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New Deal Hilfsprogramm zur Finanzierung der bildenden Kunst

Adler- und Palettendesign gilt als Logo des Federal Art Project

Das Federal Art Project (1935–1943) war ein New-Deal-Programm zur Finanzierung der bildenden Kunst in den Vereinigten Staaten. Unter dem Nationaldirektor Holger Cahill war es eines von fünf von der Works Progress Administration (WPA) geförderten Projekten des Federal Project Number One und das größte der New Deal-Kunstprojekte. Es wurde nicht als kulturelle Aktivität geschaffen, sondern als Hilfsmaßnahme, um Künstler und Handwerker zu beschäftigen, um Wandgemälde, Staffelei-Gemälde, Skulpturen, Grafiken, Plakate, Fotografie, Bühnenbilder und Kunsthandwerk zu schaffen. Das WPA Federal Art Project richtete landesweit mehr als 100 kommunale Kunstzentren ein, recherchierte und dokumentierte amerikanisches Design, beauftragte eine bedeutende öffentliche Kunst ohne Einschränkung von Inhalten oder Themen und unterstützte während der Weltwirtschaftskrise rund 10.000 Künstler und Handwerker.

Hintergrund[edit]

Poster mit einer Zusammenfassung der Beschäftigung und Aktivitäten des Federal Art Project (1. November 1936)

Die Arbeiter (ca. 1935), ein von Florence Kawa für das Milwaukee Handicraft Project entworfener Wandbehang, wurde Eleanor Roosevelt überreicht[1]::164

Das Federal Art Project war der bildende Kunstarm der WPA aus der Zeit der Großen Depression, einem Federal One-Programm. Es wurde im Rahmen des Emergency Relief Appropriation Act von 1935 finanziert und war vom 29. August 1935 bis zum 30. Juni 1943 in Betrieb. Es wurde als Hilfsmaßnahme geschaffen, um Künstler und Handwerker für die Erstellung von Wandgemälden, Staffelei-Gemälden, Skulpturen, Grafiken und Postern zu beschäftigen. Fotografien, Index of American Design Dokumentation, szenisches Design von Museen und Theatern sowie Kunsthandwerk. Das Federal Art Project betrieb landesweit Kunstzentren, in denen Handwerker und Künstler arbeiteten, ausstellten und andere ausbildeten.[2] Das Projekt schuf mehr als 200.000 separate Werke, von denen einige zu den bedeutendsten Kunstwerken des Landes zählen.[3]

Das Hauptziel des Federal Art Project bestand darin, arbeitslose Künstler zu beschäftigen und Kunst für nicht bundesstaatliche kommunale Gebäude und öffentliche Räume bereitzustellen. Die Künstler erhielten 23,60 USD pro Woche. Steuerunterstützte Einrichtungen wie Schulen, Krankenhäuser und öffentliche Gebäude zahlten nur für Material.[4] Die Arbeit war unterteilt in Kunstproduktion, Kunstunterricht und Kunstforschung. Das wichtigste Ergebnis der Kunstforschungsgruppe war der Index of American Design, ein Mammut und eine umfassende Studie zur amerikanischen Materialkultur.

Bis zu 10.000 Künstler wurden beauftragt, Arbeiten für das WPA Federal Art Project zu produzieren.[5] das größte der New Deal Kunstprojekte. Drei vergleichbare, aber deutlich getrennte New Deal-Kunstprojekte wurden vom US-Finanzministerium verwaltet: das Public Works of Art-Projekt (1933–34), die Abteilung für Malerei und Skulptur (1934–43) und das Treasury Relief Art Project (1935–38).[6]

Das WPA-Programm unterschied nicht zwischen gegenständlicher und nicht gegenständlicher Kunst. Die Abstraktion hatte in den 1930er und 1940er Jahren noch keine Gunst erlangt und war daher praktisch unverkäuflich. Infolgedessen unterstützte das Federal Art Project berühmte Künstler wie Jackson Pollock, bevor ihre Arbeit ihnen Einkommen einbrachte.[7]

