Ölgemälde – Wikipedia
Malprozess mit Pigmenten, die mit einem Medium aus trocknendem Öl gebunden sind
Ölgemälde ist der Prozess des Malens mit Pigmenten mit einem Medium aus trocknendem Öl als Bindemittel. Zu den häufig verwendeten Trockenölen gehören Leinöl, Mohnöl, Walnussöl und Distelöl. Die Wahl des Öls verleiht der Ölfarbe eine Reihe von Eigenschaften, wie z. B. die Vergilbungs- oder Trocknungszeit. Bestimmte Unterschiede, je nach Öl, sind auch im Glanz der Farben sichtbar. Ein Künstler kann je nach den gewünschten Pigmenten und Effekten mehrere verschiedene Öle im selben Gemälde verwenden. Die Farben selbst entwickeln je nach Medium auch eine besondere Konsistenz. Das Öl kann mit einem Harz wie Kiefernharz oder Weihrauch gekocht werden, um einen Lack zu erhalten, der für seinen Körper und seinen Glanz geschätzt wird.
Die ältesten bekannten Ölgemälde wurden von buddhistischen Künstlern in Afghanistan geschaffen und stammen aus dem 7. Jahrhundert nach Christus.[1] Die Technik der Bindung von Pigmenten in Öl war in Europa mindestens im 12. Jahrhundert bekannt. Die Einführung der Ölfarbe durch die Europäer begann mit der frühniederländischen Malerei in Nordeuropa, und bis zum Höhepunkt der Renaissance hatten Ölmaltechniken die Verwendung von Temperafarben in den meisten Teilen Europas fast vollständig ersetzt.
In den letzten Jahren ist mit Wasser mischbare Ölfarbe erhältlich geworden. Wasserlösliche Farben werden entweder hergestellt oder es wurde ein Emulgator hinzugefügt, der es ermöglicht, sie mit Wasser zu verdünnen, anstatt sie zu verdünnen, und bei ausreichender Verdünnung sehr schnelle Trocknungszeiten (1–3 Tage) im Vergleich zu herkömmlichen Ölen (1) ermöglicht -3 Wochen).
Techniken[edit]
Traditionelle Ölmaltechniken beginnen oft damit, dass der Künstler das Motiv mit Kohle oder verdünnter Farbe auf die Leinwand skizziert. Ölfarbe wird normalerweise mit Leinöl, Lösungsbenzin in Künstlerqualität oder anderen Lösungsmitteln gemischt, um die Farbe dünner, schneller oder langsamer zu trocknen. (Da die Lösungsmittel das Öl in der Farbe verdünnen, können sie auch zum Reinigen von Pinseln verwendet werden.) Eine Grundregel für das Auftragen von Ölfarbe lautet „Fett über mager“. Dies bedeutet, dass jede zusätzliche Farbschicht mehr Öl als die Schicht enthalten sollte unten, um eine ordnungsgemäße Trocknung zu ermöglichen. Wenn jede zusätzliche Schicht weniger Öl enthält, reißt das endgültige Gemälde und schält sich ab. Diese Regel gewährleistet keine Beständigkeit. Es ist die Qualität und Art des Öls, die zu einem starken und stabilen Lackfilm führt.
Es gibt andere Medien, die mit dem Öl verwendet werden können, einschließlich kaltem Wachs, Harzen und Lacken. Diese zusätzlichen Medien können dem Maler helfen, die Lichtdurchlässigkeit der Farbe, den Glanz der Farbe, die Dichte oder den “Körper” der Farbe und die Fähigkeit der Farbe, den Pinselstrich zu halten oder zu verbergen, anzupassen. Diese Aspekte der Farbe hängen eng mit der Ausdruckskraft von Ölfarbe zusammen.
