Ellsworth Kelly – Wikipedia

Amerikanischer Maler

Ellsworth Kelly
Ellsworth Kelly kommt am 9. Februar 2008 zur LACMA-Galaeröffnung des Broad Contemporary Art Museum in Los Angeles
Geboren	(1923-05-31)31. Mai 1923
Ist gestorben	27. Dezember 2015(27.12.2015) (92 Jahre)
Staatsangehörigkeit	amerikanisch
Bildung	Pratt Institut École nationale supérieure des Beaux-Arts Schule des Museum of Fine Arts, Boston
Bekannt für	Malerei, Skulptur, Druckgrafik
Auszeichnungen	Praemium Imperiale

Ellsworth Kelly (31. Mai 1923 – 27. Dezember 2015) war ein US-amerikanischer Maler, Bildhauer und Grafiker, der sich mit Malerei auf harten Kanten, Farbfeldmalerei und Minimalismus beschäftigte. Seine Arbeiten zeigen bescheidene Techniken, die Linie, Farbe und Form betonen, ähnlich wie die Arbeiten von John McLaughlin und Kenneth Noland. Kelly verwendete oft helle Farben. Er lebte und arbeitete in Spencertown, New York.

Kindheit[edit]

Kelly wurde als zweiter von drei Söhnen von Allan Howe Kelly und Florence Rose Elizabeth (Githens) Kelly in Newburgh, New York, ungefähr 60 Meilen nördlich von New York City, geboren.^[1] Sein Vater war ein leitender Angestellter einer Versicherungsgesellschaft schottisch-irischer und deutscher Abstammung. Seine Mutter war eine ehemalige Schullehrerin aus Walisisch und Pennsylvania. Seine Familie zog von Newburgh nach Oradell, New Jersey, einer Stadt mit fast 7.500 Einwohnern. Seine Familie lebte in der Nähe des Oradell-Stausees, wo ihn seine Großmutter väterlicherseits mit acht oder neun Jahren in die Ornithologie einführte.

Dort entwickelte er seine Leidenschaft für Form und Farbe. John James Audubon hatte während seiner gesamten Karriere einen besonders starken Einfluss auf Kellys Arbeit. Der Autor Eugene Goossen spekulierte, dass die zwei- und dreifarbigen Gemälde (wie z Drei Felder: Rot Gelb Blau, ich 1963), für die Kelly so bekannt ist, lässt sich auf seine Vogelbeobachtung und sein Studium der zwei- und dreifarbigen Vögel zurückführen, die er in jungen Jahren so häufig gesehen hat. Kelly hat gesagt, er sei als kleiner Junge oft allein gewesen und ein bisschen ein “Einzelgänger” geworden. Er hatte ein leichtes Stottern, das bis in seine Teenagerjahre andauerte.^[1]

Bildung[edit]

Kelly besuchte eine öffentliche Schule, in der der Kunstunterricht Materialien betonte und versuchte, die “künstlerische Vorstellungskraft” zu entwickeln. Dieser Lehrplan war typisch für den breiteren Trend in der Schulbildung, der sich aus den vom Teacher’s College der Columbia University, an dem der amerikanische Maler der Moderne, Arthur Wesley Dow, gelehrten progressiven Bildungstheorien hervorgegangen war.^[1] Obwohl seine Eltern Kellys Kunstausbildung nur ungern unterstützten, ermutigte ihn ein Schullehrer, noch weiter zu gehen.^[2] Da seine Eltern nur für die technische Ausbildung bezahlen würden, studierte Kelly zunächst am Pratt Institute in Brooklyn, an dem er von 1941 bis zu seiner Aufnahme in die Armee am Neujahrstag 1943 teilnahm.^{[citation needed]}

Militär[edit]

Als Kelly 1943 in den US-Militärdienst eintrat, beantragte sie die Zuweisung zum 603. Engineers Camouflage Battalion, das viele Künstler mitnahm. Er wurde in Fort Dix, New Jersey, aufgenommen und nach Camp Hale, Colorado, geschickt, wo er mit Bergskitruppen trainierte. Er war noch nie Ski gefahren. Sechs bis acht Wochen später wurde er nach Fort Meade, Maryland, versetzt.^[1] Während des Zweiten Weltkriegs diente er mit anderen Künstlern und Designern in einer Täuschungseinheit, die als The Ghost Army bekannt ist. Die Ghost-Soldaten benutzten aufblasbare Panzer, Lastwagen und andere Elemente der List, um die Achsenmächte über die Richtung und Disposition der alliierten Streitkräfte in die Irre zu führen. Sein Kontakt mit militärischer Tarnung während seiner Dienstzeit wurde Teil seiner künstlerischen Grundausbildung.^[1] Kelly diente mit der Einheit von 1943 bis zum Ende der europäischen Kriegsphase.

