die daraus resultierende Gegenreformation zurückzuführen. Vieles, was den Barock ausmacht, ist dramatische Beleuchtung und Gesamtvisualisierung.^[14]

Impressionismus[edit]

Der Impressionismus begann in Frankreich im 19. Jahrhundert mit einer lockeren Vereinigung von Künstlern wie Claude Monet, Pierre-Auguste Renoir und Paul Cézanne, die der Malerei einen neuen, frei gebürsteten Stil verliehen und sich oft dafür entschieden, realistische Szenen des modernen Lebens eher draußen als im Studio zu malen . Dies wurde durch einen neuen Ausdruck ästhetischer Merkmale erreicht, die durch Pinselstriche und den Eindruck der Realität demonstriert wurden. Sie erzielten intensive Farbvibrationen, indem sie reine, ungemischte Farben und kurze Pinselstriche verwendeten. Die Bewegung beeinflusste die Kunst als Dynamik, bewegte sich durch die Zeit und passte sich neuen Techniken und der Wahrnehmung von Kunst an. Die Liebe zum Detail wurde bei der Erreichung weniger wichtig, während für den Künstler eine voreingenommene Sicht auf Landschaften und Natur untersucht wurde.^[15][16]

Post-Impressionismus[edit]

Gegen Ende des 19. Jahrhunderts gingen mehrere junge Maler noch einen Schritt weiter und verwendeten geometrische Formen und unnatürliche Farben, um Emotionen darzustellen, während sie nach einer tieferen Symbolik strebten. Besonders hervorzuheben sind Paul Gauguin, der stark von asiatischer, afrikanischer und japanischer Kunst beeinflusst war, Vincent van Gogh, ein Niederländer, der nach Frankreich zog, wo er das starke Sonnenlicht des Südens nutzte, und Toulouse-Lautrec, der für seine lebendigen Gemälde in Erinnerung blieb des Nachtlebens im Pariser Stadtteil Montmartre.^[17]

Symbolismus, Expressionismus und Kubismus[edit]

Der norwegische Künstler Edvard Munch entwickelte Ende des 19. Jahrhunderts seinen symbolischen Ansatz, inspiriert vom französischen Impressionisten Manet. Der Schrei (1893), sein berühmtestes Werk, wird weithin als Repräsentation der universellen Angst des modernen Menschen interpretiert. Teilweise aufgrund von Munchs Einfluss entstand die deutsche expressionistische Bewegung zu Beginn des 20. Jahrhunderts in Deutschland, als Künstler wie Ernst Kirschner und Erich Heckel begannen, die Realität für einen emotionalen Effekt zu verzerren.

Parallel dazu entwickelte sich der als Kubismus bekannte Stil in Frankreich als Künstler, der sich auf das Volumen und den Raum scharfer Strukturen innerhalb einer Komposition konzentrierte. Pablo Picasso und Georges Braque waren die führenden Befürworter der Bewegung. Objekte werden in abstrahierter Form aufgebrochen, analysiert und wieder zusammengesetzt. In den 1920er Jahren hatte sich der Stil mit Dali und Magritte zum Surrealismus entwickelt.^[18]

Druckgrafik[edit]

Alte chinesische Gravur weiblicher Instrumentalisten

Beim Drucken wird für künstlerische Zwecke ein Bild auf einer Matrix erstellt, das dann mit Tinte (oder einer anderen Form der Pigmentierung) auf eine zweidimensionale (flache) Oberfläche übertragen wird. Außer im Fall eines Monotyps kann dieselbe Matrix verwendet werden, um viele Beispiele für den Druck zu erstellen.

Historisch gesehen sind die wichtigsten Techniken (auch Medien genannt) Holzschnitt, Liniengravur, Radierung, Lithographie und Siebdruck (Serigraphie, Siebdruck), aber es gibt viele andere, einschließlich moderner digitaler Techniken. Normalerweise wird der Druck auf Papier gedruckt, aber andere Medien reichen von Stoff und Pergament bis zu moderneren Materialien.