Traditionell wurde Farbe meistens mit Pinseln auf die Malfläche übertragen, es gibt jedoch auch andere Methoden, einschließlich der Verwendung von Spachteln und Lappen. Ölfarbe bleibt länger nass als viele andere Arten von Künstlermaterialien, so dass der Künstler die Farbe, Textur oder Form der Figur ändern kann. Manchmal kann der Maler sogar eine ganze Farbschicht entfernen und neu beginnen. Dies kann eine Zeit lang mit einem Lappen und etwas Terpentin durchgeführt werden, während die Farbe nass ist, aber nach einer Weile muss die ausgehärtete Schicht abgekratzt werden. Ölfarbe trocknet durch Oxidation, nicht durch Verdunstung und fühlt sich normalerweise innerhalb von zwei Wochen trocken an (einige Farben trocknen innerhalb von Tagen). Es ist im Allgemeinen trocken genug, um in sechs Monaten bis zu einem Jahr lackiert zu werden.[citation needed]
Geschichte[edit]
Die frühesten bekannten Ölgemälde, die erhalten geblieben sind, stammen aus der Zeit um 650 n. Chr. An den Wänden von Bamiyan in Afghanistan. Diese Wandmalereien sind buddhistische Werke in einer Siedlung entlang der Seidenstraße. Sie zeigen eine breite Palette an Pigmenten und Bindemitteln und enthalten sogar die Verwendung einer endgültigen Lackschicht. Diese Verfeinerung dieser Maltechnik und das Überleben der Gemälde bis in die Gegenwart lassen darauf schließen, dass in Asien bereits vor dem 7. Jahrhundert Ölfarben verwendet wurden.[2][3][4]
Die meisten europäischen Renaissancequellen, insbesondere Vasari, schreiben nordeuropäischen Malern des 15. Jahrhunderts und insbesondere Jan van Eyck die “Erfindung” von Ölfarben zu[5] Theophilus (Roger von Helmarshausen?) Gibt in seiner Abhandlung jedoch eindeutig Anweisungen für die Ölmalerei. Über verschiedene Künste, geschrieben um 1125.[6] Zu dieser Zeit wurde es wahrscheinlich zum Malen von Skulpturen, Schnitzereien und Holzbeschlägen verwendet, vielleicht besonders für den Außenbereich. Außenflächen und Oberflächen wie Schilde – sowohl solche, die bei Turnieren verwendet werden, als auch solche, die als Dekoration aufgehängt sind – waren haltbarer, wenn sie in Medien auf Ölbasis gestrichen wurden, als wenn sie in traditionellen Temperafarben gestrichen wurden. Die frühe niederländische Malerei mit Künstlern wie Van Eyck und Robert Campin im frühen und mittleren 15. Jahrhundert war jedoch die erste, die Öl zum üblichen Malmedium machte und die Verwendung von Schichten und Glasuren untersuchte, gefolgt vom Rest Nordeuropas erst dann Italien.
Solche Arbeiten wurden auf Holztafeln gemalt, aber gegen Ende des 15. Jahrhunderts wurde Leinwand als Träger verwendet, da sie billiger und leichter zu transportieren war, größere Arbeiten zuließ und keine komplizierten vorläufigen Schichten Gesso (eine Geldstrafe) erforderte Art des Putzes). Venedig, wo Segel-Leinwand leicht verfügbar war, war führend bei der Umstellung auf Leinwand. Kleine Schrankbilder wurden auch auf Metall gemalt, insbesondere Kupferplatten. Diese Stützen waren teurer, aber sehr fest und ermöglichten detailgetreue Details. Oft wurden zu diesem Zweck Druckplatten aus der Druckgrafik wiederverwendet. Die zunehmende Verwendung von Öl verbreitete sich ab Nordeuropa in Italien, beginnend im späten 15. Jahrhundert in Venedig. Bis 1540 war die bisherige Methode zum Malen auf Holz (Tempera) so gut wie ausgestorben, obwohl die Italiener weiterhin Kreidefresken für Wandmalereien verwendeten, die in feuchten nördlichen Klimazonen weniger erfolgreich und dauerhaft waren.