Nachkriegsausbildung[edit]

Kelly nutzte den GI-Gesetzentwurf, um von 1946 bis 1947 an der Schule des Museum of Fine Arts in Boston zu studieren, wo er die Sammlungen des Museums nutzte, und anschließend an der École nationale supérieure des Beaux-Arts in Paris. Während seiner Zeit in Boston stellte er in seiner ersten Gruppenausstellung in der Boris Mirski Gallery aus und unterrichtete Kunstkurse im Norfolk House Center in Roxbury.^[3] Während seiner Zeit in Paris etablierte Kelly seine Ästhetik.^[4] Er besuchte selten Kurse, tauchte aber in die reichen künstlerischen Ressourcen der französischen Hauptstadt ein.^[5] Er hatte 1948 einen Vortrag von Max Beckmann über den französischen Künstler Paul Cézanne gehört und war in diesem Jahr nach Paris gezogen.^[6] Dort begegnete er den amerikanischen Landsleuten John Cage und Merce Cunningham, die mit Musik und Tanz experimentierten. der französische surrealistische Künstler Jean Arp; und der abstrakte Bildhauer Constantin Brâncuși, dessen Vereinfachung natürlicher Formen ihn nachhaltig beeinflusste.^[7] Die Erfahrung, Künstler wie Alberto Magnelli, Francis Picabia, Alberto Giacometti und Georges Vantongerloo in ihren Ateliers zu besuchen, war transformativ.^[8]

Nach sechs Jahren im Ausland war Kellys Französisch immer noch arm und er hatte nur ein Gemälde verkauft. 1953 wurde er aus seinem Atelier vertrieben und kehrte im folgenden Jahr nach Amerika zurück.
^[9] Er war interessiert geworden, nachdem er eine Rezension einer Ad Reinhardt-Ausstellung gelesen hatte, einem Künstler, mit dessen Arbeit er sich verbunden fühlte. Nach seiner Rückkehr nach New York fand er die Kunstwelt „sehr hart“.^[1] Obwohl Kelly heute als wesentlicher Innovator und Mitwirkender der amerikanischen Kunstbewegung gilt, war es für viele schwierig, den Zusammenhang zwischen Kellys Kunst und den vorherrschenden Stiltrends zu finden.^[4] Im Mai 1956 hatte Kelly seine erste New Yorker Ausstellung in der Galerie von Betty Parsons. Seine Kunst galt als europäischer als zu dieser Zeit in New York populär. Im Herbst 1957 zeigte er erneut in ihrer Galerie. Drei seiner Stücke: atlantisch, Bar, und Malen in drei Tafeln, wurden ausgewählt und in der Ausstellung “Young America 1957” des Whitney Museum of American Art gezeigt. Seine Werke galten als radikal anders als die Werke der anderen 29 Künstler. Malen in drei Tafeln, zum Beispiel wurde besonders bemerkt; Kritiker fragten damals, ob er aus drei Leinwänden ein Werk schaffe.^[1] Zum Beispiel hat Michael Plante gesagt, dass Kellys mehrteilige Teile häufig aufgrund von Installationsbeschränkungen beengt waren, was die Interaktion zwischen den Teilen und der Architektur des Raums verringerte.^[10]

Kelly zog schließlich von Coenties Slip, wo er sich manchmal ein Studio mit seiner Künstlerkollegin und Freundin Agnes Martin geteilt hatte, in den neunten Stock des Hochhausstudios / Genossenschaftshotels des Artistes in der 27 West 67th Street.^[11]

Kelly verließ New York City 1970 nach Spencertown und wurde 1984 von seinem Partner, dem Fotografen Jack Shear, begleitet.^[12] Von 2001 bis zu seinem Tod arbeitete Kelly in einem 20.000 Quadratmeter großen Studio in Spencertown, das vom Architekten Richard Gluckman neu konfiguriert und erweitert wurde. Kelly und Shear zogen 2005 in die Residenz, die sie sich bis zum Tod des Malers teilten, ein holzverkleidetes Kolonialhaus, das um 1815 erbaut wurde.^[12] Shear ist Direktor der Ellsworth Kelly Foundation.^[8] Im Jahr 2015 schenkte Kelly dem Blanton Museum of Art an der Universität von Texas in Austin sein Gebäudekonzept für einen Ort der Kontemplation. Betitelt AustinDas 2.715 Quadratmeter große Steingebäude mit farbigen Glasfenstern, einer totemistischen Holzskulptur und schwarz-weißen Marmorplatten ist das einzige Gebäude, das Kelly entworfen hat und das seine monumentalste Arbeit ist.^[13]Austin, das Kelly 30 Jahre zuvor entworfen hatte, wurde im Februar 2018 eröffnet.^[14]

Kelly starb am 27. Dezember 2015 im Alter von 92 Jahren in Spencertown, New York.^[15]

Malerei[edit]