Ein besonderer Erfolg war das Milwaukee Handicraft Project, das 1935 als Experiment begann, bei dem 900 Personen beschäftigt waren, die aufgrund ihres Alters oder ihrer Behinderung als arbeitslos eingestuft wurden.[1]::164 Das Projekt beschäftigte rund 5.000 ungelernte Arbeitnehmer, darunter viele Frauen und Langzeitarbeitslose. Der Historiker John Gurda stellte fest, dass die Arbeitslosigkeit in der Stadt 1933 bei 40% lag. “In diesem Jahr”, sagte er, “blieben 53 Prozent der Grundsteuern von Milwaukee unbezahlt, weil die Menschen es sich einfach nicht leisten konnten, die Steuerzahlungen zu leisten.”[8] Den Arbeitern wurde Buchbinden, Blockdruck und Design beigebracht, mit denen sie handgefertigte Kunstbücher und Kinderbücher erstellten. Sie produzierten Spielzeug, Puppen,[9] Theaterkostüme, Quilts,[8] Teppiche, Vorhänge, Wandbehänge und Möbel, die von Schulen, Krankenhäusern,[1]::164 und kommunale Organisationen[10] nur für die Materialkosten.[11] Als das Museum of Wisconsin Art 2014 eine Ausstellung mit Gegenständen aus dem Milwaukee Handicraft Project veranstaltete, wurden in der Milwaukee Public Library noch Möbel verwendet.[8]

Holger Cahill war Nationaldirektor des Federal Art Project. Weitere Administratoren waren Audrey McMahon, Direktorin der Region New York (New York, New Jersey und Philadelphia); Clement B. Haupers, Direktor für Minnesota;[12] und Robert Bruce Inverarity, Direktor für Washington. Zu den regionalen New Yorker Betreuern des Federal Art Project gehörte der Bildhauer William Ehrich (1897-1960) von der Buffalo Unit (1938-1939), Projektleiter der Erweiterung des Buffalo Zoos.[13]

Bemerkenswerte Künstler[edit]

Rund 10.000 Künstler wurden für das Federal Art Project beauftragt.[5] Bemerkenswerte Künstler sind die folgenden:

Das erste von der Bundesregierung geförderte Kunstzentrum der Gemeinschaft wurde im Dezember 1936 in Raleigh, North Carolina, eröffnet.[150]

Index des amerikanischen Designs[edit]

Poster des Federal Art Project Illinois für eine Ausstellung des Index of American Design

Wenn wir die Zeichnungen des Index of American Design studieren, stellen wir fest, dass die Hände, die die ersten zweihundert Jahre der materiellen Kultur dieses Landes ausmachten, mehr als nur einen ungeschulten kreativen Instinkt und die unhöfliche Kraft einer Grenzzivilisation zum Ausdruck brachten. … Der Index, der Tausende von Einzelheiten aus verschiedenen Teilen des Landes zusammenbringt, erzählt die Geschichte der amerikanischen Handfertigkeiten und zeichnet verständliche Muster in dieser Geschichte nach.

Das Programm Index of American Design des Federal Art Project lieferte eine bildliche Übersicht über das Handwerk und die dekorativen Künste der Vereinigten Staaten von der frühen Kolonialzeit bis 1900. Die für den Index arbeitenden Künstler erstellten fast 18.000 akribisch originalgetreue Aquarellzeichnungen.[1]::226 Dokumentation der materiellen Kultur durch weitgehend anonyme Handwerker.[157]::ix Die Objekte reichen von Möbeln, Silber, Glas, Steinzeug und Textilien bis hin zu Tavernenschildern, Galionsfiguren von Schiffen, Figuren aus Zigarrengeschäften, Karussellpferden, Spielzeug, Werkzeugen und Wetterfahnen.[1]::224[158] Die Fotografie wurde nur in begrenztem Umfang verwendet, da Künstler Form, Charakter, Farbe und Textur der Objekte genauer und effektiver darstellen konnten. Die besten Zeichnungen nähern sich der Arbeit von Trompe-l’œil-Malern des 19. Jahrhunderts wie William Harnett; kleinere Werke repräsentieren den Prozess von Künstlern, die eine Anstellung und Fachausbildung erhalten haben.[157]::xiv

“Es war kein nostalgisches oder antiquarisches Unternehmen”, schrieb der Historiker Roger G. Kennedy. “Es wurde von Modernisten initiiert, die sich dem abstrakten Design verschrieben hatten, in der Hoffnung, das Industriedesign zu beeinflussen. In vielerlei Hinsicht entsprach es der Gründungsphilosophie des Museum of Modern Art in New York.”[1]::224