Bei den Renaissance-Techniken wurden mehrere dünne, fast transparente Schichten oder Glasuren verwendet, die normalerweise trocknen durften, bevor die nächste hinzugefügt wurde, was die Zeit, die ein Gemälde benötigte, erheblich verlängerte. Die Unterlackierung oder der Untergrund darunter war normalerweise weiß (typischerweise mit einer Grundierung überzogenes Gips), so dass Licht durch die Schichten zurückreflektiert werden konnte. Aber van Eyck und wenig später Robert Campin verwendeten stellenweise eine Nass-in-Nass-Technik und malten kurz nach der ersten eine zweite Schicht. Zunächst war das Ziel, wie bei den etablierten Techniken von Tempera und Fresko, eine glatte Oberfläche zu erzeugen, wenn die Pinselstriche oder die Textur der lackierten Oberfläche nicht beachtet wurden. Zu den frühesten pastosen Effekten, bei denen eine erhabene oder raue Textur in der Oberfläche der Farbe verwendet wird, gehören jene aus den späteren Werken des venezianischen Malers Giovanni Bellini um 1500.[7]
Dies wurde im 16. Jahrhundert viel häufiger, als die Maler möglicherweise auf den Prozess ihres Malens aufmerksam machten, indem sie einzelne Pinselstriche und eine rau gestrichene Oberfläche offensichtlich ließen. Ein anderer Venezianer, Tizian, war dabei führend. Im 17. Jahrhundert begannen einige Künstler, darunter Rembrandt, dunkle Gründe zu verwenden. Bis Mitte des 19. Jahrhunderts gab es eine Trennung zwischen Künstlern, die “Effekte des Handlings” in ihrer Lackierung ausnutzten, und solchen, die weiterhin “eine ebene, glasige Oberfläche anstrebten, von der alle Manipulationsnachweise verbannt worden waren”.[8]
Vor dem 19. Jahrhundert mahlen Künstler oder ihre Lehrlinge Pigmente und mischten ihre Farben für die verschiedenen Malmedien. Dies machte die Portabilität schwierig und beschränkte die meisten Malaktivitäten auf das Studio. Dies änderte sich, als Ölfarbenröhren nach der Erfindung des quetschbaren oder zusammenlegbaren Metallrohrs durch den amerikanischen Porträtmaler John Goffe Rand im Jahr 1841 weit verbreitet wurden. Künstler konnten Farben schnell und einfach mischen, was zum ersten Mal eine relativ bequeme Freilichtmalerei ermöglichte (ein allgemeiner Ansatz im französischen Impressionismus).
Zutaten[edit]
Das Leinöl selbst stammt aus dem Leinsamen, einer gewöhnlichen Faserpflanze. Leinen, eine “Stütze” für Ölgemälde (siehe entsprechenden Abschnitt), stammt ebenfalls aus der Flachspflanze. Safloröl oder Walnuss- oder Mohnöl werden manchmal zur Formulierung hellerer Farben wie Weiß verwendet, weil sie beim Trocknen weniger “gelb” sind als Leinöl, aber sie haben den leichten Nachteil, dass sie langsamer trocknen und möglicherweise nicht den stärksten Farbfilm liefern. Leinöl neigt dazu, gelb zu trocknen und kann den Farbton ändern.
Jüngste Fortschritte in der Chemie haben moderne mit Wasser mischbare Ölfarben hervorgebracht, die verwendet und mit Wasser gereinigt werden können. Kleine Veränderungen in der Molekülstruktur des Öls erzeugen diese mit Wasser mischbare Eigenschaft.
Unterstützt für Ölgemälde[edit]
Die frühesten Ölgemälde waren fast alle Tafelbilder auf Holz, die in einem komplizierten und ziemlich teuren Verfahren mit der aus mehreren Holzstücken hergestellten Tafel gewürzt und hergestellt worden waren, obwohl eine solche Stütze dazu neigt, sich zu verziehen. Paneele wurden bis weit ins 17. Jahrhundert hinein verwendet, unter anderem von Rubens, der mehrere große Werke auf Holz malte. Die Künstler der italienischen Regionen wandten sich im frühen 16. Jahrhundert der Leinwand zu, teilweise unter dem Wunsch, größere Bilder zu malen, die als Tafeln zu schwer gewesen wären. Segeltuch für Segel wurde in Venedig hergestellt und ist so leicht erhältlich und billiger als Holz.
Kleinere Gemälde mit sehr feinen Details waren auf einer sehr festen Oberfläche leichter zu malen, und Holztafeln oder Kupferplatten, die häufig aus der Druckgrafik wiederverwendet wurden, wurden bereits im 19. Jahrhundert häufig für kleine Schrankbilder ausgewählt. Porträtminiaturen verwenden normalerweise sehr feste Träger, einschließlich Elfenbein oder steife Papierkarte.
Die Leinwand traditioneller Künstler besteht aus Leinen, es wurde jedoch ein billigerer Baumwollstoff verwendet. Der Künstler bereitet zunächst einen Holzrahmen vor, der als “Trage” oder “Sieb” bezeichnet wird. Der Unterschied zwischen den beiden Namen ist der Krankentragen sind dabei leicht einstellbar Siebe sind starr und haben keine einstellbaren Eckkerben. Die Leinwand wird dann über den Holzrahmen gezogen und fest an die Hinterkante geheftet oder geheftet. Dann wendet der Künstler eine “Größe” an, um die Leinwand von den sauren Eigenschaften der Farbe zu isolieren. Traditionell wurde die Leinwand mit einer Schicht Tierkleber (moderne Maler verwenden Kaninchenhautkleber) als Größe beschichtet und mit bleiweißer Farbe grundiert, manchmal mit zusätzlicher Kreide. Die Platten wurden mit einem vorbereitet Gesso, eine Mischung aus Leim und Kreide.