Während er in Paris war, hatte Kelly die Figur weiter gemalt, aber im Mai 1949 machte er seine ersten abstrakten Gemälde.^[2] Er beobachtete, wie sich Licht auf der Wasseroberfläche verteilte und malte Seine (1950) aus zufällig angeordneten schwarzen und weißen Rechtecken. 1951 begann er eine Reihe von acht Collagen mit dem Titel Durch Zufall I bis VIII arrangierte Spektrumsfarben. Er schuf es mit nummerierten Zetteln; jedes bezog sich auf eine Farbe, einen von achtzehn verschiedenen Farbtönen, die auf einem Raster von 40 mal 40 Zoll platziert werden sollten. Jede der acht Collagen verwendete einen anderen Prozess.^[16]

Kellys Entdeckung von Monets spätem Werk im Jahr 1952 verlieh ihm eine neue Freiheit des malerischen Ausdrucks: Er begann in extrem großen Formaten zu arbeiten und erkundete die Konzepte von Serialität und monochromen Gemälden.^[17] Als Maler arbeitete er fortan ausschließlich abstrakt. In den späten 1950er Jahren betonte seine Malerei Form und planare Massen (oft in nicht geradlinigen Formaten). Seine Arbeit aus dieser Zeit bot auch eine nützliche Brücke von der Avantgarde der amerikanischen geometrischen Abstraktion der 1930er und frühen 1940er Jahre zum Minimalismus und zur reduktiven Kunst der Mitte der 1960er und 1970er Jahre.^[2] Kellys Reliefbild Blaue Tablette (1962) zum Beispiel wurde in die wegweisende Ausstellung von 1963 aufgenommen, Auf dem Weg zu einer neuen Abstraktionim Jüdischen Museum.^[18]

In den 1960er Jahren begann er mit unregelmäßig abgewinkelten Leinwänden zu arbeiten. Gelbes Stück (1966), die erste geformte Leinwand des Künstlers, repräsentiert Kellys entscheidenden Bruch mit der rechteckigen Stütze und seine Neudefinition der Figur-Boden-Beziehung des Gemäldes. Mit ihren geschwungenen Ecken und ihrer einzigen, allumfassenden Farbe wird die Leinwand selbst zur Komposition und verwandelt die Wand dahinter in den Boden des Bildes.^[19]

In den 1970er Jahren erweiterte er sein Repertoire um geschwungene Formen.^[17]Grün Weiß (1968) markiert das Debüt des Dreiecks in Kellys Oeuvre, eine Form, die im Laufe seiner Karriere immer wieder auftritt; Das Gemälde besteht aus zwei unterschiedlichen, geformten monochromatischen Leinwänden, die übereinander angebracht sind: Ein großformatiges, umgekehrtes grünes Trapez befindet sich vertikal über einem kleineren weißen Dreieck und bildet eine neue geometrische Komposition.^[20]

Nachdem er 1970 New York City nach Spencertown verlassen hatte, mietete er ein ehemaliges Theater in der nahe gelegenen Stadt Chatham, um in einem Studio zu arbeiten, das geräumiger war als jedes andere, das er zuvor besetzt hatte. Nachdem Kelly ein Jahr dort gearbeitet hatte, begann sie mit einer Serie von 14 Gemälden, die das werden sollten Chatham-Serie. Jede Arbeit hat die Form einer umgekehrten Ell und besteht aus zwei zusammengefügten Leinwänden, wobei jede Leinwand ein Monochrom einer anderen Farbe ist. Die Werke variieren in Proportionen und Paletten von einem zum nächsten; Es wurde sorgfältig auf die Größe jedes Panels und die ausgewählte Farbe geachtet, um ein Gleichgewicht und einen Kontrast zwischen beiden zu erreichen.^[21]

Eine größere Serie von zwölf Werken, die Kelly 1972 begann und erst 1983 fertigstellte, Grau wurde ursprünglich als Antikriegserklärung konzipiert und ist farblos.^[22] 1979 verwendete er Kurven in zweifarbigen Gemälden aus getrennten Tafeln.^[2]

In späteren Gemälden destillierte Kelly seine Palette und führte neue Formen ein. In jeder Arbeit begann er mit einer rechteckigen Leinwand, die er sorgfältig mit vielen Schichten weißer Farbe bemalte; Eine geformte Leinwand, meistens schwarz gestrichen, wird darauf gelegt.^[23]

In Bezug auf seine eigene Arbeit sagte Kelly 1996 in einem Interview: “Ich denke, was wir alle von der Kunst wollen, ist ein Gefühl der Fixierung, ein Gefühl, dem Chaos des täglichen Lebens entgegenzutreten. Dies ist natürlich eine Illusion. Leinwand verrottet. Farbe ändert die Farbe. Aber du versuchst immer wieder, die Welt einzufrieren, als ob du sie für immer halten könntest. In gewissem Sinne habe ich versucht, die Realität des Flusses einzufangen, um die Kunst in einer offenen, unvollständigen Situation zu halten, um an die Welt zu gelangen Entrückung des Sehens. “^[24]