Wie alle WPA-Programme hatte der Index den Hauptzweck, Arbeitsplätze zu schaffen.[159] Seine Aufgabe bestand darin, Material von historischer Bedeutung zu identifizieren und aufzuzeichnen, das nicht untersucht worden war und in Gefahr war, verloren zu gehen. Ziel war es, diese Bildaufzeichnungen zu einem Material zusammenzufassen, das die Grundlage für die organische Entwicklung des amerikanischen Designs bildet – eine nutzbare amerikanische Vergangenheit, die Künstlern, Designern, Herstellern, Museen, Bibliotheken und Schulen zugänglich ist. Die Vereinigten Staaten hatten keine einzige umfassende Sammlung authentifizierter historischer einheimischer Designs, die mit denen vergleichbar wäre, die Wissenschaftlern, Künstlern und Industriedesignern in Europa zur Verfügung stehen.[160]

“In gewisser Hinsicht ist der Index eine Art Archäologie”, schrieb Holger Cahill. “Es hilft, eine Tendenz zu korrigieren, die dazu geführt hat, dass die Arbeit des Handwerkers und des Volkskünstlers in das Unterbewusstsein unserer Geschichte verbannt wurde, wo sie nur durch Graben wiederhergestellt werden kann. In der Vergangenheit haben wir ganze Sequenzen aus ihrer Geschichte verloren, und Ich habe den einzigartigen Beitrag der Handfertigkeiten in unserer Kultur so gut wie vergessen. “[157]::xv

Der Index of American Design war von 1935 bis 1942 in 34 Bundesstaaten und im District of Columbia tätig. Er wurde von Romana Javitz, Leiterin der Bildersammlung der New York Public Library, und der Textildesignerin Ruth Reeves gegründet.[1]::224 Reeves wurde zum ersten nationalen Koordinator ernannt; Nachfolgerin wurden C. Adolph Glassgold (1936) und Benjamin Knotts (1940). Constance Rourke war nationale Redakteurin.[157]::xii Die Arbeit befindet sich in der Sammlung der National Gallery of Art in Washington, DC[161]

Der Index beschäftigte in seinen sechs Betriebsjahren durchschnittlich 300 Künstler.[157]::xiv Ein Künstler war Magnus S. Fossum, ein langjähriger Bauer, der durch die Depression gezwungen war, vom Mittleren Westen nach Florida zu ziehen. Nachdem er 1934 bei einem Unfall seine linke Hand verloren hatte, fertigte er Aquarell-Renderings für den Index an, wobei er Lupen und Zeicheninstrumente für Genauigkeit und Präzision verwendete. Fossum erhielt schließlich eine Versicherungsvereinbarung, die es ihm ermöglichte, eine andere Farm zu kaufen und das Federal Art Project zu verlassen.[1]::228

  • Magnus Fossum kopiert die 1770 Boston Town Coverlet (Februar 1940)

  • Boston Town Coverlet
    Magnus Fossum (1935–1942)

WPA Art Recovery-Projekt[edit]

Hunderttausende von Kunstwerken wurden im Rahmen des Federal Art Project in Auftrag gegeben.[5] Viele der tragbaren Werke sind verloren gegangen, wurden aufgegeben oder als nicht autorisierte Geschenke verschenkt. Als Verwalter der Arbeiten, die Eigentum des Bundes bleiben, führt die General Services Administration (GSA) ein Inventar[163] und arbeitet mit dem FBI und der Kunstgemeinschaft zusammen, um WPA-Kunst zu identifizieren und wiederherzustellen.[164] Im Jahr 2010 wurde ein 22-minütiger Dokumentarfilm über das WPA Art Recovery Project “Returning America’s Art to America” ​​produziert, der von Charles Osgood erzählt wurde.[165]

Im Juli 2014 schätzte die GSA, dass bisher nur 20.000 der tragbaren Werke gefunden wurden.[163][166] Im Jahr 2015 fanden die Ermittler der GSA 122 Gemälde des Federal Art Project in kalifornischen Bibliotheken, in denen die meisten aufbewahrt und vergessen worden waren.[167]

Siehe auch[edit]

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Weiterführende Literatur[edit]

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    • Ein kurzer Überblick über die Kunst in Amerika und die Funktionen des FAP. Kurze Beschreibung der Aktivitäten der FAP-Kunstzentren, insbesondere in New York City. Kurze Beschreibungen der vier Kunstzentren in New York: Contemporary Art Center; Brooklyn Community Art Center; Harlem Community Art Center; und das Queensboro Community Art Center. GEFUNDEN IN AAA-Rolle 1085.19-27
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Externe Links[edit]


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