Modernes Acryl “Gesso” besteht aus Titandioxid mit einem Acrylbindemittel. Es wird häufig auf Leinwand verwendet, während echtes Gesso nicht für Leinwand geeignet ist. Der Künstler kann mehrere Schichten Gesso auftragen und jede nach dem Trocknen glatt schleifen. Acrylgips ist sehr schwer zu schleifen. Ein Hersteller stellt ein “schleifbares” Acryl-Gesso her, das jedoch nur für Paneele und nicht für Leinwand bestimmt ist. Es ist möglich, das Gesso in einer bestimmten Farbe zu gestalten, aber die meisten im Laden gekauften Gessos sind weiß. Die Gesso-Schicht neigt je nach Dicke dazu, die Ölfarbe in die poröse Oberfläche zu ziehen. Übermäßige oder ungleichmäßige Gesso-Schichten sind manchmal auf der Oberfläche fertiger Gemälde sichtbar, als Veränderung, die nicht von der Farbe abweicht.
Standardgrößen für Ölgemälde wurden im 19. Jahrhundert in Frankreich festgelegt. Die Standards wurden von den meisten Künstlern verwendet, nicht nur von den Franzosen, da sie von den Hauptlieferanten von Künstlermaterialien unterstützt wurden und werden. Größe 0 (toile de 0) bis Größe 120 (toile de 120) ist in separate “Läufe” für Zahlen unterteilt (Zahl), Landschaften (Auszahlung) und Marines (Marine) dass die Diagonale mehr oder weniger erhalten bleibt. Also a 0 Zahl entspricht in der Höhe mit a Auszahlung 1 und ein Marine 2.[9]
Obwohl Oberflächen wie Linoleum, Holztafel, Papier, Schiefer, Pressholz, Masonite und Pappe verwendet wurden, war die beliebteste Oberfläche seit dem 16. Jahrhundert Leinwand, obwohl viele Künstler im 17. Jahrhundert und darüber hinaus Paneele verwendeten. Das Paneel ist teurer, schwerer, schwerer zu transportieren und neigt unter schlechten Bedingungen zum Verziehen oder Spalten. Für feine Details hat jedoch die absolute Festigkeit einer Holzplatte einen Vorteil.
Prozess[edit]
Ölfarbe wird durch Mischen von Farbpigmenten mit einem Ölmedium hergestellt. Seit dem 19. Jahrhundert werden die verschiedenen Hauptfarben in Farbtuben gekauft, die vor Beginn des Malvorgangs vorbereitet wurden. Weitere Farbtöne werden normalerweise durch Mischen kleiner Mengen während des Malprozesses erhalten. Eine Künstlerpalette, traditionell ein dünnes Holzbrett, das in der Hand gehalten wird, wird zum Halten und Mischen von Farben verwendet. Pigmente können beliebig viele natürliche oder synthetische Substanzen mit Farbe sein, wie Sulfide für Gelb oder Kobaltsalze für Blau. Traditionelle Pigmente basierten auf Mineralien oder Pflanzen, aber viele haben sich über lange Zeiträume als instabil erwiesen. Moderne Pigmente verwenden häufig synthetische Chemikalien. Das Pigment wird mit Öl gemischt, normalerweise Leinsamen, es können jedoch auch andere Öle verwendet werden. Die verschiedenen Öle trocknen unterschiedlich, wodurch verschiedene Effekte entstehen.
Der Künstler verwendet am häufigsten einen Pinsel, um die Farbe aufzutragen, häufig über einem skizzierten Umriss seines Motivs (das sich in einem anderen Medium befinden könnte). Pinsel werden aus verschiedenen Fasern hergestellt, um unterschiedliche Effekte zu erzielen. Zum Beispiel können Bürsten mit Schweineborsten für kühnere Striche und pastose Texturen verwendet werden. Fitch-Haare und Mungobürsten sind fein und glatt und eignen sich daher gut für Porträts und Detailarbeiten. Noch teurer sind rote Zobelbürsten (Wieselhaar). Die feinsten Qualitätsbürsten werden “Kolinsky Sable” genannt; Diese Bürstenfasern stammen aus dem Schwanz des sibirischen Wiesels. Dieses Haar behält einen superfeinen Punkt, hat eine glatte Handhabung und ein gutes Gedächtnis (es kehrt zu seinem ursprünglichen Punkt zurück, wenn es von der Leinwand abgehoben wird), was den Künstlern als “Schnappschuss” eines Pinsels bekannt ist. Floppy-Fasern ohne Knacken, wie Eichhörnchenhaar, werden von Ölmalern im Allgemeinen nicht verwendet.