Kelly kommentierte: “Mir wurde klar, dass ich keine Bilder komponieren wollte … ich wollte sie finden. Ich hatte das Gefühl, dass meine Vision darin bestand, Dinge auf der Welt auszuwählen und zu präsentieren. Für mich war die Untersuchung der Wahrnehmung von größtem Interesse. Dort war so viel zu sehen und alles sah für mich fantastisch aus. “^[24]

Lithographien und Zeichnungen[edit]

Kelly bot ab Ende der 1940er Jahre Zeichnungen von Pflanzen und Blumen an.^[25]Ailanthus (1948) ist die erste Pflanzenzeichnung, die er in Boston ausführte. Hyazinthe (1949) war der erste, den er in Paris machte.^[26] Ab 1949 begann er in Paris zu leben (und wurde von Henri Matisse und Jean Arp in dieser Themenwahl beeinflusst), einfache Pflanzen- und Algenformen zu zeichnen.^[27] Bei den Pflanzenstudien handelt es sich größtenteils um Konturzeichnungen von Blättern, Stielen und Blüten, die mit sauberen Bleistift- oder Stiftstrichen erstellt und auf der Seite zentriert wurden.^[28]

Mitte der 1960er Jahre begann er konzertiert mit der Druckgrafik, als er seine produzierte Suite von siebenundzwanzig Lithographien (1964–66) mit Maeght Éditeur in Paris. Zu diesem Zeitpunkt schuf er seine erste Gruppe von Pflanzenlithographien.^[27] Ab 1970 arbeitete er hauptsächlich mit Gemini GEL zusammen. Seine erste Serie von 28 Transferlithographien mit dem Titel Suite von Pflanzenlithographien, markierte den Beginn eines Korpus, der auf 72 Drucke und unzählige Laubzeichnungen anwachsen sollte.^[29] 1971 vollendete er vier Druckausgaben und eine Mehrfachausgabe Gespiegelte Concorde bei Gemini GEL^[30] Seine Lila / Rot / Grau / Orange (1988) ist mit einer Länge von achtzehn Fuß möglicherweise die größte jemals hergestellte Einzelblattlithographie.^[31] Seine jüngsten Ausgaben, Der Fluss, Staaten des Flusses und Fluss II, spiegeln die Faszination für Wasser wider, die Kelly seit seinen frühen Tagen in Paris besaß.^[32] 1975 war Kelly der erste Künstler, der für die MATRIX-Reihe des Wadsworth Atheneum Museum of Art ausstellte. Die Ausstellung zeigte Kellys Corn Stalk-Zeichnungsserie und zwei seiner Stahlskulpturen aus dem Jahr 1974.^[33]

Skulptur[edit]

Obwohl Kelly vielleicht besser für seine Gemälde bekannt ist, arbeitete er während seiner gesamten Karriere auch in der Bildhauerei. 1958 konzipierte Kelly eine seiner ersten Holzskulpturen, Concorde Relief I. (1958), ein bescheiden skaliertes Wandrelief in Ulme, das das visuelle Spiel und die Balance zwischen zwei übereinander geschichteten rechteckigen Formen untersucht, wobei die oberste mit der oberen rechten und der unteren linken Ecke entfernt ist. Im Laufe seiner Karriere fertigte er 30 Holzskulpturen an.^[34] Ab 1959 schuf er freistehende gefaltete Skulpturen.^[35] Das Rocker Die Serie begann 1959 nach Kellys ungezwungenem Gespräch mit Agnes Martin, die unter ihm auf dem Coenties Slip in Lower Manhattan lebte. Kelly spielte mit der Papierplatte aus einer herausnehmbaren Kaffeetasse und schnitt und faltete einen Teil des runden Gegenstandes, den er dann auf den Tisch legte und hin und her schaukelte. Bald darauf baute er seine erste Skulptur in der Runde, Pony. Der Titel bezieht sich auf ein Hobbypferd für Kinder mit geschwungenen Kipphebelstützen.^[36]

1973 begann Kelly regelmäßig mit der Herstellung großformatiger Skulpturen im Freien. Kelly gab lackierte Oberflächen auf und entschied sich stattdessen für unlackierten Stahl, Aluminium oder Bronze.^[37] oft in totemartigen Konfigurationen wie Kurve XXIII (1981). Während die Totemformen seiner freistehenden Skulpturen bis zu 15 Fuß hoch sein können, können seine Wandreliefs mehr als 14 Fuß breit sein.^[34] Kellys Skulptur “basiert auf der Einhaltung der absoluten Einfachheit und Klarheit der Form.”^[38] Für seine Skulpturen aus den 1980er Jahren widmete der Künstler in dieser Zeit seiner Zeit in Spencertown erstmals seinen Skulpturen ebenso viel Energie wie seiner Malerei und produzierte dabei über sechzig Prozent seiner insgesamt 140 Skulpturen.^[36]