Europäische Geschichte[edit]

Drucke in westlicher Tradition, die vor etwa 1830 hergestellt wurden, werden als alte Meisterdrucke bezeichnet. In Europa wurde ab etwa 1400 n. Chr. Der Holzschnitt für Meisterdrucke auf Papier verwendet, wobei Drucktechniken verwendet wurden, die in der byzantinischen und islamischen Welt entwickelt wurden. Michael Wolgemut verbesserte den deutschen Holzschnitt ab etwa 1475, und Erhard Reuwich, ein Niederländer, war der erste, der Schraffuren verwendete. Ende des Jahrhunderts brachte Albrecht Dürer den westlichen Holzschnitt auf ein nie erreichtes Niveau und erhöhte den Status des einblättrigen Holzschnitts.^[19]

Chinesische Herkunft und Praxis[edit]

In China entwickelte sich die Kunst des Druckens vor etwa 1.100 Jahren als Illustration neben in Holzblöcken geschnittenem Text zum Drucken auf Papier. Ursprünglich waren Bilder hauptsächlich religiös, aber in der Song-Dynastie begannen Künstler, Landschaften zu schneiden. Während der Dynastien Ming (1368–1644) und Qing (1616–1911) wurde die Technik sowohl für religiöse als auch für künstlerische Stiche perfektioniert.^[20][21]

Entwicklung in Japan 1603–1867[edit]

Der Holzschnitt in Japan (Japanisch: 木 版画, Moku Hanga) ist eine Technik, die am besten für ihre Verwendung im Ukiyo-e-Kunstgenre bekannt ist. Im gleichen Zeitraum wurde es jedoch auch sehr häufig zum Drucken von illustrierten Büchern verwendet. Der Holzschnitt wurde in China jahrhundertelang zum Drucken von Büchern verwendet, lange vor dem Aufkommen des beweglichen Typs, wurde jedoch in Japan während der Edo-Zeit (1603–1867) nur weit verbreitet. Obwohl Moku Hanga in mancher Hinsicht dem Holzschnitt in der westlichen Druckgrafik ähnlich ist, unterscheidet es sich stark darin, dass Tinten auf Wasserbasis verwendet werden (im Gegensatz zum westlichen Holzschnitt, bei dem Tinten auf Ölbasis verwendet werden), was eine breite Palette lebendiger Farben, Glasuren und Farben ermöglicht Transparenz.

Fotografie[edit]

Fotografie ist der Prozess des Bildens von Bildern durch Lichteinwirkung. Die von Objekten reflektierten oder emittierten Lichtmuster werden durch eine zeitgesteuerte Belichtung auf einem empfindlichen Medium oder Speicherchip aufgezeichnet. Der Prozess erfolgt durch mechanische Verschlüsse oder elektronisch zeitgesteuerte Belichtung von Photonen mit chemischen Verarbeitungs- oder Digitalisierungsgeräten, die als Kameras bekannt sind.

Das Wort kommt aus dem Griechischen φως phos (“Licht”) und γραφις graphis (“Stift”, “Pinsel”) oder γραφη graphêbedeutet zusammen “Zeichnen mit Licht” oder “Darstellung mittels Linien” oder “Zeichnen”. Traditionell wurde das Produkt der Fotografie als Fotografie bezeichnet. Der Begriff Foto ist eine Abkürzung; viele Leute nennen sie auch Bilder. In der digitalen Fotografie der Begriff Bild hat begonnen zu ersetzen Foto. (Der Begriff Bild ist traditionell in der geometrischen Optik.)

Die Architektur[edit]

Architektur ist der Prozess und das Produkt der Planung, Gestaltung und Errichtung von Gebäuden oder anderen Strukturen. Architekturarbeiten in materieller Form von Gebäuden werden oft als kulturelle Symbole und als Kunstwerke wahrgenommen. Historische Zivilisationen werden oft mit ihren erhaltenen architektonischen Errungenschaften identifiziert.

Die früheste erhaltene schriftliche Arbeit zum Thema Architektur ist De Architectura, vom römischen Architekten Vitruv im frühen 1. Jahrhundert n. Chr. Laut Vitruvius sollte ein gutes Gebäude die drei Prinzipien von Firmitas, Utilitas, Venustas erfüllen, die unter der ursprünglichen Übersetzung allgemein bekannt sind – Festigkeit, Ware und Freude. Ein Äquivalent im modernen Englisch wäre:

1. Haltbarkeit – Ein Gebäude sollte robust stehen und in gutem Zustand bleiben.
2. Dienstprogramm – Es sollte für die Zwecke geeignet sein, für die es verwendet wird.
3. Schönheit – es sollte ästhetisch ansprechend sein.

Das Bauen entstand zunächst aus der Dynamik zwischen Bedürfnissen (Unterkunft, Sicherheit, Anbetung usw.) und Mitteln (verfügbare Baumaterialien und damit verbundene Fähigkeiten). Als sich die menschlichen Kulturen entwickelten und das Wissen durch mündliche Überlieferungen und Praktiken formalisiert wurde, wurde das Bauen zu einem Handwerk, und “Architektur” ist der Name für die am höchsten formalisierten und angesehensten Versionen dieses Handwerks.