In den letzten Jahrzehnten wurden viele synthetische Bürsten vermarktet. Diese sind sehr langlebig und können sehr gut sowie kostengünstig sein.
Pinsel gibt es in verschiedenen Größen und werden für verschiedene Zwecke verwendet. Das Art Pinsel macht auch einen Unterschied. Zum Beispiel ist eine “Runde” ein spitzer Pinsel, der für Detailarbeiten verwendet wird. “Flache” Pinsel werden verwendet, um breite Farbschwaden aufzutragen. “Bright” ist eine flache Bürste mit kürzeren Bürstenhaaren, die zum “Einschrubben” verwendet wird. “Filbert” ist ein Flachpinsel mit abgerundeten Ecken. “Egbert” ist ein sehr langer und seltener Haselnusspinsel. Der Künstler kann Farbe auch mit einem Spachtel auftragen, bei dem es sich um eine flache Metallklinge handelt. Bei Bedarf kann auch ein Spachtel verwendet werden, um Farbe von der Leinwand zu entfernen. Zum Auftragen oder Entfernen von Farbe können verschiedene unkonventionelle Werkzeuge wie Lappen, Schwämme und Wattestäbchen verwendet werden. Einige Künstler malen sogar mit den Fingern.
Alte Meister trugen Farbe normalerweise in Schichten auf, die als “Glasuren” bekannt sind, eine Methode, die auch einfach als “indirekte Malerei” bezeichnet wird. Diese Methode wurde zuerst durch eine Anpassung der Eitempera-Maltechnik perfektioniert und von den frühniederländischen Malern in Nordeuropa mit Pigmenten angewendet, die normalerweise in Leinöl gemahlen werden. Dieser Ansatz wurde in der Neuzeit als “gemischte Technik” oder “gemischte Methode” bezeichnet. Der erste Anstrich (die Untermalung) wird aufgetragen, oft mit Eitempera oder Terpentin verdünnter Farbe. Diese Ebene hilft, die Leinwand zu “tönen” und das Weiß des Gessos zu bedecken. Viele Künstler verwenden diese Ebene, um die Komposition zu skizzieren. Diese erste Schicht kann eingestellt werden, bevor fortgefahren wird. Dies ist ein Vorteil gegenüber der in der Freskotechnik verwendeten “Cartoon” -Methode. Nachdem diese Schicht getrocknet ist, malt der Künstler möglicherweise ein “Mosaik” aus Farbfeldern, das vom dunkelsten zum hellsten arbeitet. Die Ränder der Farben werden nach Fertigstellung des “Mosaiks” miteinander vermischt und dann trocknen gelassen, bevor Details angewendet werden.
Künstler in späteren Perioden, wie der impressionistischen Ära (Ende des 19. Jahrhunderts), erweiterten diese Nass-in-Nass-Methode häufig und mischten die nasse Farbe auf die Leinwand, ohne dem Renaissance-Ansatz der Schichtung und Verglasung zu folgen. Diese Methode wird auch “alla prima” genannt. Diese Methode wurde aufgrund des Aufkommens des Malens im Freien anstelle eines Ateliers entwickelt, da ein Künstler im Freien nicht die Zeit hatte, jede Farbschicht trocknen zu lassen, bevor er eine neue Schicht hinzufügte. Mehrere zeitgenössische Künstler verwenden eine Kombination beider Techniken, um kräftige Farben (nass in nass) hinzuzufügen und die Tiefe der Schichten durch Verglasung zu erhalten.
Wenn das Bild fertig ist und bis zu einem Jahr getrocknet ist, versiegelt ein Künstler die Arbeit häufig mit einer Lackschicht, die typischerweise aus in Terpentin gelösten Dammar-Gummikristallen besteht. Solche Lacke können entfernt werden, ohne das Ölgemälde selbst zu stören, um Reinigung und Konservierung zu ermöglichen. Einige zeitgenössische Künstler beschließen, ihre Arbeiten nicht zu lackieren, sondern bevorzugen die unlackierte Oberfläche.
Beispiele berühmter Werke[edit]
-
Motiv aus Tartu, Villem Ormisson, 1937
Verweise[edit]
- Osborne, Harold (Hrsg.), Der Oxford Begleiter zur Kunst1970, OUP, ISBN 019866107X
Weiterführende Literatur[edit]
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