Kelly schuf seine Stücke mit einer Reihe von Ideen in verschiedenen Formen. Möglicherweise hat er mit einer Zeichnung begonnen, die Zeichnung zu einem Druck erweitert, den Druck aufgenommen und ein freistehendes Stück erstellt, das dann zu einer Skulptur verarbeitet wurde. Seine Skulpturen sollen ganz einfach sein und können schnell, oft nur auf einen Blick, betrachtet werden. Der Betrachter beobachtet glatte, flache Oberflächen, die von dem sie umgebenden Raum abgeschieden sind. Dieses Gefühl von Flachheit und Minimalismus macht es schwierig, den Unterschied zwischen Vordergrund und Hintergrund zu erkennen.^[38] Kellys Blaue Scheibe wurde in die wegweisende Ausstellung von 1966 im Jewish Museum in New York mit dem Titel aufgenommen, PrimärstrukturenNeben vielen viel jüngeren Künstlern, die gerade erst anfangen, mit minimalen Formen zu arbeiten.^{[citation needed]}

Stil[edit]

William Rubin bemerkte, dass “Kellys Entwicklung entschieden nach innen gerichtet war: weder eine Reaktion auf den Abstrakten Expressionismus noch das Ergebnis eines Dialogs mit seinen Zeitgenossen.”^[39] Viele seiner Gemälde bestehen aus einer einzigen (normalerweise hellen) Farbe, wobei einige Leinwände eine unregelmäßige Form haben, die manchmal als “geformte Leinwände” bezeichnet werden. Die Qualität der Linien, die in seinen Gemälden und in Form seiner geformten Leinwände zu sehen sind, ist sehr subtil und impliziert Perfektion. Dies wird in seinem Stück demonstriert Block Island Studie (1959).^{[citation needed]}

Einflüsse[edit]

Kellys Hintergrund im Militär wurde als Quelle für die Ernsthaftigkeit seiner Arbeiten vorgeschlagen.^[1] Während seines Militärdienstes war Kelly der Tarnung ausgesetzt und beeinflusst, mit der sein spezielles Bataillon arbeitete. Dies lehrte ihn über die Verwendung von Form und Schatten sowie die Konstruktion und Dekonstruktion des Sichtbaren. Es war grundlegend für seine frühe Ausbildung als Künstler. Ralph Coburn, ein Freund von Kelly aus Boston, führte ihn während seines Besuchs in Paris in die Technik des automatischen Zeichnens ein. Kelly übernahm diese Technik, ein Bild zu machen, ohne auf das Blatt Papier zu schauen. Diese Techniken halfen Kelly dabei, seinen Zeichenstil zu lockern und seine Akzeptanz dessen, was er für Kunst hielt, zu erweitern.^[1] Während seines letzten Jahres in Paris war Kelly krank und litt auch an Depressionen. Sims glaubte, dass dies seine vorherrschende Verwendung von Schwarz und Weiß in dieser Zeit beeinflusste.^[38]

Kellys Bewunderung für Henri Matisse und Pablo Picasso zeigt sich in seiner Arbeit. Er trainierte sich darin, Dinge auf verschiedene Arten zu betrachten und aufgrund ihrer Inspiration in verschiedenen Medien zu arbeiten.^[4]Piet Mondrian beeinflusste die nicht-objektiven Formen, die er sowohl in seinen Gemälden als auch in seinen Skulpturen verwendete.^[4] Kelly wurde während seines Studiums in Paris zum ersten Mal von der Kunst und Architektur der romanischen und byzantinischen Zeit beeinflusst. Seine Einführung in den Surrealismus und den Neoplastizismus beeinflusste seine Arbeit und veranlasste ihn, die Abstraktion geometrischer Formen zu testen.^[4]

Kuratieren[edit]

2014 organisierte Kelly eine Ausstellung mit Matisse-Zeichnungen im Kunstmuseum des Mount Holyoke College in South Hadley, Massachusetts.^[40] 2015 kuratierte er “Monet / Kelly” am Clark Art Institute.^[41]

Persönliches Leben[edit]

1956 lernte er Robert Indiana kennen, der im selben Gebäude umzog und sie wurden Partner und Indiana wurde sein Mentor. Sie lösten sich um 1964 auf. Einer der Gründe war Indianas Verwendung von Wörtern in seinen Gemälden, und Kelly hielt eine solche Technik für nicht kunstwürdig.^[42]

Von 1984 bis zu seinem Tod lebte Kelly mit seinem Ehemann, dem Fotografen Jack Shear, zusammen, der als Direktor der Ellsworth Kelly Foundation fungiert.^[43][44][45]

Kunstwerke (Auswahl)[edit]