Filmemachen[edit]

Filmemachen ist der Prozess des Erstellens eines Films, von der ersten Konzeption und Recherche über Drehbuchschreiben, Aufnehmen und Aufnehmen, Animation oder andere Spezialeffekte, Bearbeitung, Ton- und Musikarbeit bis hin zur Verteilung an ein Publikum. Es bezieht sich allgemein auf die Erstellung aller Arten von Filmen, einschließlich Dokumentarfilmen, Theater- und Literaturstämmen im Film sowie poetischen oder experimentellen Praktiken, und wird häufig auch für videobasierte Prozesse verwendet

Computerkunst[edit]

Maurizio Bolognini, Versiegelte Computer (Nizza, 1997). Diese konzeptionelle Kunstinstallation verwendet Computercodes, um endlose Ströme zufälliger Bilder zu erzeugen, die niemals zum Betrachten zugänglich sind.^[22]

Bildende Künstler sind nicht mehr auf traditionelle Medien der bildenden Kunst beschränkt. Computer werden seit den 1960er Jahren als immer häufigeres Werkzeug in der bildenden Kunst eingesetzt. Zu den Verwendungszwecken gehören das Erfassen oder Erstellen von Bildern und Formularen, das Bearbeiten dieser Bilder und Formulare (einschließlich des Erkundens mehrerer Kompositionen) und das endgültige Rendern oder Drucken (einschließlich 3D-Druck).
Computerkunst ist jeder, bei dem Computer eine Rolle bei der Produktion oder Anzeige spielten. Solche Kunst kann eine Bild-, Ton-, Animations-, Video-, CD-ROM-, DVD-, Videospiel-, Website-, Algorithmus-, Performance- oder Galerieinstallation sein. Viele traditionelle Disziplinen integrieren jetzt digitale Technologien, und infolgedessen sind die Grenzen zwischen traditionellen Kunstwerken und neuen Computern, die mit Computern geschaffen wurden, verschwommen. Zum Beispiel kann ein Künstler traditionelle Malerei mit algorithmischer Kunst und anderen digitalen Techniken kombinieren. Infolgedessen kann es schwierig sein, Computerkunst anhand ihres Endprodukts zu definieren. Trotzdem taucht diese Art von Kunst allmählich in Exponaten von Kunstmuseen auf, obwohl sie ihre Legitimität als Form für sich selbst noch nicht bewiesen hat und diese Technologie in der zeitgenössischen Kunst eher als Werkzeug als als Form wie bei der Malerei gesehen wird. Auf der anderen Seite gibt es computergestützte Kunstwerke, die zu einem neuen konzeptuellen und postdigitalen Strang gehören und dieselben Technologien und ihre sozialen Auswirkungen als Untersuchungsgegenstand annehmen.

Die Computernutzung hat die Unterscheidung zwischen Illustratoren, Fotografen, Bildbearbeitern, 3D-Modellierern und Kunsthandwerkern verwischt. Ausgefeilte Rendering- und Bearbeitungssoftware hat zu vielseitigen Bildentwicklern geführt. Fotografen können digitale Künstler werden. Illustratoren können zu Animatoren werden. Handwerk kann computergestützt sein oder computergenerierte Bilder als Vorlage verwenden. Die Verwendung von Computer-Cliparts hat auch die klare Unterscheidung zwischen bildender Kunst und Seitenlayout weniger offensichtlich gemacht, da beim Paginieren eines Dokuments ein einfacher Zugriff und eine einfache Bearbeitung von ClipArts möglich sind, insbesondere für den ungelernten Beobachter.

Plastische Kunst[edit]

Plastische Kunst ist ein Begriff für Kunstformen, die die physikalische Manipulation eines plastischen Mediums durch Formen oder Modellieren wie Skulptur oder Keramik beinhalten. Der Begriff wurde auch angewendet alle visuellen (nicht literarischen, nicht musikalischen) Künste.^[23][24]

Materialien, die geschnitzt oder geformt werden können, wie Stein oder Holz, Beton oder Stahl, wurden ebenfalls in die engere Definition aufgenommen, da solche Materialien mit geeigneten Werkzeugen auch modulierbar sind.^{[citation needed]} Diese Verwendung des Begriffs “Plastik” in der Kunst sollte weder mit Piet Mondrians Verwendung noch mit der Bewegung verwechselt werden, die er auf Französisch und Englisch als “Neoplastizismus” bezeichnete.

Skulptur[edit]

Skulptur ist ein dreidimensionales Kunstwerk, das durch Formen oder Kombinieren von hartem oder plastischem Material, Ton oder Text und / oder Licht, üblicherweise Stein (entweder Stein oder Marmor), Ton, Metall, Glas oder Holz, entsteht. Einige Skulpturen entstehen direkt durch Finden oder Carving;; andere werden zusammengebaut, zusammengebaut und gebrannt, geschweißt, geformt oder gegossen. Skulpturen werden oft gemalt.^[25]

Eine Person, die Skulpturen schafft, wird Bildhauer genannt.