• Rot Gelb Blau Weiß und Schwarz, [1] 1953, Öl auf Leinwand, Art Institute of Chicago, Chicago
• Weiße Scheibe III, [2] 1961 Ölfarbe auf Holz, Art Institute of Chicago, Chicago
• Fenster, Museum für moderne Kunst, Paris, 1949, Öl und Holz auf Leinwand, Privatsammlung
• Durch Zufall arrangiertes Farbspektrum, 1951–53, Öl auf Holz, San Francisco Museum of Modern Art
• Schwarz reif, 1955, Öl auf Leinwand, Sammlung von Harry W. und Mary Margaret Anderson
• Skulptur für eine große Wand1956–57, eloxiertes Aluminium, Museum of Modern Art, New York
• Rotorange (Inka)1959, Öl auf Leinwand, Wadsworth Atheneum, Hartford
• Rot Blau Grün, 1963, Öl auf Leinwand, Museum für zeitgenössische Kunst, San Diego
• Kurve IX, 1974, poliertes Aluminium, Privatsammlung
• Houston Triptychon1986, Bronze, Museum of Fine Arts, Houston
• Drei Felder: Orange, Dunkelgrau, Grün1986, Öl auf Leinwand, Museum of Modern Art, New York
• Rote Kurven, 1996, Öl auf Leinwand, Privatsammlung
• Hochgelb, 1960, Öl auf Leinwand, Blanton Museum of Art in Austin, TX
• Neun Quadrate 1976–77, Öl auf Leinwand, Sammlung von Tate
• Austin, 2015, Struktur, Blanton Museum of Art in Austin, TX

Ausstellungen[edit]

Kellys erste Einzelausstellung fand 1951 in der Galerie Arnaud in Paris statt. Seine erste Einzelausstellung in New York fand 1956 in der Betty Parsons Gallery statt. 1957 zeigte er Werke in einer Gruppenausstellung in der Ferus Gallery in Los Angeles .^[46] 1959 wurde er in die bahnbrechende Ausstellung des Museum of Modern Art aufgenommen. Sechzehn Amerikaner.^[47] Kelly wurde 1961 zur Ausstellung auf die Biennale von São Paulo eingeladen. Seine Arbeiten wurden später 1964, 1968, 1977, 1992 in die documenta aufgenommen. Ein Raum seiner Gemälde wurde in die Biennale von Venedig 2007 aufgenommen.

Kellys erste Retrospektive fand 1973 im Museum of Modern Art statt. Seine Arbeiten wurden seitdem in zahlreichen retrospektiven Ausstellungen anerkannt, darunter 1982 in einer Skulpturenausstellung im Whitney Museum of American Art, New York; eine Ausstellung mit Arbeiten auf Papier und eine Ausstellung seiner Druckarbeiten, die von 1987 bis 1988 viel in den USA und Kanada unterwegs waren; und eine Karriere-Retrospektive im Jahr 1996, die vom Solomon R. Guggenheim Museum organisiert wurde und zum Museum für zeitgenössische Kunst in Los Angeles, zur Tate Gallery in London und zum Haus der Kunst in München reiste. Seitdem wurden Einzelausstellungen von Kellys Werken im Metropolitan Museum of Art in New York (1998), im Fogg Art Museum in Cambridge (1999), im San Francisco Museum of Modern Art (1988/2002) und im Philadelphia Museum of Art (1998/2002) gezeigt. 2007) und Museum of Modern Art in New York (2007).^[48]

1993 veranstaltete die Galerie nationale du Jeu de Paume in Paris die Ausstellung “Ellsworth Kelly: Die französischen Jahre, 1948–54”, die auf der Beziehung des Künstlers zur Stadt basiert und in die National Gallery of Art in Washington DC reiste. 2008 ehrte das Musée d’Orsay Kelly mit der Ausstellung “Correspondences: Paul Cézanne Ellsworth Kelly”.^[49]Haus der Kunst zeigte 2012 die erste umfassende Retrospektive von Kellys Schwarz-Weiß-Arbeiten.^[50]

Anlässlich des 90. Geburtstages des Künstlers im Jahr 2013 veranstaltete die National Gallery of Art in Washington eine Ausstellung seiner Drucke; Die Barnes Foundation in Philadelphia stellte fünf Skulpturen in einer Ausstellung zusammen. Die Phillips Collection in Washington stellte seine Tafelbilder aus. und das Museum of Modern Art eröffnete eine Ausstellung der „Chatham Series“.^[51]

Ausgewählte Einzelausstellungen[edit]

• 1951 Kelly Peintures et ReliefsGalerie Arnaud, Paris
• 1956 Betty Parsons Gallery, New York
• 1957 Betty Parsons Gallery, New York
• 1957 Young America 1957, Whitney Museum für amerikanische Kunst, New York
• 1973 Ellsworth Kelly, Museum of Modern Art, New York
• 1977 Ellsworth Kelly: Gemälde, Leo Castelli Galerie, New York
• 1982 Ellsworth Kelly: Skulptur, Whitney Museum für amerikanische Kunst, New York
• 1985 Ellsworth Kelly: White Panel II “, Hochmuseum für Kunst, Atlanta
• 1987 Ellsworth Kelly: Arbeitet auf Papier, Fort Worth Kunstmuseum, Fort Worth
• 1994 Ellsworth Kelly: Neueste Gemälde, Matthew Marks Gallery, New York
• 1996 Ellsworth Kelly: Eine Retrospektive, Guggenheim Museum, New York
• 2002 Ellsworth Kelly in San Francisco, San Francisco Museum für moderne Kunst, San Francisco
• 2003 Ellsworth Kelly: Die Selbstporträtzeichnungen, 1944–1992, Matthew Marks Gallery, New York
• 2006 Ellsworth Kelly: Neue Gemälde, Matthew Marks Gallery, New York
• 2010 Ellsworth Kelly: Zeichnungen 1954–1962, Middlesbrough Institute of Modern Art, Middlesbrough, Vereinigtes Königreich
• 2012 Ellsworth Kelly: Schwarz und Weiss, Museum Wiesbaden, Wiesbaden
• 2014 Monet | Kelly, Clark Art Institute, Williamstown, Massachusetts

Öffentliche Aufträge[edit]

1957 wurde Kelly beauftragt, eine 65 Fuß lange Wandskulptur für das Transportgebäude im Penn Center in Philadelphia herzustellen, seine bislang größte Arbeit. Weitgehend vergessen, die Skulptur betitelt Skulptur für eine große Wand (1957) wurde schließlich abgebaut. Kelly hat seitdem viele öffentliche Aufträge ausgeführt, darunter Wright-Kurve (1966), eine Stahlskulptur für die dauerhafte Installation im Peter B. Lewis Theater in Guggenheim;^[52] ein Wandbild für das UNESCO-Hauptquartier in Paris im Jahr 1969; Kurve XXII (ich werde) 1981 im Lincoln Park in Chicago; ein Auftrag von IM Pei aus dem Jahr 1985 für das Raffles City-Gebäude in Singapur; das Houston Triptychonvertikale Bronzeflugzeuge, die 1986 im Museum of Fine Arts in Houston auf einem hohen Beton montiert wurden; Totem (1987), eine Skulptur für den Parc de la Creueta del Coll, Barcelona; das Dallas Panels (Blau Grün Schwarz Rot) (1989) für das Morton H. Meyerson Symphony Center, Dallas;^[53] eine Skulptur von 1989 für den Hauptsitz von Nestlé in Vevey, Schweiz;^[30]Gallien (1993), eine monumentale Skulptur im Auftrag des Institute d’Art Contemporain, Nîmes, Frankreich; ein zweiteiliges Denkmal für das Holocaust Memorial Museum der Vereinigten Staaten, Washington, DC, 1993; und großflächig Berliner Tafeln für den Deutschen Bundestag, Berlin, 1998. Für das John Joseph Moakley United States Courthouse (entworfen von Henry N. Cobb) in Boston entwarf er Die Boston Panels, 21 farbenfrohe Aluminiumplatten, die in der zentralen Rotunde als Einzelarbeit im gesamten Gebäude installiert sind.^[54]

Kelly ist zweigeteilt Blau Schwarz (2001), 28 Fuß groß und aus lackiertem Wabenaluminium gefertigt, wurde für die Pulitzer Arts Foundation, St. Louis, in Auftrag gegeben.^[55] und die großflächige Bronze Ohne Titel (2005) wurde speziell für den Innenhof der Phillips Collection in Auftrag gegeben.^[56] Im Jahr 2005 wurde Kelly von Renzo Piano mit der einzigen ortsspezifischen Arbeit für den Modern Wing des Art Institute of Chicago beauftragt. Er erschuf Weiße Kurve, Die größte Wandskulptur, die er jemals gemacht hat und die seit 2009 ausgestellt ist.^[57] Kelly installiert Berliner Totem, eine 40-Fuß-Skulptur aus rostfreiem Stahl, im Innenhof der Botschaft der Vereinigten Staaten, Berlin, im Jahr 2008.^[58] Er machte später einen Vorhang, Spektrum VIII (2014), bestehend aus 12 Farbstreifen, für das Auditorium der Louis Vuitton Foundation in Paris.