Da für die Skulptur Materialien verwendet werden, die geformt oder moduliert werden können, gilt sie als eine der bildenden Künste. Der Großteil der öffentlichen Kunst ist Skulptur. Viele Skulpturen zusammen in einer Gartenumgebung können als Skulpturengarten bezeichnet werden. Bildhauer machen Skulpturen nicht immer von Hand. Mit zunehmender Technologie im 20. Jahrhundert und der Popularität der Konzeptkunst gegenüber der technischen Meisterschaft wandten sich immer mehr Bildhauer an Kunstverarbeiter, um ihre Kunstwerke zu produzieren. Bei der Herstellung erstellt der Künstler ein Design und bezahlt einen Verarbeiter, um es zu produzieren. Auf diese Weise können Bildhauer größere und komplexere Skulpturen aus Materialien wie Zement, Metall und Kunststoff herstellen, die sie nicht von Hand herstellen könnten. Skulpturen können auch mit 3D-Drucktechnologie hergestellt werden.

US-amerikanische Definition der visuellen Kunst[edit]

In den Vereinigten Staaten enthält das Gesetz zum Schutz des Urheberrechts an einem visuellen Kunstwerk eine restriktivere Definition von “visueller Kunst”.^[26]

Ein “Kunstwerk der bildenden Kunst” ist –

(1) ein Gemälde, eine Zeichnung, ein Druck oder eine Skulptur, die in einer einzigen Kopie, in einer limitierten Auflage von 200 Exemplaren oder weniger, die vom Autor signiert und fortlaufend nummeriert sind, oder im Fall einer Skulptur in mehreren Abgüssen vorliegen geschnitzte oder gefertigte Skulpturen von 200 oder weniger, die vom Autor fortlaufend nummeriert werden und die Unterschrift oder ein anderes Erkennungszeichen des Autors tragen; oder

(2) ein Standbild, das nur zu Ausstellungszwecken erstellt wurde und in einer vom Autor signierten Einzelexemplar oder in einer limitierten Auflage von 200 oder weniger Exemplaren vorliegt, die vom Autor signiert und fortlaufend nummeriert werden.

Ein Kunstwerk beinhaltet nicht –

(A) (i) Poster, Karten, Globus, Diagramme, technische Zeichnungen, Diagramme, Modelle, angewandte Kunst, Filme oder andere audiovisuelle Werke, Bücher, Magazine, Zeitungen, Zeitschriften, Datenbanken, elektronische Informationsdienste, elektronische Veröffentlichungen, oder eine ähnliche Veröffentlichung;

(ii) Merchandising-Artikel oder Werbe-, Verkaufsförderungs-, Beschreibungs-, Abdeckungs- oder Verpackungsmaterial oder -behälter;

(iii) einen Teil oder einen Teil eines in Abschnitt (i) oder (ii) beschriebenen Gegenstands;

(B) alle gemieteten Arbeiten; oder

(C) Werke, die unter diesem Titel nicht urheberrechtlich geschützt sind.

Siehe auch[edit]

Verweise[edit]

Literaturverzeichnis[edit]

• Barnes, AC, Die Kunst in der Malerei3. Auflage, 1937, Harcourt, Brace & World, Inc., NY.
• Bukumirovic, D. (1998). Maga Magazinovic. Biblioteka Fatalne srpkinje knj. br. 4. Beograd: Narodna knj.
• Fazenda, MJ (1997). Zwischen Bild und Ausdruck von Ideen: die bildende Kunst und Literatur im Tanz von Paula Massano. np
• Gerón, C. (2000). Enciclopedia de las artes plásticas dominicanas: 1844–2000. 4. Aufl. Dominikanische Republik sn
• Oliver Grau (Hrsg.): MediaArtHistories. MIT-Press, Cambridge 2007. mit Rudolf Arnheim, Barbara Stafford, Sean Cubitt, WJT Mitchell, Lev Manovich, Christiane Paul und Peter Weibel ua Rezensionen
• Laban, RV (1976). Die Sprache der Bewegung: ein Leitfaden zur Choreutik. Boston: Spiele.
• La Farge, O. (1930). Plastikgebete: Tänze der südwestlichen Indianer. np
• Restany, P. (1974). Kunststoffe in der Kunst. Paris, New York: np
• Universität von Pennsylvania. (1969). Kunststoffe und neue Kunst. Philadelphia: Der Falke Pr.

Externe Links[edit]