1986 konzipierte Kelly sein erstes freistehendes Gebäude für einen Privatsammler, das jedoch nie realisiert wurde. Erst im Jahr 2015 erwarb das Blanton Museum of Art seinen Entwurf für ein 2.715 Quadratmeter großes Steingebäude mit 14 schwarz-weißen Marmorplatten und farbigen Glasfenstern, das auf dem Museumsgelände der University of Texas errichtet werden soll. Austin.^[59] Das Gebäude wurde am 18. Februar 2018 für die Öffentlichkeit geöffnet. Ein Kunstwerk und Architektur, Austingilt als Höhepunkt von Kellys Karriere.^[60]

Kelly wurde 1968 beauftragt, eine große Skulptur im Freien für die Kunstsammlung Nelson A. Rockefeller Empire State Plaza in Albany, NY, zu schaffen. Die Skulptur betitelt Gelb / Blau wurde von der Empire State Plaza-Umgebung inspiriert und ist Kellys größte stehende Skulptur mit einer Höhe von 9 Fuß und einem Durchmesser von fast 16 Fuß. Gelb / Blau war seine erste Stahlskulptur und ist bis heute die einzige in lackiertem Stahl.^[61]

Sammlungen[edit]

1957 kaufte das Whitney Museum of American Art ein Gemälde, atlantisch, die zwei weiße wellenartige Bögen gegen festes Schwarz darstellten; Es war Kellys erster Museumskauf.^[62] Heute befindet sich seine Arbeit in vielen öffentlichen Sammlungen, darunter im Centre Pompidou in Paris, im Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía in Madrid, in der Kunstsammlung des Empire State Plaza des Gouverneurs Nelson A. Rockefeller in Albany, New York, und in der Tate Modern. London. 1999 gab das San Francisco Museum of Modern Art bekannt, 22 Werke, Gemälde, Wandreliefs und Skulpturen von Ellsworth Kelly gekauft zu haben. Sie wurden mit mehr als 20 Millionen US-Dollar bewertet.^[63] Im Jahr 2003 erhielt die Menil Collection Kelly’s Tablette, 188 gerahmte Arbeiten auf Papier, darunter Skizzen, Arbeitszeichnungen und Collagen.^[64] Bemerkenswerte Privatsammler sind unter anderem Eli Broad und Gwyneth Paltrow.^[11]

Anerkennung[edit]

Kelly hat auch zahlreiche Ehrentitel erhalten, unter anderem vom Bard College (1996), Annandale-on-Hudson, New York;^[67]Royal College of Art, London (1997);^[30]Harvard University, Cambridge (2003); und Williams College (2005).^[68]

Kelly Briefmarken[edit]

Der United States Postal Service kündigte im Januar 2019 an, dass 2019 eine Reihe von Briefmarken zu Kellys Kunstwerken herausgegeben werden soll. Die USPS-Pressemitteilung würdigt Kellys Pionierarbeit für einen “unverwechselbaren Abstraktionsstil, der auf realen Elementen basiert, die auf ihre wesentlichen Formen reduziert sind”. Zehn Werke sind vertreten, darunter Gelbweiß, Farben für eine große Wand, Blau-Rot-Wippe, Spektrum I, Südfähre, Blaugrün, Orangerot-Relief (für Delphine Seyrig), Meschers, Rot-Blau und Gaza.^[69][70] Der Briefmarkensatz wird am 31. Mai 2019 herausgegeben.^[71]

Kunstmarkt[edit]

Der Händler Betty Parsons bot ihm 1956 erstmals eine Einzelausstellung an. 1965, nach fast einem Jahrzehnt bei Parsons, begann er mit der Sidney Janis Gallery zu zeigen.^[62] In den 1970er und 1980er Jahren wurde seine Arbeit gemeinsam von Leo Castelli und Blum Helman in New York bearbeitet.^[62] 1992 trat er der Matthew Marks Gallery in New York und Los Angeles sowie der Anthony d’Offay Gallery in London bei. Die Fassade von Marks ‘Galerie in Los Angeles wurde inspiriert von Studie für Schwarz-Weiß-Panels, eine Collage, die er 1954 in Paris gemacht hat, und ein Gemälde, Schwarz über Weiß.^[72] Ab 1964 produzierte er Drucke und Editionen von Skulpturen bei Gemini GEL in Los Angeles und Tyler Graphics Ltd in der Nähe von New York City.

Im Jahr 2014 Kellys Gemälde Rote Kurve (1982) bei Christie’s New York für 4,5 Millionen US-Dollar versteigert.^[73] Dieser Auktionsrekord für ein Werk von Ellsworth Kelly wurde durch das 13-teilige Gemälde aufgestellt Spektrum VI (1969), die am 14. November 2007 bei Sotheby’s New York, Abendverkauf für zeitgenössische Kunst, für 5,2 Millionen US-Dollar verkauft wurde.^[74]

Auktionsrekord[edit]

Im November 2019 stellte Christie’s einen Auktionsrekord für das Künstlerwerk Red Curve VII auf, das für 9,8 Millionen US-Dollar verkauft wurde ^[75]

Verweise[edit]

Externe Links[edit]

USPS Ankündigung von Ellsworth Kelly Stamps

https://about.usps.com/postal-bulletin/2019/pb22518/html/info-1_003.htm